Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura: March 2018

Saturday 31 March 2018

Geoffrey Harcourt

Geoffrey Harcourt. Pintor y diseñador industrial.

Geoffrey Harcourt, Geoffrey D. Harcourt (1935, Londres, Gran Bretaña), es un pintor y diseñador industrial británico.

De niño, Geoffrey Harcourt asistió a la High Wycombe Technical School, y posteriormente a la High Wycombe School of Art, donde obtuvo un Diploma nacional en Diseño (NDD).

Después del servicio militar en la Royal Artillery en 1955, terminó su formación en el Royal College of Art de Londres.

Después de su graduación en 1960, Geoffrey Harcourt viajó a Chicago (Estados Unidos), donde trabajó en diseño industrial desde 1960 hasta 1961, antes de regresar a Europa y trabajar con el diseñador Jacob Jensen en Copenhague.

En 1962 regresó a Inglaterra y estableció su propia práctica en Oxfordshire, donde comenzó a diseñar varios programas de asientos para la empresa holandesa Artifort. En 1962, diseñó su primera serie de sillones -para pequeñas oficinas- para Artifort.

Geoffrey Harcourt jugó un papel importante en la exitosa transición de Artifort al mercado de muebles por contrato. Sus diseños introdujeron a Artifort en el mercado internacional diseñando al principio, sobre todo, asientos para áreas de recepción.

Así, la “serie 042” de 1963 para Artifort, fue el primer gran éxito internacional e inmediato de Harcourt, sentando un precedente para las alianzas entre diseñadores británicos y compañías extranjeras.

Los asientos futuristas asociados a la era espacial de los años 60 y 70, creados a partir de ésta fructífera asociación, se convirtieron en los trabajos más conocidos de Harcourt y con muchos modelos en producción todavía hoy en día.

Los más destacados diseños para Artifort incluyen: la “Serie 042” (1963); la “Serie 500” (1967), incluidas las sillas “F 510“; “F 511“; “F 584“; “F 585” y “F 587“; “F 141 Chair” (1967); “F 978 Chair” (1968); “975 Intermediate Chair” (1968); “Cleopatra Chaise Lounge” (1970); “Chicago Chair” y la “Michigan Chair” (ambas de 1971), entre muchas otras.

Así por ejemplo, el Sillón “F585” (1967), entre el diseño nostálgico y moderno, pronto se convirtió en un icono de modernidad y buen gusto.

Su diseño se caracterizaba por las líneas suaves y bien marcadas con una forma de concha que proporcionaba un diseño ergonómico muy cómodo.

Entre sus materiales encontramos el acero en la base, el plástico inyectado para la estructura exterior y la espuma de poliuretano cubierta de algodón o cuero para el asiento.

Su filosofía es que la silla debe enfocarse en la persona y no al revés. La máxima de Harcourt: “Primero la persona, luego la silla“, se refleja claramente en sus diseños.

Geoffrey Harcourt tiene la capacidad extraordinaria de equilibrar una estética limpia con la tecnología ergonómica y la comodidad.

Otro diseño clásico de Harcourt, la “C248 chaise longue” o “Cleopatra chaise longue” surgió como interpretación y homenaje a la decadencia de estilo retro.

La estructura horizontal de la tumbona Cleopatra y su forma revolucionaria, así como la cubierta en tela lavable, hicieron de ésta una pieza de culto en el mundo del diseño de interiores.

En el transcurso de su carrera, Harcourt diseñó para otras compañías importantes a parte de para Artifort, como Dynamit Nobel; Trau (Turín); Steelcase Strafor; Gordon Russell; Hands of Wycombe; Ben Dawson Design, y otras muchas.

Otros diseños notables son: “Strathclyde University Assembly” Chair (1980) para Ben Dawson Ltd.; “Rapport Series” (1998) para Hands of Wycombe, y “Tandro” Chair (originalmente diseñada en 1961 y producida en la década de 2000) para Emmemobili (Italia).

En 1978 fue galardonado con el prestigioso título de Diseñador Real de la Industria (RDI) por la Real Sociedad para el Fomento de las Artes, Manufacturas y Comercio (RSA), y ha ocupado varias cátedras en diversas instituciones académicas, incluida su Alma Mater, el Royal College of Arts en Londres.

El trabajo de Geoffrey Harcourt ha sido exhibido en instituciones icónicas de todo el mundo, como el Stedelijk Museum de Amsterdam; el Centro Pompidou de París; el Museo de Artes Decorativas de Praga; el Design Council en Londres y Glasgow, y el Victoria & Albert Museum de Londres.

A partir de cumplir los 70 años, Geoffrey Harcourt se retiró del diseño de muebles para perseguir una pasión: la pintura. Hoy vive en Oxfordshire y continúa pintando.

Artifort (pág. web).

Geoffrey Harcourt y sofá “C248 chaise longue” o “Cleopatra chaise longue” (1970) para Artifort.

A

B

C

D

E

F

G

H

I

J

K

L

M

N

O

P

Q

Quentin de Coster

R

S

T

U

V

W

X

Y

Z

source https://decorador.online/disenadores-destacados/geoffrey-harcourt/

Saturday 24 March 2018

Kaare Klint

Kaare Klint. Arquitecto, diseñador y docente.

Kaare Klint (1888 – 1954, Frederiksberg, Copenhagen, Dinamarca) está considerado el padre del diseño moderno de muebles daneses.

Kaare Klint, era hijo del igualmente influyente Peder Vilhelm Jensen-Klint (1853 – 1930), un arquitecto, diseñador, pintor y teórico conocido sobre todo por diseñar la Iglesia de Grundtvig, en Copenhague, cuyo estilo expresionista se vincula en gran medida con las tradiciones góticas de ladrillo escandinavo.

Kaare Klint se formó en un principio como pintor antes de estudiar arquitectura bajo la tutela de su padre, el arquitecto Peder Vilhelm Jensen-Klint, y de Carl Petersen (1874-1923).

Desde 1893, Klint aprendió a fabricar muebles en Kalundborg y Copenhague, y recibió clases en la KEA – Copenhagen School of Design and Technology (la Escuela técnica de Copenhagen).

También estudió en la Escuela de muebles Jens Møller-Jensens (1869 – 1948), y las escuelas de Johan Gudmann Rohde (1856 – 1935) un pintor, litógrafo y diseñador danés, principal fundador de Den Frie Udstilling, que desde 1891 permitía a los artistas exhibir obras que no estaban dentro de los criterios de selección de la Academia.

En 1914, Carl Petersen invitó al joven Kaare Klint a colaborar en el diseño de muebles y accesorios para el Museo Faaborg, y de ahí salió su primer diseño de mueble, la silla “Faaborg“.

Klint abrió su propia oficina en 1920 y continuó trabajando para los museos durante las siguientes dos décadas, diseñando muebles tanto para el Museo Danés de Arte Decorativo como para el Museo Thorvaldsens de Copenhague.

Desde el principio, los muebles de Klint se caracterizaron por la armonía entre la elección de la forma y los materiales, a menudo inspirada en la Edad de Oro de estilos pasados y de otras culturas.

De 1921 a 1926 fue el responsable de la conversión del Hospital Frederiks en el Museo de Arte y Diseño de Dinamarca junto con Thorkild Henningsen e Ivar Bentsen.

En 1923, Kaare Klint ayudó a fundar el Departamento de Muebles y Diseño espacial en la Real Academia danesa de Bellas Artes.

Al año siguiente fue nombrado como el primer profesor asociado en este departamento, donde empleó un método de enseñanza considerado radical en su día, muy centrado en el análisis funcional, la elección de los mejores materiales y la mano de obra.

A través de este puesto como profesor -desempeñado desde 1924 a 1954- enseñó e inspiró a una serie de futuros diseñadores de muebles daneses, destacados y prominentes.

Entre éstos están Poul Kjærholm y Børge Mogensen, que facilitaron desde 1945 a 1975 el camino para la consecución de una renovación integral y una progresión internacional del estilo moderno danés de mediados del siglo XX.

El trabajo de Klint se caracterizó por unos diseños cuidadosamente investigados que se basaban en la funcionalidad, las proporciones adaptadas al cuerpo humano, la alta artesanía, el amor por la madera y el uso de materiales de calidad.

Su trabajo estaba impulsado por la investigación poniendo énfasis en una comprensión completa del mobiliario clásico, así como en la evolución de las formas de los muebles como base para los nuevos diseños, y se esforzó por transmitir este enfoque a sus alumnos.

Kaare Klint pedía a los estudiantes que construyeran los muebles de adentro hacia afuera, en base a un pre-análisis completo.

El foco estaba puesto en el análisis de las funciones, la elección y el procesamiento de los materiales. El estilo exterior en este sistema era menos significativo.

Exigió estructuras claras y lógicas, sin nada superficial, solo líneas limpias y puras, honestas y orgánicas, los mejores materiales y mano de obra genuina.

Entre los proyectos más notables de Kaare Klint están la silla “Faaburg” de 1914; el taburete “de la Hélice” de 1927; la silla “Roja” también de 1927, hecha en caoba para el museo e inspirada en las sillas inglesas del siglo XVIII; la silla “Safari” y la silla “de Cubierta“, ambas de 1933; y la silla “de la Iglesia” de 1936. También diseñó textiles, lámparas y órganos.

En arquitectura, la monumental y famosa Iglesia de Grundtvig (Copenhague) fue originalmente una comisión de su padre, cuya construcción había comenzado en 1921. Después de su muerte en 1930, Kaare Klint asumió la responsabilidad de completar el proyecto que duró hasta 1940.

Kaare Klint fue galardonado en 1949 con el título de Royal Honorary Designer for Industry en Londres y el Christian Frederik Hansen de la Real Academia Danesa de Bellas Artes en 1954.

Su trabajo está incluido en las colecciones del Museo Victoria & Albert de Londres; Designmuseum Danmark y el Museo Faaborg en Copenhague; el Israel Museum en Jerusalén; y el Museo Nacional de Diseño Cooper-Hewitt en Nueva York, entre otros.

Carl Hansen & Son (pág. web).

Kaare Klint y silla “Safari” de 1933.

A

B

C

D

E

F

G

H

I

J

K

L

M

N

O

P

Q

Quentin de Coster

R

S

T

U

V

W

X

Y

Z

source https://decorador.online/disenadores-destacados/kaare-klint/

Saturday 17 March 2018

Ico Parisi

Ico Parisi. Arquitecto, diseñador industrial y de mobiliario.

Ico Parisi, diminutivo de Domenico (1916, Palermo – 1996, Como, Italia) fue arquitecto y diseñador, con más de 50 años de vida creativa, y una de las figuras más influyentes del diseño de mediados de siglo XX.

Ico Parisi fue un creador multidisciplinar, agitador cultural y un alma inquieta que, usando sus propias palabras, fue “un creador renacentista, interesado en todas las formas de arte“.

Parisi diseñó muchos interiores y muebles. Fue fotógrafo y cineasta, diseñador de cristal y joyería, pintor y comisario de exposiciones.También trabajó en proyectos de arquitectura, tanto de forma independiente como con su esposa Luisa Aiani.

Ico Parisi se formó en la construcción de edificios en Como, entre 1931 y 1935.

Al año siguiente, también en Como, trabajó en la oficina del influyente arquitecto racionalista Giuseppe Terragni, que marcó el comienzo de su carrera profesional.

Al estallar la II Guerra Mundial, Ico se alistó en el IX Batallón Pontieri -que operaba en el frente ruso- para documentar el conflicto con su cámara.

Allí estuvo hasta el año 1943, para después regresar a Como y reanudar su actividad y su vocación original en el diseño.

La efervescencia cultural que bullía en Italia después de la guerra le llevó a unirse a varios movimientos de vanguardia y fundar los colectivos de arquitectura Alta Quota y Gruppo Como.

Aquí conoce a quien será determinante en su carrera, Luisa Aiani, su compañera de diseño -con la que se casó en 1947- miembro de Alta Quota y talentosa ex-protegida de Gio Ponti, amigo íntimo de los dos.

Ico y Luisa (Aiani) Parisi diseñaron juntos como equipo en su estudio La Ruota -fundado en Como en abril de 1948- y desde el que realizaron proyectos de interiorismo e idearon mobiliario, cerámica y joyas.

Junto con Gio Ponti y Carlo Mollino, los Parisi forjarán el estilo de la época con sus diseños de seductoras formas y sabor italiano, una sabia mezcla de rigor formal y extravagancia.

Los Parisis fueron famosos por sus diseños e interiores orgánicos, y su estudio era un lugar de encuentro para las colaboraciones entre artistas establecidos y diseñadores de la época.

Algunos de los clientes que solicitaron sus diseños incluyeron a Singer & Sons; Altamira; M.I.M.; Longhi, y Cassina.

Sus sofás eran extremadamente populares entre los clientes de gama alta, así como sus escritorios y sillas (muebles conocidos por combinar principalmente madera y metal).

Con una apariencia que personificaba el estilo italiano moderno de la década de 1950, la pareja encarnó el estilo funky moderno y creó en conjunto muchas piezas clásicas de diseño, siendo la más famosa la silla “Modelo 813 Uovo” para Cassina (1951).

Gio Ponti, le escribió a su amigo Ico Parisi para decirle: “Querido, tu silla Huevo es una maravilla. Eres un maestro, y todo lo que me queda es retirarme y vivir en Civate [cerca de Como] en el olvido“.

Entre 1949 y 1952, Parisi estudió arquitectura con Alberto Sartoris en el Instituto Ateneo en Lausana (Suiza).

En 1952, se convirtió en miembro del Art Club de Milán, y en 1956, en miembro de la Associazione per il Disegno Industriale (ADI).

La colaboración del dúo con Cassina fue muy fructífera y dió como resultado muchos otros diseños famosos, incluyendo la silla “Modelo 691” (1955) y el “Modelo 839“, que fueron preseleccionados para el premio Compasso d’Oro en 1955.

Luisa Parisi falleció en 1990; Ico seis años después en Como, donde había vivido casi toda su vida y donde su padre había trabajado como profesor de arte.

Hoy en día estos muebles se venden en subastas y galerías especializadas, y el Archivio del Design de Ico Parisi en Como se encarga de autentificar las piezas, porque la mayoría no estaban firmadas.

Del 15 de Enero al 19 de Marzo de 2017 tuvo lugar en el Palacio de la Triennale Design Museum de Milán la exposición “Ritrovare Ico Parisi“, que abordaba sus mesas de 1948 a 1955.

Casati Gallery (pág. web).

Ico Parisi y el sistema de estanterías “Lerici” (1958) de madera de teca y aluminio con elementos ajustables para M.I.M..