Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura

Sunday, 17 December 2017

Greg Lynn

Greg Lynn. Arquitecto y diseñador industrial.

Greg Lynn (1964, North Olmsted, Ohio, EE.UU.) es el fundador y director de la oficina Greg Lynn FORM.

Afirma que siempre ha querido ser arquitecto : “Cuando tenía doce años, ya podía construir dibujos en perspectiva y dibujar proyecciones axonométricas“, dice Lynn.

Lynn se graduó cum laude por la Universidad Miami -ubicada en Oxford (Ohio), informalmente conocida como Miami, Miami U, Miami of Ohio y MU, es la décima universidad más antigua de los Estados Unidos- con un grado en arquitectura y filosofía; y por la Universidad de Princeton (Princeton, Nueva Jersey) con un master en arquitectura.

Antes de abrir su propia Agencia, Greg Lynn trabajó con Peter Eisenman y Antoine Prichard.

Greg Lynn destaca por el uso del diseño asistido por ordenador para producir originales formas arquitectónicas irregulares y biomórficas, ya que defiende que con el uso de la última tecnología de cálculo se puede implementar en la generación de nuevas formas y expresiones arquitectónicas.

Los edificios, proyectos, publicaciones, enseñanzas y escritos asociados con su oficina han influido decisivamente en la aceptación y uso en arquitectura de las tecnologías avanzadas relacionadas con las industrias aeronáutica, automovilística y cinematográfica del sur de California.

Lynn ha escrito extensamente sobre estas ideas -es autor de ocho libros- primero en 1993 como Editor de un número especial de la revista AD llamado “Folding in Architecture : Architectural Design Profile 102“.

En 1999, su libro “Animate FORM“, financiado en parte por la Fundación Graham, se centró en el uso de la animación y motion graphics (un software de diseño).

“Folds, Bodies & Blobs : Collected Essays (Books-by-architects)” es el ensayo reeditado de ANY Magazine “Blobs, o por qué la tectónica es cuadrada y la topología es maravillosa“, a partir del cual se popularizó el término “blobitecture”, atribuído a él.

En obra construida, hay que destacar el co-proyecto, junto con Douglas Garofalo y Michael McInturf, de la Iglesia Presbiteriana de Nueva York en Queens (N.Y.), ya que es uno de los primeros proyectos que utilizan un software de animación vectorial en su diseño.

Las últimas obras de Lynn comienzan a explorar la manera de integrar la estructura y la forma, al descubrir que algunas formas biomórficas son intrínsecamente resistentes a la carga.

También está a la vanguardia de la exploración de las posibilidades de fabricación digital, tratando de hacer factible, en términos económicos, la realización constructiva de estas formas complejas.

A menudo experimenta con métodos de fabricación de la industria aeroespacial, construcción de barcos y de automóviles en sus instalaciones, como por ejemplo : Swarovski Crystal Sails y HSBC Designers Lounge para Design Miami (2009), y en sus proyectos de diseño industrial como el Tea and Coffee Towers (2003) para Alessi, y la Ravioli Chair (2005) para la empresa alemana Vitra.

En 1999 Time Magazine nombró a Greg Lynn una de las 100 personas más innovadoras del mundo para el Siglo XXI en el campo de la arquitectura y el diseño.

En 2002 dirigió a un grupo de estudiantes de la University of California (UCLA), Los Angeles, para participar en la Bienal de Arquitectura de Venecia representando a los Estados Unidos. Y en 2003 fue galardonado con el Premio de la Academia Americana de Artes y Letras.

En 2005 la revista Forbes nombró a Lynn uno de los diez arquitectos vivos más influyentes. Fue el ganador del León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2008, y nombrado Fellow 2010 por la United States Artists (USA).

Su trabajo se encuentra en las colecciones permanentes del Instituto de Arte de Chicago; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el Centro Canadiense de Arquitectura en Montreal, donde recientemente abrió la final de tres exposiciones “De las exposiciones digitales “que realizó centrándose en el desarrollo y uso de computadoras en la arquitectura, culminando en un archivo digital de 25 proyectos, así como seminarios, programas públicos y publicaciones.

Lynn enseña en el departamento de arquitectura de la Universidad de Columbia; en la European Graduate School (ETH Zurich), y en la Escuela de Arquitectura de Yale University (New Haven, Connecticut).

En la actualidad es miembro de la UCLA, en arquitectura y urbanismo, y también está a la cabeza de un estudio de diseño (una clase magistral) en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena.

Greg Lynn (pág. web).

Greg Lynn y “Ravioli” chair (2005) para Vitra.

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Friday, 15 December 2017

Warren Platner

Warren Platner. Arquitecto, diseñador de mobiliario y de interiores.

Warren Platner, en realidad Joseph Warren Platner, (1919, Baltimore, Maryland – 2006, New Haven, Connecticut, EE.UU.) fue un arquitecto norteamericano, diseñador de mobiliario y de interiores.

Platner produjo una colección de muebles que ha resultado ser un icono constante del movimiento moderno de los años 60.

También es famoso por diseñar varios interiores prominentes en la ciudad de Nueva York, incluyendo las oficinas centrales para el edificio de la Fundación Ford y el restaurante original Windows on the World, en el desaparecido World Trade Center.

Se licenció en arquitectura en 1941 en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York) y comenzó a trabajo en algunas de las oficinas de arquitectura más importantes y famosas de Estados Unidos. Así por ejemplo, entre 1945 y 1950 trabajó para Ieoh Ming Pei y Raymond Loewy.

En 1955 recibió el Premio de Roma en arquitectura. Este premio se creó en 1663 como premio anual que se concedía a jóvenes pintores, escultores y arquitectos, y consistía en una estancia de cuatro años en la Academia de Francia en Roma.

A las competiciones iniciales de pintura, escultura, arquitectura y grabado, se unió en 1803 la de composición musical. Durante 300 años, fue el máximo galardón que un artista de cualquier país podía recibir. Fueron otorgados hasta el año 1968.

En 1967 Warren Platner abrió su propia firma, Warren Platner Associates, en New Haven (Connecticut), mientras él residía en Guilford.

Desde 1960 a 1965 Warren Platner fue también parte de la oficina de Eero Saarinen, participando en los diseños para el Aeropuerto Internacional Dulles en Washington, D.C.; el Teatro Repertorio en el Lincoln Center; la Sede Mundial John Deere & Company y varios dormitorios en la Universidad de Yale.

Mientras trabajaba en las firmas de Eero Saarinen y Kevin Roche, a principios y mediados de 1960, continuaba trabajando en el edificio de la sede de la Fundación Ford, en 320 East 43rd Street, cerca de Second Avenue en Manhattan.

Diseñado por Kevin Roche y abierto en 1967, su construcción de acero, granito y cristal, con su jardín central, simbolizaba la visión optimista y confiada de la sociedad norteamericana, producto de los numerosos programas sociales contra la pobreza promovidos por el presidente Lyndon B. Johnson y los demócratas en el Congreso de los Estados Unidos.

Todas estas medidas trataban de construir una gran sociedad (The Great Society) : una nación donde la igualdad de oportunidades y una alta calidad de vida fueran el patrimonio de todos (en 1965 había muchas razones para sentirse optimista acerca del futuro de la nación, ya que la pobreza descendía y los estadounidenses gozaban de una mayor prosperidad y mejor educación que en cualquier otro período anterior de su historia).

Fue en 1966, cuando Warren Platner dio a conocer su colección inicial de sillas y mesas “Ottoman“, también conocidas como “Platner“.

Esta serie de muebles fue producida por la firma Knoll International, con la ayuda de una subvención de la Fundación Graham, y cada pieza descansaba sobre una base escultórica de varillas de acero niquelado que se asemejaban a una “brillante gavilla de trigo“, según la describía el catálogo de Knoll.

La producción era complicada. Las bases escultóricas estaban hechas de cientos de varillas, y para algunas sillas, se requerían más de 1.000 soldaduras. Una base de acero de malla cilíndrica intrincada, creando un juego arquitectónico único entre el espacio interior y exterior, apoyaba el asiento tapizado.

La colección ha estado en producción desde el año 1966 debido a un interés continuo y cada vez mayor por los diseños clásicos del movimiento moderno de mediados de siglo. Con las mesas y sillas “Platner“, Warren Platner esbozó la definición de clásico como algo que cada vez que lo ves lo aceptas como es y no encuentras manera de mejorarlo.

Como director de diseño de interiores de la firma de Kevin Roche, Warren Platner creó espacios de oficinas flexibles, discretos y eficientes. Utilizó un esquema de colores ricos y a la vez silenciosos para crear ambientes cálidos, y creó muebles hechos a medida diseñados para eliminar esfuerzos innecesarios.

Escritorios ergonómicos que incluían teléfonos integrados y compartimentos especiales para archivos y máquinas de oficina.

Platner creía que el diseño de un edificio debía venir de dentro. Para el diseño de cada edificio en concreto Warren Platner explicaba que “trato de concebir cuál sería el mejor ambiente, el mejor carácter“.

Uno de los primeros proyectos en solitario de Warren Platner fue el showroom en Nueva York para Georg Jensen (Georg Jensen Design Center, el vendedor de muebles y alumbrado escandinavo), inaugurado en 1968.

El diseño de Warren Platner para Windows on the World, el restaurante en lo alto del World Trade Center que se inauguró originalmente en 1976, es bien conocido por la repercusión que tuvo en su día.

El comedor principal estaba diseñado para proporcionar vistas a cada mesa, asientos íntimos y con un sentido del drama. Paul Goldberger, crítico de arquitectura del New York Times de la época, describió el exuberante interior del restaurante, con sus suaves colores pastel, paredes enteladas y rejas de latón a modo de separadores, como un ejemplo de “estilo moderno sensual“.

Platner, que también creó accesorios de iluminación, revestimientos para pisos y ventanas, muebles y adornos arquitectónicos para clientes, completó muchos otros proyectos notables, como el diseño de interiores de Water Tower Place, el centro comercial vertical que se inauguró en Chicago en 1976, y la renovación en 1986 del lobby de Pan Am Building para su nuevo dueño, MetLife.

Warren Platner fue incorporado al salón de la fama de la revista Interior Design en 1985.

Hasta 2006, que cayó enfermo, Warren Plattner siguió activo en su empresa trabajando en proyectos que incluían por ejemplo un nuevo Centro comercial en Grecia.

Knoll International (pág. web).

Warren Platner, y “Ottoman” chair (1966) producida por Knoll International.

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Saturday, 9 December 2017

Philip Michael Wolfson

Philip Michael Wolfson. Arquitecto y diseñador de mobiliario e interiores.

Philip Michael Wolfson (1958, Filadelfia, Pensilvania, EE.UU.) es hijo de un ingeniero de la NASA.

Estudió arquitectura en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York) y en la Architectural Association School of Architecture de Londres, donde fue descubierto por la ya fallecida arquitecta Zaha Hadid, con la que trabajó después como Jefe de diseño durante diez años.

En 1991 fundó su propio estudio Philip Michael Wolfson Architecture + Design, donde desarrolla piezas de edición única y seriadas.

Con una manera de hacer distintiva, cuestionándose las formas y las ideas del Movimiento Moderno de principios del siglo XX, Philip Michael Wolfson plantea un enfoque único influenciado por la dinámica que produce la fractura/ruptura y la fragmentación.

Su concepto deriva de la dinámica de las formaciones naturales y el movimiento geométrico, donde los materiales se manipulan en formas fluidas y superponiendo capas.

La luz y las sombras son parte integral del resultado final de la obra, produciendo unos diseños estilizados y elegantes que se asemejan a formas orgánicas cuyo origen es la naturaleza, como contorsiones geológicas sedimentadas o como los movimientos enérgicos de un director de orquesta apasionado.

El refinado uso de materiales como la madera, el vidrio, los diferentes metales y tipos de piedra, así como nuevos materiales, como la fibra de carbono, aporta una elegancia dinámica y un sentimiento contemporáneo individual único.

Entre sus participaciones en proyectos de interiorismo están el diseño de piezas clave del mobiliario para el restaurante Robert (2010) en la azotea del Museo de las Artes y del Diseño de Nueva York (con vistas hacia Columbus Circle, Central Park y Broadway).

Este proyecto incluía una mesa de acero de más de 4 metros de largo y las mesas más pequeñas de cóctel. La iluminación fue diseñada por la prestigiosa arquitecta de San Francisco Johanna Grawunder y las piezas de tapicería por el maestro, ya un clásico, Vladimir Kagan.

Otra pieza destacada suya es “SoundForm FLUID” (2011), una pieza escultórica -para el lanzamiento de Glenmorangie Scotch Whisky en Taiwán y China- que fue concebida como una visualización concreta de la longitud de onda generada al verter un líquido en un cristal.

“SoundForm FLUID” fue el desarrollo de una poesía visual con la función de una barra de bar, con una forma escultórica tangible, surgida de la investigación de los estudios de Philip Michael Wolfson sobre la manera en la que el sonido se puede transportar y transformar en un objeto físico específico.

Otra pieza de mobiliario destacada es la mesa “Origami FloorDanceO“, una nueva variación de la serie Origami (2011).

La serie de Origami es una abstracción del plegamiento, de la estratificación y de la yuxtaposición de superficies. Fuerzas estáticas contra fuerzas dinámicas, un momento estático de un manual de pliegues y de acción suspendida y congelada.

“Origami FloorDanceO” es una mesa de café escultórica donde combina materiales como el aluminio y el cristal. En esta mesa Wolfson analiza el diálogo entre el ángulo y el círculo, y la sucesión de capas y la yuxtaposición de elementos crea una forma compleja de fuerzas estáticas y dinámicas.

Para Wolfson la arquitectura del siglo XXI aspira a parecerse, a escala monumental, a la escultura.

Philip Michael Wolfson piensa que el diseño experimental de muebles está a la vanguardia al acercarse claramente a la escultura, en un nivel diferente y con sólo la diferencia del elemento relativo a la función.

En este sentido, Philip Michael Wolfson es un radical y un aventurero que se enfoca en ese ámbito ambiguo donde se yuxtaponen conceptos diferentes.

Se puede decir que Wolfson está radicado entre la escultura y las formas que pueden apenas concebirse para ser utilizadas como muebles.

Sus diseños están expuestos en galerías de renombre como Contrasts Gallery en Shanghai y Sebastian & Barquet de Nueva York; en Ferias de Arte y Diseño de alto nivel como Art Basel (Suiza, Florida y Hong Kong); Design Miami (Florida); Salone Internazionale del Mobile de Milán, TEFAF en Maastricht (Holanda), y a través de Casas de subastas como Christie’s y Phillips de Pury & Co. en Londres y Nueva York.

Ha tenido exposiciones individuales en la Galería Franziska Kessler (2009) de Zurich (Suiza); el Festival de Diseño 2009 de Londres; en la Industry Gallery (2012) de Washington, D.C. y la Feria Internacional del Mueble Contemporáneo 2014 (un festival anual de diseño que se celebra en el Centro Javits) de la ciudad de Nueva York, entre otros.

Las obras de Philip Michael Wolfson han sido exhibidas, o incluidas, en numerosas colecciones internacionales como el Victoria & Albert Museum de Londres (Reino Unido); la Fundación Cartier de París (Francia) y el Price Tower Arts Centre de Bartlesville (EE.UU.).

Philip Michael Wolfson (pág. web).

Philip Michael Wolfson y “Longevity” desk (2007). Edición de 5 piezas hechas de aluminio, vidrio y madera.