Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura: September 2017

Thursday 28 September 2017

Ross Lovegrove

Ross Lovegrove. Diseñador industrial y visionario.

Ross Lovegrove (1958, Cardiff, Gales, Reino Unido) es un diseñador industrial y visionario.

Graduado por la Universidad Politécnica de Manchester con la primera clase BA Hons de diseño industrial en 1980. Y en 1983 se graduó en el Royal College of Art de Londres con un Master en Diseño Industrial.

A principios de los 80 trabajó como diseñador de Frog Design en Alemania Occidental, por entonces considerado el Estudio de diseño líder mundial por encabezar la innovación avanzada en los programas de Apple y Sony que dio como resultado los avances en la desmaterialización de la Sony Walkman y los avances en ordenadores portátiles y accesorios.

Luego se trasladó a París como consultor de Knoll International, convirtiéndose en el autor del revolucionario y exitoso sistema de oficinas Alessandri ( y otros proyectos de oficina que permanecen todavía produciéndose), que comprendía la fusión entre la alta cultura, la tecnología y el arte, y alineándose con grandes arquitectos como Ettore Sottsass; Isamu Noguchi; Harry Bertoia, y Saarinen en Organic Design.

A la edad de 27 años fue seleccionado para estar entre los 5 mejores diseñadores franceses -diseñadores como Jean Nouvel y Philippe Stark– para ser miembro del Atelier De Nimes (haciendo consultorías entre otros a Cacharel; Louis Vuitton; Hermes y Dupont).

En 1990 estableció su Studio X en Londres (construyó su Estudio actual al lado del estudio original de David Hockney en Notting Hill).

Zaha Hadid declaró que “el estudio de Ross es un país de las maravillas de la forma y la tecnología, es como entrar en una nave espacial“.

Ross Lovegrove crea formas increíblemente sofisticadas de automóviles, interiores de aeronaves, cámaras, relojes, bicicletas e incluso objetos cotidianos como las botellas de agua.

Lovegrove es un ecologista, humanista y aboga por que “uno no puede estar centrado en el ser humano sin estar primero centrado en la tierra“.

La naturaleza mejora con cada vez mayor propósito lo que una vez existió. “Sólo estoy interesado en los patrones de crecimiento natural y las bellas formas que sólo realmente crea la naturaleza. Cómo eso fluye a través de mí y cómo hago para que aflore es lo que estoy tratando de entender”.

Inspirado por esta lógica y por la belleza de la naturaleza, los diseños de Ross Lovegrove poseen tres vértices en los que se apoyan :

La tecnología, la ciencia de los materiales (como su interés por los biopolímeros) y las formas orgánicas inteligentes (la forma en la que la naturaleza hace crecer las cosas de forma desenfrenada sin restringirse); creando lo que muchos ven como la nueva expresión estética para el siglo XXI.

“No soy un científico, soy un traductor -puramente instintivo- del siglo XXI de la tecnología en los productos que utilizamos todos los días y que se relacionan de forma natural”, ha declarado en una de sus charlas TED en 2005.

Su interés primordial es por la forma, y cómo la forma puede tocar el alma y la emoción de la gente. “La forma es la quinta dimensión que mueve nuestra conciencia colectiva“.

“Pero estoy interesado en crear formas inteligentes. Para nada estoy interesado en “amorfismos” o en alguna de esa porquería superficial que se ven surgir como diseño. Esto -este consumismo artificialmente inducido- pienso que es atroz”.

Está considerado como un verdadero maestro moderno de los materiales. Es conocido como el “Capitán Orgánico” y esa es una posición filosófica tanto como una posición estética.

“Sus dibujos siempre han predicho el futuro, diseñando cosas que él simplemente no sabía si podían hacerse …. ahora pueden” ha declarado Miska Miller-Lovegrove (socio de Lovegrove Studio).

“Deberíamos estar desarrollando productos que elevaran la percepción de las personas y el respeto por las cosas que extraemos de la tierra y que traducimos en objetos para el uso diario”, reconoció Ross Lovegrove en su charla TED de 2005.

Ha hablado dos veces en TED global, el primero en Monterey, California, en febrero de 2005 titulado “Inspirado por la naturaleza” con Craig Ventor que mapeó el genoma humano; el Dr. James Watson que descubrió el ADN, y Janine Benyus, el autor de Biomimicry.

El segundo TED fue en la Universidad de Oxford en junio de 2009, y fue presentado como “Lovegrove Genesis” hablando de secuenciación predictiva anticipatoria para que en el futuro los productos puedan ser creados a través de algoritmos optimizados, con el fin de ser lo más eficiente posible en material y en la apropiación de la energía.

Su trabajo ha sido presentado en dos programas “Just Imagine” de la CNN, con una audiencia global de 200 millones, mostrando su innovación pionera en vehículos autónomos (COAS) y de vida autónoma (Cápsula Alpina).

Ross Lovegrove ha completado proyectos para, entre otros, Airbus Industries; Kartell; Ceccotti; Cappellini; Idee; Moroso; Luceplan; Driade; Peugeot; Apple Computers; Issey Miyake; Vitra; Motorola; Biomega; LVMH; Yamagiwa Corporation; Tag Heuer; Hackman; Alias; Herman Miller; Artemide; Japan Airlines; Tokyo Ito Architects, o BD Barcelona Design.

Ganador de numerosos premios internacionales, su trabajo ha sido ampliamente publicado y exhibido internacionalmente, incluyendo el Museo de Arte Moderno y el Museo Guggenheim de Nueva York; el Centro Pompidou de París; el Museo del Diseño de Londres (donde en 1993 fue el curador de la primera muestra permanente), y el Vitra Design Museum de Weil Am Rhein (Basilea).

En 1998 Ross Lovegrove fue galardonado con la Medaille De la Ville de París. En 2005 Ross Lovegrove fue premiado con el World Technology Award por Time Magazine y CNN, y el mismo año fue premiado con el Red Dot Design Award por los productos creados para Vitra.

Le concedieron el Batimat Design Award (2010); el Premio Alemán de Diseño en 2016, y el Elle Déco International Design Awards ese mismo año de 2016, entre otros muchos.

Su trabajo ha sido homenajeado en abril de 2017 en el Centro Georges Pompidou de París -en más de 1000 metros cuadrados- con una importante introspectiva titulada “Convergence” que fusionó su filosofía del diseño con ciencia, tecnología, biología, tecno-paleontología, principios evolutivos, organicismo, ecología, materiales y la impresión 3D.

Ross Lovegrove (pág. web).

Ross Lovegrove en el Renault Twin’Z presentado en la Trienal de Milán 2013, y “Diatom” chair (2014) para Moroso.

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Monday 25 September 2017

Philippe Starck

Philippe Starck. Diseñador industrial, de mobiliario y productos.

Philippe Starck, Philippe Patrick Starck (1949, París) es un diseñador industrial francés reconocido mundialmente desde el comienzo de su carrera, en la década de 1980, por sus interiores y muebles, productos, diseño industrial y arquitectura.

Es actualmente uno de los más famosos diseñadores / arquitectos, y también uno de los más mediáticos, de nuestro tiempo.

Sus diseños se pueden encontrar en una gran variedad de utensilios, muebles, interiores y edificios; la productividad y la originalidad de sus ideas lo colocan en la cima de la escena actual. Es el ejemplo prototípico de diseñador estrella.

Philippe Starck es hijo de un ingeniero aeronáutico y estudió en la École de Nissim de Camondo en París.

Starck se define a sí mismo como autodidacta y en 1968 fundó con 19 años de edad su primera empresa, que produjo objetos hinchables.

En 1969 Philippe Starck se convirtió en director artístico del sector de mobiliario de la firma Pierre Cardin.

En 1974 se estableció en los Estados Unidos y dos años más tarde volvió a París. Su fama surgió en estos años setenta y ochenta por el diseño de interiores de bares y locales de ocio nocturno en París. Así proyectó su primer night club, La Main Bleu, y el local nocturno Les Bains-Douches.

En 1979, mientras trabajaba para Adidas, Starck creó su primera empresa de diseño industrial, Starck Product -que después de la novela de Philip K. Dick cambió de nombre a Ubik– y comenzó a trabajar con fabricantes italianos como Driade; Alessi; Kartell, e internacionales como Drimmer de Austria, y Vitra en Alemania.

En 1983, el presidente francés François Mitterrand, por recomendación de su Ministro de Cultura, Jack Lang, eligió a Starck para renovar los apartamentos privados del presidente en el Palais de Élysée.

Al año siguiente diseñó el interior del Café Costes en París, que causó un grandísimo impacto a mediados de los años 80, y se encargó de los interiores del Caffé Manin en Tokio.

Con el paso del tiempo la producción de Philippe Starck se ha ampliado para incluir muebles, decoración, arquitectura, mobiliario urbano, industria (turbinas eólicas, cabinas fotográficas…), accesorios de baño, cocinas, revestimientos de suelo y paredes, iluminación, electrodomésticos, equipo de oficina como grapadoras.

Utensilios diversos, juguetes, cristalería (botellas de perfume, espejos…), diseño gráfico y publicación, incluso alimentos (pasta Panzani, Yule Logs para Lenôtre & Frey…), y vehículos para la tierra, Mar, aire y espacio (bicicletas, motos, yates, aviones…).

Durante los últimos treinta años Philippe Starck ha estado diseñando hoteles en todo el mundo, y ha trabajado para democratizar los llamados hoteles “de diseño“, hoteles de calidad, impactantes por su estética pero accesibles por su precio.

Comenzó con la decoración de los interiores del Hotel Royalton (1988) de Nueva York, que fue una revolución y un referente en su momento; el Paramount en Nueva York, que ofrecía habitaciones a 100 dólares la noche, convirtiéndose en un clásico en su género; el Delano en Miami (1995); el Mondrian en Los Ángeles, y el St Martin’s Lane en Londres (1999), por nombrar sólo algunos.

Los edificios de Starck, aunque muchos de ellos están dedicados a oficinas, se salen de los parámetros que tenemos establecidos para tal fin y son contagiosamente vitales. Así, los edificios que él diseñó en Japón, a partir de 1989, fueron contra el compendio de formas tradicionales.

El primero, Nani Nani, para Rikugo en Tokio, es una estructura antropomórfica, revestida de un material vivo como el cobre que evoluciona con el tiempo. La tesis es : el diseño debe ocupar su lugar dentro del ambiente de trabajo pero sin afectarlo. Un objeto debe servir a su contexto y formar parte de él.

Un año más tarde diseñó el Asahi Beer Hall, más conocido como La Fiamma, para la empresa Asahi también en Tokio, con una escultural llama dorada como remate de su cubierta.

En 1991 participó junto con Alessandro Mendini en la construcción del Groningen Museum, y en 1992 construyó el edificio de oficinas Le Baron Vert en Osaka para Meisei y se ocupó de una serie de residencias particulares, como Lemoult (París), L’Angle (Amberes), y 18 Maisons de rapport en Los Ángeles.

En Francia diseñó la ampliación de la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas (ENSAD) en París (1998).

Además se ocupó del diseño de interiores de los restaurantes Teatriz y de Ramses en Madrid, y también fue el responsable por ejemplo de la decoración del restaurante Bon en Moscú.

De los proyectos más recientes en España, realizó La Alhondiga en Bilbao, que es un centro cultural y de ocio de 43.000 metros cuadrados que se inauguró en 2010.

Starck, que ama los barcos y el mar, diseñó la nueva infraestructura para el puerto de Port Adriano en la bahía suroeste de Palma de Mallorca, inaugurado en 2012 y fue también el director artístico del interior. También diseñó el yate de Steve Jobs, “Venus”, que se botó en octubre de 2012.

En noviembre de 2012, Starck publicó su primer libro de entrevistas “Impression d’Ailleurs“, con Gilles Vanderpooten. En él, expresa su visión de los desafíos que vamos a vivir en el mundo por venir -la ecología, la solidaridad, la juventud, la ciencia- y, como humanista que es, sugiere formas en las que podemos enfrentarlos/confrontarlos.

Philippe Starck fue el primer diseñador que participó en las charlas de TED (tecnología, hospitalidad y diseño).

Junto a su trabajo, Philippe Starck se asoció con Mustache Bikes para diseñar una cartera de cuatro e-bikes (M.A.S.S. Lodo, Asfalto, Arena y Nieve) que utilizan un motor eléctrico de Bosch.

Starck ayudó a diseñar el Xiaomi Mi MIX smartphone, que destaca por tener una 6.4 “superficie de pantalla entera“.

Múltiples y exitosas creaciones a nivel mundial han reafirmado su fama e inconfundible estilo minimalista y funcionalista/moderno. Y con los años sus obras han ido evolucionando hacia un humanismo extremo y un profundo respeto por la naturaleza.

Philippe Starck está fascinado por la eficiencia de los métodos de producción actuales que hacen posible la creación de muebles y objetos de bajo costo.

Su concepto de “diseño democrático” lo llevó a centrarse en los bienes de consumo producidos en masa en lugar de piezas únicas, buscando maneras de reducir los costos y mejorar la calidad de los bienes para el mercado de masas.

A través de su concepto de diseño democrático, Starck ha hecho campaña para conseguir objetos bien diseñados que no estén sólo dirigidos a rentas con niveles elevados de ingresos.

Philippe Starck ha expresado este planteamiento como un ideal utópico, pero él se acercó en la práctica a esta utopía al aumentar las cantidades de producción de algunos de sus diseños para recortar costos.

Una de las formas en las que Philippe Starck ha ahorrado para que el público tenga más fácil acceso a sus piezas es su línea de muebles de plástico para Karttel, que produce piezas como la silla Louis y Victoria Ghost, de las que se han vendido más de un millón de unidades.

A veces los mensajes políticos subversivos también se pueden encontrar en sus proyectos, como por ejemplo la lámpara Gun para Flos (2005), o las lámparas que imaginó con la artista americana Jenny Holzer, también para Flos/Baccarat (2009), en las que se incluyen textos móviles como si fueran panales electrónicos inteligentes de luces leds.

Con preocupaciones medioambientales y ecológicas, creó a finales de los años 1990 el catálogo Good Goods con La Redoute, y también fundó AOA, una empresa de alimentos orgánicos.

Sus últimos diseños ecológicos son el coche eléctrico V + Volteis; o la bicicleta Pibal para la ciudad de Burdeos.

Posee innumerables premios y reconocimientos, en Francia, los Estados Unidos e Italia como Creador del Año; Gran Premio del Diseño Industrial; Oscar del Diseño; Comendador de las Artes y Letras; Compas de Oro, y otros.

Su obra se encuentra en muchas de las colecciones de museos europeos y americanos, entre los que se encuentra el Museo Nacional de Arte Moderno (al que ha donado varias piezas, en particular prototipos) de París; el Museo de las Artes Decorativas también de París; el MOMA y el Museo de Brooklyn en la ciudad de Nueva York; en el Vitra Design Museum de Basilea, y el Museo del Diseño de Londres.

Más de 660 de sus diseños fueron inventariados en colecciones públicas francesas en el año 2011.

Philippe Starck (pág. web).

Philippe Starck y su silla “Victoria Ghost” para Karttel.

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Friday 22 September 2017

Ora Ïto

Ora Ïto. Diseñador industrial, de productos y de interiores.

Ito Morabito, Ora Ïto, (1977, Marsella) es un diseñador “iconoclasta“, el más joven de su generación, con un gran impulso emprendedor, marcada visión y enorme difusión internacional.

Ora Ïto es hijo del diseñador, joyero, poeta, escultor… Pascal Morabito y nieto del arquitecto Yves Bayard.

Ora Ïto se hizo conocido a nivel mundial a finales de los años 90 tras abandonar la universidad para crear su propia página web, y a la edad de 19 años crear así la primera marca virtual de diseño.

Diseñó renders en 3D de productos imaginarios para grandes marcas a nivel mundial -fingiendo que eran novedades de las principales firmas internacionales- como Louis Vuitton; Apple; Nike; Bic; Levi’s; Visa…. que nunca le fueron encargados, y que subía a internet para que tuvieran visibilidad.

La ficción se volvió realidad cuando los clientes que veían estos diseños buscaban o intentaban comprar en las tiendas estos productos inexistentes mientras que los pedidos saturaban la web de Ora Ïto, convirtiéndolos así en iconos de la revolución digital.

Visto el éxito despertado, y la constante difusión en prensa, éstas marcas en lugar de emprender largos y costosos procesos judiciales, acabaron contratando sus servicios como diseñador.

Durante los años 2000, Ora Ïto registró su marca y creó su propio Estudio (multidisciplinar), dedicándose a la creación de productos reales; proyectos transversales que abarcaban sectores como el diseño de producto, moda, arquitectura, comunicación, un tranvía, perfumes, etc.

Los objetos de Ora Ïto son elegantes y futuristas, muchas veces con algunos toques de ironía. Desde un punto de vista estético, las creaciones de Ora-Ïto combinan referencias futuristas con un marcado racionalismo funcional.

Se trata de proyectos poli-sensoriales fuera de las corrientes y tendencias del momento. Ora Ïto ha conseguido desarrollar un vocabulario propio con códigos y señas de identidad muy marcadas.

Hace un nuevo lujo en el que prevalece la atemporalidad y los esquemas minimalistas con los que crea objetos de funciones complejas con una apariencia simple, una filosofía que basa su estilo sobre un termino inventado que él mismo acuña : “Simplexité” o “simplejidad“, que sería la combinación de simplicidad y complejidad.

Para conseguir dar una respuesta sencilla a un problema complejo, Ora-Ïto trabaja con nuevas posibilidades técnicas, nuevos procesos de fabricación y novedosos materiales, integrando tecnologías complejas de manera equilibrada.

El objetivo es parecer simple incorporando una complejidad invisible, como en proyectos tan arriesgados como la lámpara Everywhere para la firma Artemide, un proyecto cuya simplicidad esconde el trabajo de más de un año y medio hasta encontrar la solución más ajustada a los problemas requeridos; o el perfume para Adidas “…llegué con un dibujo muy sencillo, pero me llevó tres años llegar a este punto (el diseño final)“.

Los recursos de diseño más utilizados por el diseñador son las curvas contenidas y los trazos gráficos contundentes que dibujan siluetas gráficas en el espacio. Prescinde de elementos superfluos y presta especial atención a los acabados. “Omito todo lo superfluo, solo me quedo con la esencia del objeto”, sentencia Ora-Ïto.

Los materiales que más emplea son los metales y los polímeros con los que crea elementos de líneas continuadas, piezas en las que evita las particiones. La paleta cromática suele ser muy reducida, utiliza sobre todo tonos negros, grises, blancos, marrones y metalizados.

El juego entre acabado mate y alto brillo es otro de los recursos que el diseñador suele emplear sobretodo en el caso de productos con carácter tecnológico. Sus diseños esculturales se han convertido en etiquetas de modernidad.

Entre los numerosos proyectos ha diseñado joyas de plata para Christofle, o las botellas de aluminio Iconik y Paco para la firma de cerveza Heineken.

La tarea, su primer encargo para ésta compañía, fue en 2002 : el rediseño de su botella de vidrio para atraer a las mujeres a la cerveza. El resultado fue una botella de aluminio que le permitió ganar el premio al mejor packaging en la Feria de Milán y que todavía hoy en día sigue llamando la atención por su pureza de líneas.

También ha diseñado la botellla de plástico Energizing Oxygen para Ogo; el estuche de cosmética Terracotta 4 Seasons para la firma Guerlain, y las interesantes piezas de mobiliario desarrolladas para empresas tan reconocidas como Roche Bobois; Zanotta; Zeritalia; Vondom, o Steiner.

Dentro del mundo de la automoción presentó en 2011 los coches Ufo y Evomobil, un proyecto a mitad entre nave espacial y automóvil, que son unas reinterpretaciones futuristas de dos módelos icónicos de la compañía Traction Avant y DS.

También se ha ocupado de los sistemas expositivos de empresas de este sector, como el “Rendez-vous Toyota”, la sala de exposición de la casa automovilística Toyota en los Campos Elíseos de París.

Ora-Ïto a menudo enfatiza lo mucho que le satisface ver a sus productos funcionando en ámbitos diferentes. “Combinar talento creativo y tecnología… me encanta trabajar con un socio que entiende la importancia del diseño para sus productos“.

Según el diseñador “El aspecto exterior de nuestros objetos diarios, incluyendo los que forman parte del hogar, está poco cuidado“.

En 2005 recibió el Premio Best Design y el Red Dot Award, dos de los más importantes galardones en el mundo del diseño. Se clasificó entre los 40 diseñadores más influyentes menores de 40 años, y en 2011 fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras.

En una entrevista de ese año 2005 declaraba para la revista designboom : “al principio no estaba muy confiado porque realmente no sabía lo que quería hacer, quién era yo… con un poco de experiencia, me siento más seguro ahora. Tengo mi propio vocabulario“.

“Las primeras cosas que hice fueron un poco más de diseño show-off. Es interesante ver que incluso los diseñadores establecidos como Ron Arad o Ross Lovegrove continúan evolucionando“.

En 2013, creó la MAMO, un Centro de Arte en la azotea de la legendaria “La Cité Radieuse” de Le Corbusier en Marsella. Un espacio con una vista de 360 ° que resume su pasión por la levitación y la ligereza “desafiar las leyes de la gravedad hace que las sensaciones vayan más allá de la estética“.

Ora Ïto (pág. web).