Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura: November 2018

Saturday 24 November 2018

Curro Claret

Curro Claret. Diseñador industrial freelance y profesor de diseño.

Curro Claret (1968, Barcelona, España) estudió diseño industrial en la Escuela de Diseño Superior Elisava de Barcelona, y amplió su formación -pero no la finalizó- en la Central St. Martins de Londres.

A su regreso a Barcelona trabajó en varias actividades relacionadas más o menos con el diseño. Como él mismo reconoce “¿Hay algún trabajo que no esté relacionado con el diseño?“.

El trabajo más sorprendente fue el de una fábrica de piezas de automóviles, donde los trabajadores permanecen todo el día frente a una máquina prácticamente sin moverse, repitiendo el mismo gesto una y otra vez.

En 1998 comenzó su trabajo freelance, y desde entonces ha estado trabajando en una variedad de proyectos diferentes (objetos pequeños, objetos grandes, instalaciones, diseño de interiores, eventos, sucesos…).

“Todos estos diseños se hicieron para mi familia, amigos, galerías, instituciones, fundaciones, la ciudad de Barcelona, la Generalitat de Catalunya, pequeñas empresas, medianas empresas y algunas grandes empresas“.

Durante estos años de trabajo independiente ha estado trabajando como profesor de diseño industrial, principalmente en la Escuela Elisava y, ocasionalmente, en otros centros españoles y también en otros países.

En la actualidad, Claret forma parte de la junta directiva de FAD (Foment de les Arts i el Disseny).

Curro Claret empezó en esto del diseño porque quería ser como Mariscal.

“Mariscal era conocido… y caía simpático. Un tipo divertido que hacía cosas simpáticas, atrevidas y un poco gamberras… y encima entonces ganaba mucho dinero“.

Y eso para un joven como Claret era muy atractivo. “Mariscal ha dejado huella en todos nosotros“.

Lejos del estrellato, el trabajo del diseñador es a menudo una herramienta para generar el proceso de inclusión, colaboración y co-diseño con comunidades que se encuentran en una situación socialmente frágil.

En lo personal reconoce que no tiene coche, no tiene hijos ni hipoteca, vive en el piso de su novia y, aun así, hay meses que le cuesta llegar a fin de mes.

“Sí, vivo en una incertidumbre económica, como tantas muchas personas, y mirando con lupa los gastos. Yo me aprovecho de unas circunstancias que son poco habituales entre mis colegas de profesión. Si tuviera una familia, no podría hacer lo que hago ahora“.

En una entrevista en Mayo de 2016 a Luis Miguel Marco para El Periódico de Catalunya, el periodista describe a Curro Claret como la antítesis del diseñador estirado.

Para él su trabajo es la mejor recompensa. “Es lo que hace que me levante cada mañana. Soy consciente de ser un privilegiado. No estoy ocho horas trabajando en algo que no me llena con el único aliciente de la paga a final de mes y esperar las vacaciones de verano“.

“Me considero un diseñador al que le gusta estar donde hay jaleo, donde hay problemas, donde hay personas que, por lo que sea, se han quedado al margen“.

Por poner un ejemplo, una de sus creaciones, “Por el amor de Dios“, es un banco de iglesia con un respaldo reclinable para que sirva también de cama.

Esa propuesta en concreto pretendía recuperar el espíritu que durante mucho tiempo tubo la iglesia, acogiendo a personas que por diferentes motivos han necesitado esporádicamente un lugar donde dormir.

**Curro Claret reconoce que en general “el establishment” para un diseñador es algo peligroso.**

“Me incomoda estar al lado del establishment porque significa que aceptas el sistema y sus normas, que además han establecido unos pocos privilegiados. Para él “urge re-diseñar este caos… que provoca graves fracturas sociales y mucho sufrimiento“.

Claret reconoce que tiene una relación de amor / odio con la industria. “Yo creo en la idea de un sistema de producción industrial honesto. Pero… ¿cuántas empresas lo son? Existimos como clientes, como usuarios. Pero ¿dónde quedan las personas?“.

Por otro lado entiende también que el empresario busque obtener beneficios. “Vivimos todo el tiempo inmersos en la contradicción, haciéndonos preguntas“.

El estudio en el que trabaja Curro Claret es espartano, con una mesa recogida en la calle que ni siquiera es de Ikea.

Siguiendo con la entrevista para éste diario catalán, Claret declara que a ésta empresa sueca hay que reconocerle que ha hecho realidad el sueño del diseñador del siglo XX: “crear muebles y objetos accesibles y útiles“.

“Aunque luego está la trampa de la vida limitada, de la secuencia de producción no demasiado clara y esa cosa de usar y tirar que no es posible, porque hay que frenar tanto consumo“.

Para él la sostenibilidad debería ser el mayor desafío de los diseñadores. “Cuando yo estudiaba, estábamos convencidos de que el diseñador debía estar donde fuera útil para solucionar problemas“.

“Hace unos años, empecé a aplicar el diseño en este contexto de la gente que no piensa en el diseño porque bastante tiene con resolver su día a día y lo hice sin saber muy bien cómo. Y aquí seguimos, repensando cómo hacer cosas reutilizando más que reciclando, sin maltratar el medio ambiente“.

El discurso detrás del objeto, más allá de la función para la que ha sido creado.

Para Curro Claret el diseño -superada la fase donde la funcionalidad ya está resuelta- debería buscar más “una intencionalidad; plantear otra forma de hacer las cosas. Yo valoro que haya historias detrás de los objetos“.

Ejemplos suyos de objetos respaldados por un discurso coherente son por ejemplo el florero Chapapote, entendido éste como una denuncia, “pero la fealdad podía albergar una flor”.

“Reutilizar es mucho más simple, no implica ninguna transformación. Es la botella vacía que se convierte en jarrón”.

También diseñó la “T300“, una plancha de metal cortada con láser, doblada y con agujeros a la que se le puede atornillar tres patas y una superficie lisa para hacer taburetes a partir de materiales encontrados en la calle por personas que intentan rehacer sus vidas.

De esta “pieza” de metal salió una colección de sillas que se hicieron con la ayuda de diferentes personas de diferentes áreas, utilizando los recursos y materiales específicos de cada una.

El diseñador tiene querencia por los materiales pobres y piensa que la cantidad de objetos que desperdiciamos es un reflejo de un sistema desajustado. “Un cartón pisado por un camión y sucio me atrae de manera inconsciente”, asegura.

“Más allá de los materiales, hay una afinidad en todos los sentidos con lo rechazado, con lo que se tira, con lo que no se valora, con lo que se desprecia“.

Con la “T300” hay sillas como las hechas por Careli, una mujer que trabaja en el servicio de limpieza doméstica; por vendedores de bolsos de marcas falsas en la calle; por chatarreros de la calle; por Claudia, una trabajadora sexual, o por Joana Barcala, una asociación de artesanía urbana que trabaja con un tejido de lana.

En 2014, las sillas fueron presentadas en una exposición en la galería Vinçon (Barcelona) durante los meses de Junio y Julio.

“Esos objetos tienen valor por sí mismos, y no se han hecho para que la gente los compre por caridad. Tampoco hemos hecho el taburete que haría Ikea“.

Involucrar a los desfavorecidos en el proceso de diseño: una oportunidad en su proceso de recuperación.

Tuvo mucha repercusión el interiorismo de las dos tiendas para Camper, una en Barcelona (2012) -realizada con Arrels Fundació– y otra en Madrid (2014) -con la Fundación San Martín de Porres– con bancos, taburetes y lámparas hechas con cordones de colores de los zapatos.

“La empresa Metalarte confió en nosotros para hacer una serie de lámparas“.

Las piezas están hechas por organizaciones que ayudan a las personas que han estado en la calle y están en riesgo de exclusión social y la intención es involucrar a los participantes en el proceso de diseño, ofreciendo una oportunidad para ayudar en su proceso de recuperación.

En la tienda de Camper en Barcelona (en el Centro comercial Triangle, en la plaza Catalunya) se dio un paso más y trabajaron un grupo de seis “ex personas sin hogar” de Arrels Fundació (José, Nicolai, Miguel, Valerio, Aurelio y José).

Fue una gran oportunidad al involucrar a todas estas personas no solo en la construcción del interior, sino también en participar y tomar ciertas decisiones en el diseño mismo.

Para hacerla, se reutilizó la mayoría de los materiales empleados, algunos de ellos de la tienda anterior, y otros como madera encontrada en la calle o zapatillas viejas, carteles y cuero de las existencias fuera de uso de la misma marca Camper.

Para mostrar y explicar el proceso del proyecto, Miguel Fuster (uno de los miembros del equipo, 15 años viviendo en la calle) hizo algunos dibujos impresos en madera (también encontrados en la calle) y los pusieron en la entrada de la tienda.

Claret piensa que el consumo desaforado está destrozando el planeta.

“Uno necesita un techo donde cobijarse, pero eso no implica que la solución pase por hipotecarse toda la vida“.

Para él no está claro que acaparar bienes garantice el bienestar o la felicidad. Y entender eso es uno de los mayores retos que tenemos todos.

En esta línea, muchos separadores del carril bici en Barcelona son suyos. Los diseñó con ayuda de la empresa Zicla, que recupera residuos industriales, en este caso hechos con restos del aislamiento de plástico de los cables eléctricos.

Al hablar de las nuevas generaciones, con las que se relaciona en su trabajo como docente, reconoce que “les ha tocado vivir una realidad muy dura y ven que no puede ser más de lo mismo“.

“Sí o sí les toca a ellos repensar a fondo el papel que como diseñadores quieren tener en esta sociedad, y no solo para sobrevivir, sino para que sientan que lo que hacen da un cierto sentido a sus vidas“.

Según él, muchos jóvenes buscan otras fórmulas. “Me parece buenísimo que se imponga una menor dependencia de lo material y se abogue por construir un entorno de bienes compartidos“.

También hay un libro sobre el diseñador. “Conversación polifónica sobre diseño y otras cosas. Retrato imperfecto de Curro Claret“, escrito por el profesor Oscar Guayabero y Ramón Úbeda, y editado por Gustavo Gili.

El libro es una conversación sobre “diseño y otras cosas” en la que varias personas, entre ellas Curro y Guayabero, conversan en un texto fluido sobre un montón de aspectos.

“No queríamos que fuera un libro sobre diseño, sino un libro de ideas, dudas, experiencias, contradicciones y pensamientos que se han expresado a partir del lenguaje del diseño”.

La obra de Curro Claret ha sido expuesta en numerosas galerías y museos, y publicada en diferentes medios.

Curro Claret ha recibido varios honores y premios, como el premio Ciutat de Barcelona en 2013 en la categoría Diseño, por las piezas presentadas en la exposición “Un dilema, l’art contemporani i la inversió en la certesa“, como resultado de su colaboración con Arrels Fundació.

Curro Claret (pág. web).

Fuente (El Periódico).

Curro Claret con la colección de lámparas “Shoeslaces” (2014) para Metalarte, y silla hecha con la pieza “T300” para la exposición en la galería Vinçon (Barcelona 2014).

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source https://decorador.online/disenadores-destacados/curro-claret/

Saturday 17 November 2018

Joris Laarman

Joris Laarman. Diseñador, artista y empresario.

Joris Laarman (1979, Borculo, Países Bajos) es un diseñador, artista y empresario holandés conocido por sus diseños experimentales inspirados en las tecnologías emergentes más punteras.

“Usando tecnología emergente… y un lenguaje visual del futuro, damos pequeños saltos en el proceso evolutivo. Esto a veces resulta en un trabajo parecido a la ciencia ficción que estimula la imaginación y, a veces, en sugerencias muy prácticas que pueden aplicarse inmediatamente“.

Joris Laarman Lab colabora con artesanos, científicos e ingenieros y con todas las posibilidades de las tecnologías emergentes como: sistemas CNC, impresión 3D, robótica o software de simulación.

Para Joris Laarman la artesanía no tiene por qué ser algo nostálgico y debería plantearse como un proceso en continua evolución “que con la ayuda de herramientas de alta tecnología debería ser algo central para la sociedad“.

Joris Laarman nació en el pequeño pueblo holandés de Borculo, y pasó gran parte de su infancia construyendo sus propios patines y paracaídas.

Más tarde, después de decidir que la escuela de arquitectura era demasiado técnica y la escuela de arte demasiado autocomplaciente, terminó en la Design Academy Eindhoven, donde se graduó Cum Laude en 2003.

Aquí descubrió que los dos lados de su personalidad, el friki de la ciencia y el romántico soñador del artista, eran más compatibles de lo que él creía.

Joris Laarman recibió el reconocimiento internacional por primera vez con 23 años por su proyecto senior en la escuela de diseño del radiador “Heatwave” de hormigón modular.

Este radiador, con sus curvas barrocas inspiradas en el antiguo papel pintado francés, calienta un cuarto más eficientemente que un rectángulo de metal estándar, “combinar razón con emoción, eso es lo más difícil de hacer; en el diseño y en todo“, comenta Laarman.

Producido por la firma de diseño holandesa Droog y luego fabricado por Jaga Climate Systems, éste radiador se exhibe en la colección del Atlanta’s High Museum of Art (Georgia, EE. UU.).

En 2004, Laarman junto con su socia Anita Star, fundaron Joris Laarman Lab en Amsterdam (Holanda).

“Vivimos en un tiempo fascinante. Somos hijos de un momento de transición: un pie en la era industrial y el otro en la era digital. Es fascinante, aterrador e inspirador al mismo tiempo. Esta fascinación por los desarrollos tecnológicos y todas las posibilidades que lo acompañan están en el corazón de nuestro laboratorio“.

La fascinación de Laarman por la era digital empezó realmente “cuando vi una animación en un documental sobre el profesor alemán Claus Mattheck. Para mí, esto no fue solo una animación, sino una visualización de cómo en general la era industrial se está transformando en la era digital“.

Joris Laarman declara en su página web que “los tiempos industriales y los pioneros modernistas tenían que ver con las piezas estandarizadas y su ensamblaje en un lenguaje de formas geométricas dictado por las limitaciones de las máquinas industriales.

“En nuestra era digital, sin embargo, ya no estamos sujetos a estas limitaciones. Con el diseño digital y las herramientas de fabricación podemos crear formas personalizadas más inteligentes que son mucho más complejas“.

Desde el Art Nouveau hasta el diseño orgánico de los años 60 (impulsado por innovaciones en plásticos y madera contrachapada) los diseñadores se han esforzado por crear objetos inspirados en la naturaleza, “pero nuestra era digital hace posible no solo utilizar la naturaleza como referencia estilística, sino también utilizar los principios subyacentes para generar formas como un proceso evolutivo“.

Laarman está considerado como uno de los talentos más formidables del diseño en la actualidad y disfruta de un “caché” especial entre los museos y coleccionistas prestigiosos.

Así por ejemplo, su silla “Bone” (2006) forma parte de la colección permanente del Rijksmuseum de Amsterdam; del Museo de Arte Moderno de Nueva York; del Vitra Design Museum; el Weil am Rhein; el Centraal Museum de Utrecht, y del Museum fur Kunst und Gewerbe de Hamburgo.

El diseño de “Bone” comenzó en realidad en 1998 cuando Adam Opel GmbH, filial alemana de General Motors, desarrolló un nuevo software de imagen y simulación con la intención de crear un motor más eficiente. Este software en realidad lo que consigue es replicar un diseño que logra la máxima resistencia con una cantidad mínima de material.

“Cuando me pidieron que participara en la exhibición “Smart Deco”, iniciada por Droog y Barry Friedman, mi propuesta fue crear una silla completa utilizando este algoritmo como una herramienta de escultura digital de alta tecnología. Si la madre naturaleza quisiera crear una silla, probablemente se parecería a los resultados que obtendríamos“.

Para la silla “Bone” de aluminio el resultado generado por ordenador tuvo que ser replanteado para las especificaciones concretas de este material; y aunque dio como resultado que su forma se convirtiera en más esbelta fue todo un desafío debido a su complejidad orgánica.

“Prácticamente todas las empresas a las que nos acercamos se negaron a aceptar el desafío, hasta que recurrimos a Phil Verdult, que tenía un pequeño taller en algún lugar de la pequeña ciudad de Heerhugowaard“.

Gracias a años de experiencia con los procesos de fundición y a experimentos con nuevas técnicas como la fundición de metal en moldes de cerámica impresos en 3D -que ensamblados daba como resultado el objeto real fundido de una vez- se consiguió la primera silla de hueso de aluminio.

“Es como si un árbol simplemente creciera del suelo para mantenerlo apuntalado“, dice Paola Antonelli, curadora del MoMA de Nueva York.

Después de que la lámpara/candelabro “Nebula” (2007), que creó para Flos, fuera una de las piezas favoritas en la Feria del Mueble de Milán de ese año, y dos de sus piezas de mobiliario se presentarán en la exhibición del MoMA: “Design y Elastic Mind” (del 24 de febrero al 12 de mayo de 2008), Paola Antonelli destacó a Joris Laarman como una figura clave en la ola actual de diseñadores que exploran la intersección entre la tecnología de vanguardia y la belleza clásica.

“Muchos diseñadores ahora están buscando trabajar con software como una forma de crear nuevas formas”, dice Antonelli, pero “Joris lo hace con particular elegancia“.

Flos se convirtió en la primera de las pocas firmas de diseño con las que Joris comenzó a colaborar. “Conocía a todos los artistas que trabajaron con Flos y, para ser sincero, me sentí un poco intimidado… Quería hacer algo elegante y atemporal fuera de lo anónimo y lo común; quizás un poco en la tradición de Achille Castiglioni, pero a mi manera“.

De la lámpara “Nebula” comenta que “creé esta versión de vidrio soplado de un grupo de pantallas de lámparas antiguas que encontré en un mercadillo local. Mientras los mezclaba en diferentes composiciones, me llamó la atención la fuerza de la imagen que apareció al combinarlos en un grupo como una explosión de luz, casi sin simetría, pero con una armonía natural en su composición“.

En el año 2013, el Laboratorio (Joris Laarman Lab) colaboró con Greenpeace instalando una cápsula del tiempo en el fondo del mar Ártico para la campaña “Save the Arctic“.

Otro hito fue en 2014 con la producción de la consola “Vortex” (2014), que fue diseñada de tal manera que permitiera crear una nueva variación cada vez.

Múltiples capas de contornos de aluminio perforado se ensamblan siguiendo un modelo digital y en el laboratorio desarrollaron un sistema de molde a presión para laminar hojas delgadas de aluminio que resultó en si mismo espectacular.

Desde el comienzo del diseño moderno ha habido un discurso sobre el uso del ornamento contrapuesto a la funcionalidad, y de la artesanía frente a la industria.

“El ornamento siempre ha sido un aspecto importante de nuestro trabajo y nuestra era digital permite muchas perspectivas nuevas… Al observar un mundo globalizado cada vez más uniforme, creemos que el ornamento y la personalización son cada vez más importantes“.

Las piezas de “Vortex” se inspiraron en la investigación sobre métodos computacionales de vórtices de Mark J. Stock de la Universidad de Michigan, ya que con éste método los vórtices se pueden controlar.

“El uso de este conocimiento en nuestros diseños permite a los usuarios decidir la cantidad de ornamentación que desean, como un duelo entre la funcionalidad y el ornamento, un juego entre el bien y el mal“.

En Junio de 2015 se anunció otro proyecto importante. Entre Abril y Octubre de 2018 cuatro robots de seis ejes terminaron de imprimir en 3D la estructura de 4 metros de ancho de un puente para la ciudad de Ámsterdam.

Ésta estructura, impresa en el aire a partir de capas de acero fundido, se planificó para que la colocación de la plataforma y todo el complejo puente de metal llegara a tiempo para la Dutch Design Week.

“Creo firmemente en el futuro de la producción digital y la producción local“, declaró Joris Laarman al anunciar el proyecto en 2015.

Éste es un puente peatonal de acero de 12 metros de largo diseñado por Joris Laarman Lab e ideado por la startup de tecnología MX3D (con sede en Ámsterdam) que cruzará uno de los canales más antiguos y famosos de la ciudad (en el Oudezijds Achterburgwal, en el Barrio Rojo) una vez que se complete la renovación del canal.

La firma de ingeniería Arup e investigadores del Imperial College de Londres realizaron varias pruebas de carga completa para probar la integridad estructural del puente, que se imprimió dentro de un antiguo hangar de construcción naval.

Con geometrías complejas, fuertes y elegantes, el puente está programado para ser instalado en 2019, y muestra cómo la impresión 3D finalmente entra en el mundo de la gran escala.

La impresión 3D permite objetos funcionales y materiales sostenibles que a la vez permite una libertad de forma sin precedentes. “El simbolismo del puente es una hermosa metáfora para conectar la tecnología del futuro con la ciudad vieja de una manera que saca lo mejor de ambos mundos“.

Para este puente -que mide 12,5 metros de largo, 6,3m de ancho y pesa 4.500 kg- se utilizó el software MX3D (especialmente diseñado para este proyecto) y cuatro robots industriales multi-eje que tardaron seis meses en imprimir el tramo completo del puente.

En el fondo, Joris Laarman se parece mucho a un inventor de la vieja escuela de Buckminster Fuller, aunque su idealismo se equilibra con el mismo grado de conocimiento comercial que ha hecho que sus compañeros de Eindhoven, como Maarten Baas, tengan tanto éxito.

Gracias a la gran demanda de la silla “Bone” -de edición limitada y agotada- y sus colaboraciones regulares con gigantes del diseño como Flos y Droog, a Joris Laarman le resulta más fácil financiar sus propios experimentos fantásticos.

“Su trabajo es alucinante“, agrega Li Edelkoort, presidenta de la renombrada Design Academy Eindhoven, “y está cambiando nuestra perspectiva sobre el funcionalismo“.

Los diseños de Laarman se encuentran en colecciones permanentes y exposiciones en instituciones como el MoMA de New York; el Victoria & Albert de Londres y el Centro Pompidou de París.

Joris Laarman ha colaborado también en artículos y seminarios para la revista Domus y ha dado conferencias en la Architectural Association School of Architecture de Londres; la Gerrit Rietveld Academy de Ámsterdam, y la Design Academy Eindhoven.

Joris Laarman (pág. web).

Fuente: (designboom).

Joris Laarman sentado en su silla “Bones” (2006) y consola “Vortex” (2014).