Sunday 30 April 2017

Fabio Novembre

Fabio Novembre. Arquitecto, diseñador e interiorista.

Fabio Novembre (1966, Lecce, Italia) es un arquitecto y diseñador italiano con un marcado estilo propio.

Su padre hacía muebles en la ciudad de Lecce -ciudad que además está considerada la cuna del Barroco- donde vivían, al sur de Italia.

Se trasladó a Milán en 1984 con 17 años, donde se graduó en la Universidad de Arquitectura del Politécnico de ésta ciudad en 1992.

En 1993 Fabio Novembre se trasladó a vivir a la ciudad de Nueva York, donde asistió a diversos cursos de dirección de cine.

En 1994 consiguió su primer trabajo como diseñador de interiores para  la tienda Blumarine de Anna Molinari (ya antes de sus colaboraciones con Bisazza, el mosaico -empleado en el proyecto de decoración de ésta tienda- formaba parte del lenguaje de Novembre).

Anna Molinari, por aquel entonces, encargó a un desconocido Novembre, dos de sus tiendas, la primera fue la de Hong Kong y casi simultáneamente otra en Londres. Ese mismo año abriría su estudio en Milán donde empezaría a dar rienda suelta a su pasión creativa.

Los próximos años fueron intensos para el diseñador, y llegan otros proyectos como el impactante restaurante Shu Milán (1999) donde dos gigantescas manos doradas sujetan el techo del local.

La línea curva, el trazo que mejor representa al cuerpo femenino, es una de las grandes motivaciones de Novembre, y este erotismo es para él inevitable y natural. Así nace la silla Him & Her para Casamania, una de las piezas clave de su carrera, o el increíble sofá AND, que diseñó en el 2002 para Capellini.

Desde 2000 hasta 2003 trabajó como director de arte en la tienda de Bisazza en Nueva York, contribuyendo al crecimiento internacional de la marca de teselas para mosaico. También creó el interiorismo para otros locales en los cuales el empleo de mosaico en los revestimientos se forjó como una característica propia de su estilo.

Desde 2001 ha venido colaborando con marcas italianas de diseño creando diferentes piezas de mobiliario con empresas como : Fiat; Cappellini; Driade; Meritalia; Flaminia y Casamania, que ha incluido en muchos de sus interiorismos.

Hasta Pepsi se ha rendido al talento del diseñador. También los proyectos con las mejores marcas de moda continuaron, como la tienda Tardini en Nueva York, y todos las tiendas de Stuart Weitzman en todo el mundo.

De 2008 a 2014 participó en varias exhibiciones e instalaciones : En 2008, la exposición sobre su obra “Enséñame la libertad de las golondrinas“, por encargo del Ayuntamiento de Milán.

En 2009 el Museo del Diseño de la Triennale de Milán lo invitó a crear una exposición personal llamado “Il Fiore di Novembre“. En 2010 el Ayuntamiento de Milán le pidió crear una exposición en el interior del Pabellón de Italia durante la Expo de Shanghai.

2011 es el Año de la Fotografía, y después de ser art-director de la exposición “Lavazza con te partirò” en el Teatro del Arte de la Triennale de Milán (para el calendario del 20 aniversario de la empresa), también diseñará y comisionará la exposición Steve McCurry en MACRO Testaccio (Roma).

En 2014 Fabio Novembre y su equipo diseñaron todos los interiores de la sede del club de fútbol AC Milan, que incluye oficinas, restaurante, tienda y el museo Mondo Milán, que recorre toda la historia del equipo.

Fabio Novembre reivindica la vida, el divertimento, la naturaleza, la pasión y la libertad por encima de todo, y su única pretensión es que la gente sonría al ver sus diseños. En su filosofía de vida, y como diseñador, preconiza una absoluta apertura hacia las personas y las cosas.

Es el hacedor de un mundo onírico, con vivos colores y formas orgánicas, de cuyo cóctel surgen diferentes diseños que continuamente re-interpretan los espacios en los que interviene, y que no siguen ninguna corriente o principio establecido.

Extravagante, y sin sentido del pudor, es un hombre hecho a sí mismo que vive para trabajar y es inmensamente feliz por hacerlo a su manera; porque sin libertad no puede crear. En su pequeño estudio no acepta más de 2 ó 3 encargos por año para poder centrarse en ellos en cuerpo y alma.

Además para él, y sin ánimo de provocar con su visión formal y estética, el cuerpo de la mujer es una inspiración recurrente en su trabajo :

En casi todas las religiones la divinidad está representada con forma humana, ya que el ser humano no es capaz de imaginar nada más perfecto que su propio cuerpo. Yo me reconozco totalmente en esta mentalidad, pero añadiendo un punto de vista masculino“.

Para mí, la divinidad es femenina y el cuerpo desnudo de una mujer es la máxima aspiración estética que se puede disfrutar. Percibo la desnudez femenina como un reclamo irresistible. Por tanto, mi arquitectura es mujer : sensual, sinuosa y misteriosa“.

Driade (Pág. web).

Diseñador Fabio Novembre.

Fabio Novembre y su armchair “Nemo” para Driade (2010).



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Saturday 29 April 2017

Rick Owens

Rick Owens. Diseñador de Moda y de mobiliario.

Rick Owens es, probablemente, uno de los diseñadores más vanguardistas, estimulantes y creativos de la historia de la moda.

Rick Owens (1962, California, Estados Unidos) lanzó su propia marca a lo grande en 1994, a la venta en la exclusiva boutique Charles Gallay de Los Ángeles, donde se venden otras firmas como Martin Margiela, Thierry Mugler o Alaïa.

Cinco años después, daba el salto a los almacenes Barneys y con él, el salto al gran público, y en el año 2002 es la industria de la moda, a través de la CFDA, la que reconocía su talento otorgándole el Perry Ellis Award al Talento Emergente.

Al año siguiente, se trasladaría a París para seguir desarrollando su marca y fijará la Semana de la Moda francesa como escaparate para la muestra de sus transgresoras, y no exentas de polémica, propuestas.

Cuando planteo algo provocador, siempre está planteado desde la calidez, la amabilidad y el amor”, ha declarado el californiano.

Su estilo glunge (una mezcla entre gótico y grunge) y su estética dark, en las antípodas de la imagen de sol y playa que proyecta su ciudad (Los Ángeles), le han convertido en uno de los diseñadores más respetados, interesantes y alabados de la industria de la moda y en un reconocido visionario.

Junto a otros creadores como Comme des Garçons o Ann Demeulemeester, fue uno de los pioneros de la moda sin género : “Estoy muy cómodo con la idea de que haya dos (géneros). Lo que me interesa es ver el punto en el que confluyen ambos” decía al respecto.

Asegura que le inspira la arquitectura y que la idea del estilo le preocupa lo justo : “Quizá no sea tan importante. Si no es una prioridad para ti y todavía no lo has encontrado, pasa a otra cosa. El estilo no lo es todo” reconocía.

Entre otros datos curiosos, Owens cuenta con su propia línea de máquinas de gimnasio y con una serie de figuras (o tótems) de sí mismo distribuidas por todas sus tiendas.

El aclamado diseñador de moda exhibió en el MOCA (Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles) del 17 de diciembre de 2016 al 2 de abril de 2017 “Rick Owens : Muebles“.

La exposición -creada en colaboración con la esposa de Owens, Michelle Lamy– se componía de muebles, obras de arte, una nueva selección de esculturas a gran escala y audiovisuales, todos de Owens, además de una serie de obras del artista y músico Steven Parrino.

El transgresor diseñador de prendas de vestir convertido en diseñador de muebles ha elegido materiales como el mármol, alabastro, bronce, hueso de buey, cuero, cemento y madera contrachapada entre otros para crear sus piezas cercanas al arte y que se inspiran en el diseño moderno, la arquitectura brutalista, la pintura monocromática, el arte minimalista y la danza de vanguardia.

Esta no es la primera exposición de los diseños de muebles de Rick Owens. Sus primeras muestras se produjeron en 2007 y fueron exhibiciones en la galería Jousse Enterprise de París, además de recorrer Ferias de arte como Art Basel, (Suiza).

En 2015, el diseñador hizo otra exposición en el Musée d’Art Moderne de la Ville de París junto a Carol Rama (artista autodidacta italiana cuya pintura abarca un universo erótico, y a menudo sexualmente agresivo, poblado por personajes que presentan temas de identidad sexual con referencias específicas a la sensualidad femenina).

Rick Owens (pág. web).

Diseñador de Moda Rick Owens.

Rick Owens y dos de sus asientos de bronce que emulan cornamentas.



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Friday 28 April 2017

Frank Lloyd Wright

Frank Lloyd Wright. Arquitecto, urbanista, escritor y diseñador.

Frank Lloyd Wright (1867, Richland Center, Wisconsin – 1959, Phoenix, Arizona, EE. UU.).

Frank Lloyd Wright nació en el seno de una familia de pastores de origen británico, y pasó buena parte de su infancia y adolescencia en una granja de Wisconsin, en pleno contacto con la naturaleza, lo que años más tarde condicionó su concepción de la arquitectura.

Estudió ingeniería en la Universidad de Wisconsin-Madison, pero tras dos años abandonó y se trasladó a Chicago, en donde comenzó a trabajar en el Estudio de Joseph Lyman Silsbee, pero al considerarlo demasiado convencional, comenzar a trabajar con Louis Sullivan (que formaba parte de la llamada Escuela de Chicago).

Durante estos años diseñó la Casa Winslow, en River Forest (Illinois) la primera de la famosa serie de Casas de la Pradera.

Frank Lloyd Wright creó un nuevo concepto en los espacios interiores de los edificios, que aplicó en sus Casas de la Pradera, pero también en sus demás obras.

Wright rechaza el criterio, existente hasta entonces, de los espacios interiores como estancias cerradas y aisladas de las demás, y diseña espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Wright cambió desde entonces la forma en que concebimos el espacio interior.

Wright abandonó a su familia en 1909 y viajó a Europa. El año siguiente presentó sus trabajos en una exposición de arquitectura y diseño en Berlín, donde obtuvo un gran reconocimiento. Una publicación que se editó sobre sus obras influyó en las nuevas generaciones de arquitectos europeos.

De regreso a los Estados Unidos diseñó su propia vivienda, Taliesin, que en el transcurso de los años se quemó en tres ocasiones, y que Wright reconstruyó siempre de nuevo.

Los años comprendidos entre 1900 y 1910 abarcan la denominada etapa clásica, durante la que escribe varios libros y dicta algunas conferencias. Este periodo es calificado por el propio arquitecto como el de las Casas de la Pradera.

En 1904 construye la Fábrica Larkin (Buffalo), de carácter monumental, estructura rectangular y fachada de ladrillo. Para este edificio diseña también el mobiliario, adecuándolo a su función laboral.

La obra más famosa de este periodo es el Unity Temple (Oak Park, 1904), en el que utiliza el hormigón armado por primera vez y deja la instalación eléctrica a la vista como parte integrante de la arquitectura y el diseño.

Durante los años 1915 a 1922 Wright trabajó junto a Antonin Raymond en el proyecto del Hotel Imperial de Tokio, para el cual desarrolló un nuevo método de construcción resistente a los terremotos, que consistía en colocar sus cimientos en soportes basculantes hidraúlicos.

Otro proyecto innovador en cuanto al método de construcción fue la casa Barnsdall, en Los Ángeles, que se realizó mediante bloques de cemento prefabricados, diseñados por Wright. Este método de construcción lo aplicó después también en otras de sus obras, tales como la casa Millard.

Cuando atravesó un periodo en el que no tuvo muchos encargos, Wright aprovechó para escribir un libro sobre planificación urbanística, que publicó en 1932, año en el cual comenzó sus Tertulias y la Escuela en Taliesin por la cual han pasado grandes arquitectos y artistas del siglo XX como : John Lautner, E. Fay Jones y Paolo Soleri. Años más tarde creó otra en Arizona y éstos son los lugares donde hoy están establecidas sus Fundaciones.

Otro de sus proyectos más destacados y más conocidos (entre 1935 y 1939) fue la casa Kaufmann ó Fallingwater house en Bear Run, Pennsylvania (también llamada la Casa de la Cascada).

Fijó definitivamente su estudio y residencia en la finca que construyó a tal efecto en pleno desierto de Phoenix (Arizona) llamada Taliesin West (1938-59), en la que logró la integración absoluta del edificio en el paisaje y donde se expone el modelo de una ciudad distribuida horizontalmente sobre el territorio y cuyos habitantes disponen de automóviles para desplazarse por ella.

Frank Lloyd Wright está considerado como el primer arquitecto-diseñador americano siguiendo la estela de otro de sus contemporáneos, como fue el escocés Charles Renie Mackintosh.

En oposición a la acumulación innecesaria de mobiliario en los interiores victorianos, los de Wright son amplios y ordenados. Sus muebles, con sus reiteradas formas geométricas, son necesarios para la concepción del diseño interior y proporcionan esa idea de sencillez y orden.

El mobiliario de Wright, como su arquitectura, se apropia del espacio gracias al claro esqueleto estructural que lo conforma. Las sillas de comedor como la Side Chair para su casa de Oak Park (1895) tienen altos respaldos que se prolongan más allá de las cabezas de los comensales. Colocadas alrededor de la mesa de comedor, las sillas crean un ámbito más íntimo aunque sea de forma temporal. Un recinto más privado dentro del comedor.

La creación de espacios de calidad era uno de los fines de sus diseños : Muebles multiusos compactos que sirvieran para diferentes actividades dentro de un gran ámbito único; mobiliario integrado en la estructura, liberando superficie útil, y ventanales que conectan la actividad interior con el exterior.

En los años 50 Wright diseñó la línea de mobiliario modular Burberry, para amueblar viviendas prefabricadas, cuyo concepto perseguía que cada propietario fuera capaz de conformarlo de forma distinta en cada caso.

Wright diseñó a lo largo de su carrera toda clase de proyectos, y en todos introdujo criterios originales y avanzados para su época. También escribió más libros y numerosos artículos, algunos de los cuales se han convertido en clásicos de la arquitectura de nuestro tiempo.

Frank Lloyd Wright Foundation (pág. web).

Arquitecto Frank Lloyd Wright.

Frank Lloyd Wright.



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Thursday 27 April 2017

Fernando Mastrangelo

Fernando Mastrangelo. Diseñador y artista contemporáneo.

Fernando Mastrangelo (1978, Nueva York) es un artista que vive y trabaja en Brooklyn (Nueva York, Estados Unidos).

En 2001 asistió a la Pilchuck Glass School y recibió su BFA en Escultura en el Cornish College of Arts en Seattle (Washinton, Estados Unidos).

En 2004 recibió su MFA, también en Escultura, en la Virginia Commonwealth University de Richmond (Virginia, Estados Unidos).

El trabajo de Fernando Mastrangelo incorpora diversas narrativas sociales, históricas, políticas, matemáticas e incluso religiosas, utilizando medios inusuales para crear obras conceptualmente complejas.

Mastrangelo utiliza materiales básicos y banales -como la sal, el azúcar, el café, la arena, el vidrio y el cemento- para crear objetos escultóricos que mezclan las disciplinas del arte y el diseño.

Amalgamando los materiales básicos y las formas geométricas puras consigue obras misteriosamente contradictorias. Son robustas y refinadas, duraderas y delicadas, formales y funcionales.

Mastrangelo se mete en un proceso de fabricación fastidioso para lograr estas armonías de naturaleza híbrida que resuenan a través de un espectro panorámico y multidisciplinar, otorgándoles un minimalismo sofisticado y vanguardista.

Sus materiales van desde la pólvora, la sal y el alpiste hasta las piezas más controvertidas como la titulada “Félix“, una escultura elaborada con cocaína, que plantea la tensión socio-económica que representa la economía sumergida de las drogas ilegales, lo que implica la trayectoria de su producción y sus antagonismos, desde los márgenes del mundo subdesarrollado y empobrecido al consumo en ambientes lujosos de los países desarrollados.

La Salvamara” una serie -que llevó a Mastrangelo a Los Ángeles- hecha con cenizas humanas de la pandilla callejera MS 13 (Proyecto MS 13).

Al One” (2010) donde colaboró ​​con Shawn Fanning, el fundador de Napster, en una instalación escultórica que abordaba las crecientes complejidades de las redes sociales.

MMATERIAL“, una de sus últimas colecciones, donde vuelve a contextualizar la forma y la función una vez más, reuniendo materiales banales que fusionan la estética minimalista con la artesanía y su hábil ingenio.

La singularidad de las piezas de Mastrangelo reside en la yuxtaposición de sus elementos y en su tratamiento diferenciado, a veces incluso contradictorio.

Por ejemplo, su sofá de cemento tapizado en terciopelo de seda, de su serie “Drift” muestra cómo mezclar dos propiedades antagónicas como son la suavidad y la dureza.

La estructura y estética de los glaciares y las formaciones naturales de la tierra son el referente utilizado por Mastrangelo para crear muebles fascinantes y desconcertantes .

Otra de las obras representativas de Drift es un banco realizado en arena y cemento, en un intento de emular las capas y estratos de la tierra. Con dos mitades totalmente distintas, Mastrangelo contrasta una parte lisa y perfectamente pulida con otra degradada y de superficie rugosa, mucho más natural y expresiva.

La colección está respaldada por dos viajes fundamentales : a la Patagonia, donde ha obtenido la paleta de colores primarios, y el Gran Cañón, donde las capas de la tierra inspiraron el efecto gradiente de la arena (cada pieza es única y producida en una edición muy limitada).

Fernando Mastrangelo ha expuesto muy a menudo en los Estados Unidos, y también internacionalmente. En 2008, el Museo de Brooklyn adquirió una de sus obras que posteriormente exhibió en su aclamado programa de 2012 Connecting Cultures. Además está representado por la Mike Weiss Gallery de Nueva York.

En 2010, dio un Ted Talk sobre “la naturaleza del arte en la era de las redes sociales“, detallando el proceso creativo detrás de su trabajo “Al One“.

Ha aparecido en publicaciones como Wall Street JournalModern PaintersInterview MagazineWhitewall MagazineFlaunt Magazine y Cultured Magazine (donde es editor colaborador) entre muchos otros.

Fernando Mastrangelo (pág. web).

Diseñador Fernando Mastrangelo.

Fernando Mastrangelo en el sofá (de cemento tapizado en terciopelo de seda) de su serie “Drift”. El espejo y el banco son de la misma serie.



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Wednesday 26 April 2017

Interiores de casas. Interiores contemporáneos en un palacete

Jean Prouvé

Jean Prouvé. Constructor, ingeniero y diseñador.

Jean Prouvé (1901, París – 1984, Nancy, Francia) fue industrial, constructor, herrero, diseñador e ingeniero francés.

Jean Prouvé es uno de los diseñadores de muebles más influyentes del Movimiento moderno temprano, que introdujo la ingeniería industrial en la estética moderna.

Siempre se consideró más un ingeniero y un constructor que un diseñador, y nunca diseñó pensando solo en la forma y sí concentrándose en la esencia de los materiales y la producción.

Su famoso padre, Víctor Prouvé, colaboró ​​como diseñador en decoraciones de cristalerías y muebles con los grandes artistas del Art Nouveau francés (Emile Galle y Louis Majorelle).

En 1919 Jean Prouvé aprendió a trabajar el hierro en los talleres de Émile Robert, en Enghien, antes de asistir a la Escuela de Ingeniería en Nancy.

Este conocimiento íntimo del metal va a ser ya para siempre la esencia de su carrera y de su trabajo. Jean Prouvé se esforzó por conseguir los diseños más eficientes, priorizando la construcción y el material empleado.

La obra de Prouvé abarca desde un abrecartas hasta herrajes para puertas y ventanas; desde lámparas y muebles hasta elementos de fachadas y casas prefabricadas, desde sistemas de construcción modulares hasta grandes estructuras para exposiciones; en realidad, prácticamente todo lo que se pueda producir de forma industrial.

Después de abrir su propio taller en Nancy, en 1923, Jean Prouvé comenzó a producir muebles de metal diseñados por él, así como la colaboración con algunos de los más conocidos diseñadores franceses de la época, incluyendo a Le Corbusier y a Charlotte Perriand.

En 1929, por invitación de Le Corbusier, entró a formar parte de la Union des Artistes Modernes, un destacado grupo de arquitectos, decoradores y diseñadores en su mayoría de origen francés.

En los años siguientes creó muchos diseños de muebles, y en el año 1947 abrió su propia fábrica.

En 1953 Jean Prouvé se vio obligado a abandonar la producción de muebles de diseño moderno debido a sus diferencias con los accionistas mayoritarios de su empresa, y comenzó a dedicar su tiempo a los desafíos de la arquitectura prefabricada.

Sus estanterías para los dormitorios de la Cité Internationale Universitaire de Paris, diseñadas con Charlotte Perriand y la artista Sonia Delaunay, en 1952, son quizás los ejemplos más conocidos de su trabajo colaborativo.

Hoy en día sus realizaciones para esta residencia son conocidos como muebles Antony´s, y figuran entre los muebles mas valorizados del siglo XX.

En 1955 creó junto con su amigo el arquitecto-escritor M. Bataille una pequeña sociedad, Los talleres Jean Prouvé, ligado a una empresa de trabajos en metal que le renovó los deseos de construir.

En 1957 pone a punto el sistema de fachadas ligeras, cuyo elemento principal es la aireación y la fácil aclimatación de estas fachadas, logrando resolver los problemas de aislamiento acústico y térmico.

En las décadas siguientes Prouvé trabajará como ingeniero-consultor. Su estatus será oficializado en 1966 cuando abra una pequeña oficina en la que desarrolará importantes proyectos arquitectónicos en París.

Colaborará con los más grandes arquitectos, como el CNIT, Torre-Nobel (1967) en París-La Defensa, de J. de Mailly; la sede de la UNESCO (1969) en París, obra de Bernard Zehrfuss, y la sede del PCF (1970) en París, realizada por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer.

Siempre interesado por la pedagogía, de 1957 a 1970 Prouvé ocupó la plaza de profesor de Artes aplicadas en el Conservatorio Nacional de Artes y Oficios de París.

En 1971 Jean Prouvé volvió a ser decisivo para la historia reciente de la arquitectura cuando -como presidente del jurado- tuvo un papel destacado en la selección del proyecto, de Renzo Piano y Richard Rogers, para el Centro Pompidou de París.

El final de su carrera está marcado por la experimentación en nuevos materiales (Estaciones de servicios cilíndricas, como las realizadas para Total) o nuevos componentes (paneles de la fachada de la Universidad de Lyon-Bron).

También es el momento del reconocimiento internacional por sus logros técnicos (estructura del Palacio Omnisports de París-Bercy, 1978; o La Torre-radar de Ouessant, en Maxéville, 1981).

A pesar de que Jean Prouvé ha sido durante mucho tiempo una fuerza influyente en el ámbito de la creación y sus diseños originales han sido buscados durante años por coleccionistas y museos, su trabajo ha permanecido relativamente desconocidos para el público en general.

Sin embargo, ya desde hace algunos años, ha habido un resurgimiento y sus creaciones originales están muy cotizadas en las casas de subastas.

En estrecha colaboración con la familia Prouvé, Vitra empezó a reeditar en 2002 los diseños de este gran constructor francés.

Vitra (pág. web).

Arquitecto y diseñador Jean Prouvé.

Jean Prouvé y su “Standard” Chair (1934).



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