Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura: December 2017

Friday, 29 December 2017

Claesson Koivisto Rune

Claesson Koivisto Rune. Oficina de diseño y arquitectura multidisciplinar.

Claesson Koivisto Rune es una oficina sueca de diseño y arquitectura multidisciplinaria con sede en Estocolmo (Suecia).

Fue fundada en el año 1995 por Mårten Claesson, Eero Koivisto y Ola Rune, ex compañeros de clase de la Konstfack, o Universidad de Artes, Artesanías y Diseño de Estocolmo.

Mårten Claesson (1970, Lidingö, Suecia) es arquitecto y diseñador. Después de estudiar en el Vasa Technical College de Estocolmo, en el departamento de Ingeniería de la Construcción, y en la Parsons School of Design College de Nueva York, en los departamentos de Arquitectura y Diseño de Productos, se graduó en 1994 con un grado de MFA por la Universidad de Konstfack, de Artes, Artesanías y Diseño de Estocolmo.

Mårten Claesson es también escritor y profesor de arquitectura y diseño. Para él, el diseño es… “la profesión más antigua de la humanidad“.

Eero Koivisto (1958, Suecia) es arquitecto y diseñador. Estudió en la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Aalto en Helsinki, en la Parsons School of Design College en New York y en la Universidad de Konstfack, de Artes, Artesanías y Diseño de Estocolmo,

Ola Rune (1963, Suecia), es arquitecto y diseñador. Estudió en la Real Academia Danesa de Bellas Artes en Copenhague, en el Southwark College de Arte y Diseño de Londres, y en la Universidad de Konstfack de Artes, Artesanías y Diseño en Estocolmo.

Su trabajo fin de carrera, una vivienda japonesa situada en la plaza más céntrica de Estocolmo, impactó al mundo del diseño generando una gran espectación tanto en Suecia como en el extranjero.

Claesson Koivisto Rune comenzó como una empresa de arquitectura, pero con el tiempo se ha convertido en una oficina multidisciplinar muy valorada internacionalmente y que se ha ramificado en todos los aspectos del diseño, con su interés puesto por igual tanto en la arquitectura como en el diseño.

“Al ser diseñadores y arquitectos al mismo tiempo, tendemos a considerar el diseño como parte de un contexto espacial mayor. Este enfoque multidisciplinario es típico de la tradición escandinava y añade inspiración cruzada a nuestro trabajo, tanto en la pequeña como en la de mayor escala“.

Las categorías de sus proyectos incluyen desde joyas hasta cepillos de dientes y hoteles, grandes edificios, casas particulares, tiendas, oficinas, exposiciones, cocinas, artículos sanitarios, vajilla, cristalería, muebles, textiles, azulejos, iluminación, electrónica, dulces e incluso un trofeo.

Para Eero Koivisto: “El mobiliario es parte de una habitación. No son objetos aislados y deben ejemplificar un contexto“.

Claesson Koivisto Rune realiza diseños orgánicos y ascéticos, en todas las escalas posibles, que se reducen y esquematizan a su forma más simple.

Esto no les impide también privilegiar las formas irregulares y los tonos brillantes en impresiones digitales para crear un diseño innovador que vincula los objetos con su entorno.

Aunque minimalistas no tienen unas pautas claras marcadas de manera inamovible y, trabajando en la más pura tradición escandinava –Arne Jacobsen, Alvar Aalto…- están igualmente inspirados por los principios clásicos de la arquitectura del maestro veneciano del renacimiento Andrea Palladio que por las esculturas minimalistas del artista estadounidense Donald Judd.

“Lo que vale la pena señalar sobre los diseñadores escandinavos de los años 50 y 60 es el fuerte vínculo entre la arquitectura y el diseño. En ese sentido tratamos de hacer lo mismo. El diseño hoy es internacional. Tal vez más que nunca, y resuena en todo el mundo. Hoy en día la escena escandinava de diseño está llena de impulso, llena de talento. Esperemos que esto pueda inspirar a otros diseñadores en otros lugares“.

Claesson Koivisto Rune combinan la forma y la función de raíces nórdicas, mientras se esfuerzan por ser atemporales y no caer en las tendencias y las modas fugaces.

Para Eero Koivisto “el diseño puede ser serio, divertido, artístico, alegre, ingenioso, ecológico, socialmente consciente, suave, duro o simplemente útil“, pero para él “la función debe ser siempre una parte de la ecuación“.

Su lenguaje arquitectónico ha sido definido por Paola Antonelli (curadora de Diseño en el MoMA de Nueva York) como “el epítome de la estética del nuevo milenio“.

Sus proyectos se extienden a los principales continentes del mundo y sus productos y diseños de muebles han sido producidos en Suecia, Finlandia, Dinamarca, Bélgica, Alemania, Inglaterra, Italia, Estados Unidos y Japón.

Claesson Koivisto Rune ha diseñado para más de ochenta importantes empresas internacionales como Sony; Gucci; Louis Vuitton; Arflex; Asplund; Blueair; Boffi; Capdell; Cappellini; Casamania; David diseño; Dune NY; Fontana Arte; Italesse; Kasthall; Living Divani; Marsotto Edizioni; Modus; Muuto; Offecct; Paola Lenti; Petite Friture; Skandiform; Skultuna; Swedese; Tacchini y Wästberg.

Este trío de arquitectos fue la primera oficina sueca que expuso en la sección internacional de la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2004, y también son responsables de proyectos galardonados como la colección de casas Tind Prefab para Fiskarhedenvillan; la villa privada Widlund House en Öland; el edificio de la galería Örsta en Kumla; el edificio Sfera Casa de la Cultura en Kyoto; e interiores como el restaurante gourmet Operakällaren y el Nobis Hotel, ambos en Estocolmo.

Han recibido más de sesenta premios por el diseño arquitectónico y de producto tanto en Suecia como en el extranjero.

Entre ellos fueron seleccionados como diseñadores del año 2007 por la revista sueca Disajn y el sofá “Fantasma” para Offecct fue elegido como“Sofá del Año” por la revista Residencia.

Diseñador del Año 2011 y Mobiliario del Año 2012 por Elle Deco (Suecia); Chicago Athenaeum International Architecture Award; Premio 2011 de Diseño Alemán (Oro y Plata) por la República Federal de Alemania;

Premio Good Design USA; IF Premio de Diseño de Producto; Premio de Diseño Good Japan; el Premio Red Dot Design 2014- siendo la primera oficina en conseguir un Red Dot en cinco categorías de productos diferentes- y el Diseñador del Año y el Mejor asiento 2014 concedido por Elle Décor Italia.

En 2015 Claesson Koivisto Rune recibió el premio de diseño de mobiliario más prestigioso de Escandinavia, el premio Bruno Mathsson 2015.

Hasta la fecha, se han publicado 12 libros centrados únicamente en el trabajo de Claesson Koivisto Rune, y sus obras aparecen en unos 130 libros de diseño y arquitectura.

En 2016 Claesson Koivisto Rune presentó un nuevo concepto de negocio dirigida a los diseñadores emprendedores desarrollando un nuevo modelo de negocio que permite a los diseñadores obtener el 75 por ciento de los ingresos de sus productos, en lugar del cinco por ciento, o menos, que está estandarizado.

Claesson Koivisto Rune lanzó este concepto en la Stockholm Design Week (Semana del Diseño de Estocolmo) junto con una colección de objetos de diseñadores como Nendo, Luca Nichetto y Giulio Cappellini.

“Estamos muy contentos de poder reemplazar el antiguo modelo de compensación con un nuevo concepto“, dijo Mårten Claesson.

Los artículos han sido diseñados para Smaller Objects (que se enfoca en pequeños artículos para el hogar incluyendo almohadas, tazas de café y cuadernos) que es una etiqueta lanzada por Claesson Koivisto Rune en 2015.

En la nueva colección, los diseñadores recibirán –con un concepto inspirado en modelos empresariales de economía compartida como Airbnb o Uber– tres cuartas partes del precio al por mayor de cada artículo vendido.

Los diseñadores que producen artículos para la etiqueta Smaller Objects financiarán la fabricación ellos mismos, mientras que la etiqueta venderá los productos a través de su tienda en línea.

Los productos también estarán disponibles en una pequeña pero creciente red de minoristas especializados, que hasta ahora incluyen Austere en Los Ángeles, Semper en Tokio, Asplund en Estocolmo.

“Esto pone al diseñador en una posición perfecta para asegurar un trato directamente con ese proveedor, cortando cualquier intermediario en el proceso. Lo que no tienen, sin embargo, es un medio para vender estos diseños y aquí es donde entran los objetos más pequeños“.

Un modelo alternativo es ofrecido por el sitio web holandés Crowdyhouse, que ofrece a los diseñadores una plataforma para recaudar fondos para que puedan auto-producir sus ideas.

“Es una nueva era, exigiendo nuevos modelos de negocio y nuevos métodos de trabajo“, dijo Ola Rune, y donde el diseñador es “como un empresario, activo no sólo en el diseño, sino también en el desarrollo y los procesos de negocio“.

Se trata de vincular el potencial creativo a la capacidad industrial para lograr una unión fructífera.

Claesson Koivisto Rune (pág. web).

Claesson Koivisto Rune (Mårten Claesson, Eero Koivisto y Ola Rune), y silla de la colección “Five” furniture (2014) para MEETEE.

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Monday, 25 December 2017

Peter Ghyczy

Peter Ghyczy. Diseñador industrial e investigador de nuevos materiales.

Peter Ghyczy (1940, Budapest, Hungría), hijo de una familia aristocrática de Buda -un barrio de Budapest- es un diseñador alemán de origen húngaro que actualmente vive en los Países Bajos.

En 1945, después de la invasión del ejército comunista de la Unión Soviética, en la que murió su padre, fue enviado a una propiedad familiar en las llanuras Puszta, una especie de desierto herboso de la gran llanura húngara habitada por pastores de ganado vacuno y caballar.

En 1947 la Cruz Roja Internacional lo envió a Bégica durante un año, donde aprendió francés, y después de que la familia fuera expropiada de sus propiedades regresó con su madre a Budapest, donde terminó la escuela primaria. A partir de 1954 asistió a la Escuela Secundaria Benedictina en Pannonhalma.

En 1956, después de que fuera aplastado el levantamiento húngaro contra el régimen comunista, huyó con su madre y su hermano -pasando por Viena- a la ciudad alemana de Bonn.

En 1960 obtuvo su “Abitur” (nivel A) y aunque inicialmente se interesó por las clases de escultura en la Academia de Arte de Düsseldorf, pronto decidió estudiar arquitectura en la Universidad Técnica de Aquisgrán, especializada en Ingeniería de la construcción y en la que se graduó en 1967.

A partir de 1961 fue ayudante del profesor Rudolf Steinbach, un renombrado arquitecto alemán, y posteriormente trabajó en el Instituto de Investigación Plástica.

Entre medias realizó trabajos en París y participó en un proyecto de la Unesco en colaboración con Alemania para salvar el antiguo Templo de Kalabsha, en Egipto (también conocido como “Templo de Mandulis“) de la crecida del lago Nasser a raíz de la construcción de la Presa de Asuán. El proceso de trasladar el templo llevó más de dos años.

De 1968 a 1972 vivió en Lemförde, en el sur de Baja Sajonia, y en 1969 se convirtió en ciudadano alemán. Hoy vive en Beesel, un municipio y una ciudad en la provincia de Limburgo, en el sureste de los Países Bajos.

Peter Ghyczy fue inmigrante y su talento y valía, como el de otros diseñadores del siglo XX en su misma situación (Henry van de Velde; Marcel Breuer; Hans Gugelot o Peter Maly) supuso un gran impacto beneficioso y enriquecedor para la tierra que le acogió.

En 1968 ocupó una posición de liderazgo en la empresa Elastogran GmbH (Lemförde, sur de Baja Sajonia), donde fue responsable del desarrollo de productos hechos de poliuretano, gracias también a Gottfried Reuter, ex químico de Bayer (Leverkusen), que era un experto en el campo de la producción de éste material y propietario de la empresa.

Entre 1968 y 1972 Peter Ghyczy desarrolló muchos diseños innovadores, que lo sitúan como uno de los diseñadores más productivos de esos años.

En 1970 fue el responsable de la creación del Departamento de Diseño en Lemförde (con el fin de desarrollar productos de poliuretano), construido según sus ideas y convirtiéndose en uno de los primeros estudios de diseño alemanes con una estrecha cooperación entre el diseño de producto y el desarrollo técnico, lo que era una novedad en la industria del plástico hasta entonces.

Éste estudio de diseño dio a luz a muchos componentes modulares nuevos, pero sobre todo dio lugar a varios tipos de muebles (sillas, sofás, mesas, estantes y frentes de puertas de plástico para oficinas y cocinas). Su objetivo era crear “muebles independientes y únicos“.

Uno de sus primeros diseños allí fue la silla “Huevo de jardín” de 1967/8, cuyo diseño incorpora características típicas de la época : el aspecto que se espera de la era espacial con forma de OVNI, plástico de colores brillantes, y un diseño informal de asiento bajo y fácilmente transportable.

Con la tecnología para desarrollar productos de poliuretano se concedieron licencias a empresas de renombre, entre otras a Drabert Office Furniture; Vitra (en la época se llamaba Fehlbaum GmbH), y a Beylarian en los Estados Unidos.

El Centro de Diseño en Lemförde se cerró en 1972 y más tarde fue demolido. Gottfried Reuter vendió su compañía a la empresa BASF y, más o menos en secreto, también vendió su tecnología de poliuretano a la Alemania comunista (RDA)

Detrás de la historia de la producción en masa de la silla “Egg” en realidad se encuentra una historia fascinante que refleja las relaciones entre el este y el oeste durante la Guerra Fría.

Así la empresa en Lemförde produjo sólo un par de sillas mientras probaba el nuevo material de poliuretano. Sin embargo, la compañía decidió producir en masa la silla en Alemania del Este porque la producción allí era mucho más barata, pero no se reconoció oficialmente el intercambio de información industrial entre la Alemania Occidental capitalista y la Alemania Oriental socialista.

La licencia para producir la silla fue vendida a VEB Synthesewerk Schwarzheide cerca de la ciudad de Senftenberg, que da a la silla su otro nombre : silla “Huevo de Senftenberg“.

Oficialmente, un tercio de su producción era para el mercado de Alemania Occidental y el resto para Alemania Oriental y para la exportación. Sin embargo, para los habitantes de la Alemania Oriental la silla era prácticamente prohibitiva debido a su elevado precio en relación con el salario medio.

La producción de la silla se paró después de sólo 2 ó 3 años porque el lacado del plástico era un problema. Sin embargo, a finales de los años 90 la silla se convirtió falsamente en un diseño emblemático de la producto alemana oriental, debido a su popularidad en las ferias y exposiciones, llegando a ser un artículo de coleccionista muy deseado. Peter Ghyczy ahora produce su propia re-edición.

En el otoño de 2008, el Victoria & Albert de Londres adquirió la silla “Garden Egg” para la exposición “Cold War Modern : Arte y Diseño en un Mundo Dividido, 1945-75“, que fue “la primera exposición para explorar los avances internacionales en el arte moderno, el diseño, la arquitectura y el cine en el contexto de la Guerra Fría”

En 1972 Peter Ghyczy fundó Ghyczy + Co Design en Viersen y presentó su primera colección de muebles de lujo para un consumidor exclusivo.

El principio de la década de los años 70 eran tiempos convulsos pues en 1973 surgía la primera crisis del petróleo, el crecimiento económico estaba estancado y la producción en masa se había puesto de moda.

Ghyczy quería ser un ejemplo, e influido por el informe de 1972 “Los límites del crecimiento” del Club de Roma para “actuar como un catalizador global para el cambio a través de la identificación y análisis de los problemas cruciales que enfrenta la humanidad… “, quería diseñar, fabricar y distribuir muebles con un diseño innovador/contemporáneo, de valor duradero y utilizando técnicas de producción de vanguardia.

Así surgió la primera colección de la marca GHYCZY, que fue exhibida en Colonia, con los modelos de mesa “T09” y “T14“.

Éstas mesas, que utilizaban una técnica sin marco desarrollada por él, fueron un éxito inmediato y fue la técnica que utilizó como base para toda una línea de productos, por ejemplo : el estante -patentado y también sin marco- “R03“.

Para esta colección se basó en las técnicas de fundición que ya conocía y cuya tecnología transfirió del plástico al metal.

Peter Ghyczy patentó muchos de sus desarrollos, y fue el primer diseñador en establecer una técnica de sujeción entre vidrio y metal que pronto sería una de las ideas más plagiadas en los muebles de gama alta.

Peter Ghyczy también diseñó numerosas lámparas, por ejemplo la serie “MegaWatt“, y la lámpara de mesa “MW 17“.

Para el diseñador sus diseños “toman su orientación de su propósito; están basados en soluciones técnicas que aplico de una manera nueva… la tecnología desempeña el papel para determinar su forma, es decir, es la fuerza de la razón la que impregna el diseño … ”

Peter Ghyczy (pág. web).

Peter Ghyczy y su “Garden Egg” chair (1967/68).

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Thursday, 21 December 2017

Sérgio Rodrigues

Sérgio Rodrigues. Arquitecto y diseñador de mobiliario.

Sérgio Rodrigues, Sérgio Roberto Santos Rodrigues, (1927 – 2014, Río de Janeiro, Brasil) fue arquitecto y diseñador de mobiliario graduado por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Federal de Río de Janeiro en 1952.

Apodado “el padre de los muebles brasileños“, fue junto con Joaquim Tenreiro y José Zanine Caldas, el pionero en transformar el diseño brasileño en diseño industrial y darlo a conocer en todo el mundo.

Sérgio Rodrigues creó iconos del mundo del diseño y de hecho fue el responsable de establecer un nuevo paradigma, destacándose con su propia lengua en su búsqueda de una identidad brasileña claramente reconocible.

Sérgio Rodrigues también destacó por el uso de maderas robustas para fabricar sus muebles, como jacaranda, peroba e imbuia.

En 1949, siendo aún estudiante, trabajó como profesor asistente del arquitecto David Xavier de Azambuja, quien dos años más tarde, una vez licenciado, lo invitó a participar en la elaboración y construcción del proyecto del Centro Cívico en Curitiba.

Comenzó su trabajo precisamente en el campo de la arquitectura con éste proyecto, junto con los también arquitectos David Xavier de Azambuja; Flávio Régis do Nascimento y Olavo Redig de Campos.

En 1953 se trasladó a Curitiba y abrió la primera tienda de de muebles y arte moderno, Muebles Artesanales Paranaense, en sociedad con los hermanos Hauner.

Un año más tarde (1954) los Hauner lo contrataron para crear el departamento de arquitectura de interiores de su nueva empresa en San Paulo, la empresa Forma S.A., para desarrollar proyectos de muebles modernos.

En 1955, Sérgio Rodrigues renunció a su puesto y regresó a Río de Janeiro para hacer realidad su sueño de crear un espacio de producción y comercialización de los muebles de diseño brasileños, Oca, e inmediatamente se convirtió en el punto de encuentro de los intelectuales de Río de Janeiro.

Oca, “un laboratorio de artesanías y muebles brasileños“, fue uno de los Estudios de arquitectura de interiores y escenografía más importantes para la industria del mobiliario brasileño, exponiendo más de mil creaciones de muebles a lo largo de los años (hasta 1968).

Gracias a este Espacio, fundamental para la evolución del mobiliario en Brasil, Sérgio Rodrigues conoció a Oscar Niemeyer para quien realizó la mayoría del mobiliario de los proyectos arquitectónicos que éste llevaba a cabo en Brasília, la flamante nueva capital de Brasil.

Como declaró el arquitecto Lúcio Costa “En ese tiempo (al comienzo de Brasília) no teníamos tiempo de pensar en diseñar ningún mueble. Utilizábamos los muebles del mercado, seleccionando lo que el Palacio requería. El diseñador principal a quien escogimos fue Sérgio Rodrigues“.

Con el objetivo de comercializar muebles producidos en serie a precios accesibles, Sérgio Rodrigues creó en 1963 la empresa Meia Pataca que se mantuvo en el mercado hasta 1968. Ese mismo año se desvinculó de Oca y abrió un Atelier en Río de Janeiro donde trabajaba como arquitecto de interiores para residencias, estudios y hoteles.

En éste taller de diseño de muebles y arquitectura realizó varios proyectos nacionales e internacionales como la Embajada de Brasil en Roma, el Palacio de los Arcos y el Teatro Nacional (Brasília). La década de los años 50 y 60 fue para Sérgio Rodrigues la cima de su carrera.

En 1973, monta la empresa Sérgio Rodrigues Arquitectura en el barrio de Botafogo (Río de Janeiro) produciendo líneas de muebles y proyectos de arquitectura y ambientación de hoteles, residencias y oficinas, además de sistemas de casas prefabricadas.

Rodrigues trabajó en el diseño de muebles de acuerdo con el movimiento moderno en Brasil, y se adscribió la identidad brasileña tanto en el diseño como en los materiales tradicionales que empleaba (cuero, ratán, madera… ), con el fin de marcar una identidad y exaltar la cultura brasileña e indígena.

Para Sérgio Rodrigues “El mueble no es sólo la forma, no sólo el material del que se hace, sino también algo dentro de él. Es el espíritu de la pieza. Es el espíritu brasileño. Es el mueble brasileño“.

Su trabajo representa a Brasil de muchas maneras : relajado, cómodo, sensual y humorístico, pero al mismo tiempo es sofisticado y contemporáneo. Así por ejemplo, su icónico sillón “Mole” (1957) fue un éxito inmediato, hecho de jacaranda y con cojines tapizados y correas de cuero.

La pieza, imbuida por la jovialidad y el ingenio de Rodrigues, se asoció rápidamente con una actitud y un estilo de vida relajado, típicamente brasileño y, en la actualidad, forma parte de la colección permanente del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York).

Sérgio Rodrigues (pág. web).

Sérgio Rodrigues sentado en la poltrona Comillas “Chifruda” (1962), y su famosa poltrona “Mole” (1957).