Tuesday, 31 October 2017

Stefan Diez

Stefan Diez. Diseñador de mobiliario, productos y exposiciones.

Stefan Diez (1971, Freising, Baviera, Alemania) es un diseñador alemán que estudió y se licenció en Diseño Industrial en la Academia Estatal de Arte y Diseño de Stuttgart (Staatliche Akademie der Bildenden Künste).

Los inicios de Stefan Diez en el mundo del diseño de muebles comenzaron en 1991, cuando durante tres años trabajó como ebanista.

Después de haber pasado un año trabajando en Mumbai y Poona (India), Stefan Diez regresó a Alemania en 1996 para asistir a la Universidad.

Antes de fundar su Estudio, Stefan Diez trabajó como asistente para los diseñadores Richard Sapper y luego para Konstantin Grcic.

Stefan Diez fundó en enero de 2003 su propio estudio, Diez Office (Munich), donde desarrolla muebles, vajillas, accesorios y diseños de exposiciones.

Stefan Diez desarrolla productos innovadores y creativos, así como un trabajo intensivo de investigación con materiales. Sus productos se puede decir que son diseños minimalistas con un sentido del humor sin pretensiones.

Diez trabaja intensamente con materiales y con la tecnología, siempre buscando conocer sus limitaciones. Junto con su oficina desarrollan productos que son sencillos pero precisos y sobre todo están destinados a satisfacer las necesidades humanas.

Diez Office ha trabajado en diversos campos del diseño que van desde muebles y vajilla, hasta diseño industrial o el diseño de exposiciones, para empresas como: Authentics; Bree; e15; Established & Sons; Gandia Blasco; Moroso; Rosenthal; Thonet; Wilkhahn; Elmar Flötotto; Schönbuch; Merten; mobiliario de oficina para HAY, y otros.

En 2008 fue director de arte de Authentics, junto con Mirko Borsche y Christian Gärtner, y desde 2007 es profesor de Diseño Industrial en la HFG Karlsruhe University of Arts and Design.

En 2013 presentó la serie de asientos, progresiva y engañosamente simple, “This”, “That” y “Other” para e15; que ilustra la clave de la filosofía que ésta compañía expone y presenta en todo lo que hace : elementos esenciales para construir un producto.

Stefan Diez aplica el mismo material (madera contrachapada) que para la serie icónica “Houdini” (2009), también para e15, y con una gama de colores desarrollada por Farah Ebrahimi.

Proporcionando el máximo confort, las formas redondeadas de esta serie de asientos dan paso a un espíritu moderno y a detalles racionales, y representa una oferta muy económica al simplificar la construcción.

En la Conferencia de Creatividad Design Indaba de Ciudad del Cabo (del 1 al 3 de marzo de 2017) Stefan Diez mostró la colección “Soba“, que diseñó en 2015.

Ésta colección cuenta con un banco de bambú y un par de caballetes que pueden soportar una mesa. Cada tronco se ha dejado en su estado natural que cambia de color con el tiempo, y los muebles se ensamblan enhebrando las cuerdas a través de las cañas y atando piezas individuales juntas, y no requiere herramientas ni fijaciones.

El diseñador industrial con sede en Munich creó la serie en asociación con la iniciativa sin ánimo de lucro Japan Creative, que enfatiza el uso de la artesanía tradicional japonesa para piezas contemporáneas y que cada año invita a tres diseñadores de Europa y Estados Unidos a participar en talleres sobre materiales y/o formas de trabajo tradicionales.

Stefan Diez -que también ha creado mobiliario de oficina experimental para pequeños lugares de trabajo- tuvo la oportunidad de colaborar con una fábrica de bambú, un material cuya planta crece rápidamente y se puede cultivar sin depender de pesticidas o fertilizantes, utilizada tanto para edificios como para proyectos de diseño más pequeños, que está viendo cada vez más aumentar su interés.

Muchos de sus productos han recibido premios internacionales de diseño, entre ellos el Designpreis der Bundesrepublik Deutschland (DBD), el iF Gold Design Award, y el Red Dot Best of the Best Award.

Stefan Diez (pág. web).

Designer Stefan Diez.

Stefan Diez, y la colección de sillas “This”, “That” y “Other”, presentada en 2013 en el Salone Internazionale del Mobile de Milán : “This”, una silla de comedor; “That”, una silla baja, y “Other”, un taburete alto, para la la marca alemana de muebles e15.



source http://decorador.online/disenadores-destacados/stefan-diez/

Saturday, 28 October 2017

Formafantasma

Formafantasma. Investigación conceptual, diseño de productos e iluminación.

Studio Formafantasma está formado por un dúo de diseñadores italianos, Andrea Trimarchi (1983, Sicilia) y Simone Farresin (1980, Vincenza), con sede en Amsterdam (Países Bajos).

Simone Farresin se empezó a interesar por el diseño a una edad temprana, cuando estaba en la escuela secundaria.

Andrea Trimarchi cuando empezó en Florencia el primer año de arquitectura y que después decidió profundizar en el campo del diseño porque lo consideraba más interesante. “En Sicilia creo que todavía la gente no sabe qué diseño“.

La colaboración de ambos en el diseño de productos se empezó a desarrollar en el Master de la Design Academy de Eindhoven, donde se graduaron en julio de 2009.

Creo que es importante que estemos en Holanda porque para nosotros es como un cubo blanco… donde tenemos tiempo para pensar, mientras que en Italia el diseño está en todas partes“, reconoce el dúo de diseñadores.

No hablamos holandés, así que no entendemos lo que la gente dice a nuestro alrededor. Nuestro estudio de diseño es una pequeña burbuja y nos gusta mantenerlo así“.

Desde entonces, Formafantasma ha desarrollado con éxito un enfoque atrevidamente conceptual y un bagaje coherente de trabajo caracterizado por la investigación de materiales experimentales y explorando temas como la relación entre tradición y cultura, tratando enfoques críticos sobre la sostenibilidad y sobre la importancia de los objetos como conductos culturales.

Su trabajo, a pesar de ser los dos italianos, no refleja lo que está pasando hoy en día en el diseño italiano. “Así que eso es seguro que es una ventaja para nosotros“.

Su obra investiga el rol actual del diseño artesanal y tradicional, con énfasis en la relación entre cultura local/tradicional y globalización, sobre todo teniendo en cuenta que los límites de la cultura están en constante re-definición y actualización.

Uno de los objetivos más importantes de su trabajo es el de aportar un fundamento crítico al concepto de diseño, creando un diálogo entre usuarios y objetos, industria y artesanía, arte y comercio.

Una parte íntima de la forma de trabajar de Studio Formafantasma es que a pesar del elemento crítico y la valentía en exponer temas “políticos” como la inmigración, el colonialismo, o el fin de la “era del plástico“, lo primero que se percibe de su trabajo -de los objetos que producen- son las formas extrañamente hermosas y seductoras.

Más tarde, cuando se hace una mirada más detallada, es cuando se perciben éstas otras capas que hay debajo, lo que hay detrás de esas formas atractivas.

Creo que es también donde nuestro trabajo es diferente de la generación radical más antigua, donde fueron mucho más brutales en su enfoque“, reconoce Simone.

Studio Formafantasma percibe su papel como un puente entre el arte, la industria, el objeto y el usuario, por lo que están interesados ​​en forjar vínculos entre su trabajo, basado en la investigación y una posición crítica, y la producción industrial.

Para Andrea “Italia tiene realmente grandes educadores, pero nunca te dicen que investigues quién eres tú como diseñador. Todo está a punto para que te conviertas en una herramienta para la industria. No para cambiar el sistema, sino para convertirte en parte de él… pero es extraño, porque la historia del diseño italiano no es esa. Sus tutores en la universidad eran Archizoom, que eran radicales, locos, proponiendo ciudades imposibles“.

Esperamos que diferentes personas empiecen a trabajar cada vez más de maneras diferentes. No sólo pensando en la producción industrial, y preguntándose más quiénes realmente quieren ser como diseñadores“, dice Simone.

Aun así no están en contra de la idea de que sus “procesos de pensamiento” puedan terminar en un objeto de producción en masa.

Para ellos el trabajo con una empresa se trata “en realidad de una colaboración. Nuestro trabajo está a menudo basado en el contexto, por lo que lo que nos interesa es realmente colaborar… Estamos realmente interesados ​​en no aplicar un sistema sino en colaborar con las empresas“.

Como dice Simone “Nos gusta mucho más cuando hay un desafío y cuando incluso te dan restricciones. Porque entonces se puede comenzar una discusión“.

El proceso de diseño de Studio Formafantasma es un proceso realmente intenso que pasa por imágenes (mapas de imágenes de cosas existentes), textos (“lo primero que hacemos es escribir un texto… con largas discusiones”) y de investigación material.

Después de esto el dúo de diseñadores lo que hace es casi un proceso de condensación de elementos, “es casi más un proceso de moderación. No se trata de creatividad, o de hacer bocetos, o de un impulso salvaje… es más un proceso de refinar ideas y preguntarse cuál es la decisión correcta, qué elemento mantener y qué elemento no aplicar. Así que es una especie de proceso lento”.

Ya sea diseñando para un cliente o investigando aplicaciones alternativas de materiales, Formafantasma emplea, en cada uno de los proyectos que emprende, la misma atención rigurosa al contexto, el proceso y al detalle. El matiz añadido que utilizan Andrea y Simone es que lo hacen enlazando con las fuerzas históricas, políticas y sociales que les han dado forma.

Lo que estamos tratando de construir es una actitud y no un estilo o una obsesión por ciertas cosas específicas. Cuando se trabaja con las compañías, especialmente al principio, hay un contexto específico que también es necesario respetar. Las empresas italianas tienen una enorme herencia que es necesario conocer para enfrentarla de nuevo y entender cómo encajar“.

Es importante empezar primero con un producto… Entonces, a partir de ese momento es cuando se puede comenzar a confiar en los demás, porque la relación que se puede construir con las empresas italianas es realmente un tipo de relación personal…es un proceso de conocerse primero personalmente“.

Las obras y los planteamientos de Studio Formafantasma han sido encargados por una gran variedad de marcas como Fendi; Max MaraSportmax; Hermès; Droog; J & L Lobmeyr; Giustini / Stagetti Galleria O. Roma; Lexus, y Flos.

Su trabajo ha sido presentado y publicado internacionalmente y muchos museos han adquirido los diseños de Formafantasma para sus colecciones permanentes como el Victoria & Albert de Londres; el MoMA y el Museo Metropolitano de Nueva York; el Art Institute de Chicago; el Textiel Museum de Tilburg y el museo Stedelijk de ‘s-Hertogenbosch en Holanda; el MUDAC de Lausanne, y el MAK Museum de Viena.

En marzo de 2011, Paola Antonelli, conservadora y curadora principal del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York, y la prestigiosa crítica de diseño Alice Rawsthorn, incluyeron a Studio Formafantasma entre los que darán forma al futuro del diseño.

Andrea y Simone dan conferencias y presentan talleres en varias universidades e instituciones. Actualmente están enseñando en los Departamentos de “Bienestar” y “Diseño Contextual” de la Academia de Diseño de Eindhoven.

Desde octubre de 2016, están a la cabeza de la Licenciatura de Diseño en el Programa MADE en Siracusa (Italia).

Con motivo de la celebración de Euroluce 2017, Studio Formafantasma presentó “WireRing” y “Blush lamp“, diseñadas para la empresa de iluminación Flos, y que además son los primeros objetos producidos industrialmente del Studio.

Studio Formafantasma está muy interesado en la tecnología “ahora es nuestro momento perfecto para trabajar con la industria. Creo que la industria de la iluminación, por ejemplo, está cambiando con los sistemas OLED y LED… hay nuevos materiales y tenemos que encontrar alternativas para el plástico. Es un momento emocionante“, reconoce Andrea.

La relación que los seres humanos tienen con la luz trasciende una dimensión funcional y se convierte en emocional. “Las lámparas están diseñadas para iluminar el mundo con brillo, pero también con la intimidad de la sombra… la calidad de la luz no puede medirse únicamente a través de su intensidad“.

La “lámpara de color rubor” hace uso de una tira Led y un trozo de vidrio dicroico para colorear reflejos brillantes en las paredes que responde a la falta de saturación de color durante los meses de invierno. Con su diseño sobrio, y el uso meticuloso de la luz y el color, ésta lámpara recrea el recuerdo de un largo día de verano.

WireRing” se compone exclusivamente de dos elementos separados, un cable eléctrico tipo cinturón hecho a medida y un anillo que contiene una tira Led. El cable, que a menudo se considera algo para ocultar, es lo que permite la transmisión de la energía al anillo a través de conectores eléctricos.

Ésta lámpara, que revela rasgos esculturales, es un ejercicio de reduccionismo. Sintetizándose a sus componentes más esenciales ofrece más por menos.

Formafantasma (pág. web).

Fuente : Dezeen

Studio Formafantasma.

Studio Formafantasma, formado por Andrea Trimarchi y Simone Farresin, y lámpara “Wire Ring” (2016) para Flos, presentada en Euroluce 2017.



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Wednesday, 25 October 2017

Vincent Van Duysen

Vincent Van Duysen. Arquitecto y diseñador de interiores y mobiliario.

Vincent Van Duysen (1962, Lokeren, Bélgica) asistió a la Escuela de Arquitectura del Instituto de Arquitectura Saint-Lucas en Gante, y a pesar de sus antecedente familiares (su madre esperaba que fuera abogado), ganó su amor por las artes.

Y aunque conocido más como arquitecto, su estética minimalista e inteligente en el diseño de interiores, en el diseño de mobiliario y en el diseño de iluminación, le ha granjeado una merecida fama.

En 1986, después de graduarse en el Instituto Superior de Arquitectura, el joven Vincent Van Duysen viajó a Milán para trabajar con el diseñador Aldo Cibic.

Aldo Cibic estaba asociado, en esos momentos, con Ettore Sottsass, que había fundado el influyente grupo de vanguardia Memphis.

Van Duysen en un principio se dejó seducir por la extravagante e hipercoloreada estética del posmodernismo (el estilo de vanguardia de la época).

Pero no fue hasta que llegó a su país, Bélgica, a finales de los años 80, que se dio cuenta de que necesitaba un descanso visual en su estilo. “Me sentía saturado de toda la información y los colores que formaban parte del posmodernismo“.

En 1990 fundó su Estudio de diseño Vincent Van Duysen Architects en Amberes.

Fue entonces cuando las influencias flamencas se dejaron notar. “Todos los materiales naturales, las materias primas, los colores derivados de la naturaleza que nos rodea, los tonos muy simples, el hecho de que históricamente somos grandes tejedores, productores de alfombras y telas increíbles… formaban parte del giro de 360 ​​grados en mi pensamiento. Sabía que necesitaba crear ambientes domésticos calmados“.

Pero las lecciones que había aprendido en Italia, a pesar de que su estilo no tenía nada que ver, estaban en un nivel más profundo de conciencia y los fundamentos de su personal estilo “global-doméstico-flamenco-italiano” estaban asentados.

Esto pudo ser así porque se percató que “Sottsass y sus contemporáneos estuvieron muy influenciados por las culturas étnicas locales e indias, y también que estaban trabajando en torno a formas simples arquetípicas a las que agregaron detalles inesperados, materiales y colores expresivos. En su núcleo las formas eran puristas y simples“.

El primer interior de tienda internacional que Vincent Van Duysen diseñó fue en Italia, para MaxMara (Milán), y también ha trabajado con la sucursal de La Rinascente en Roma durante los últimos años.

Me siento medio italiano. Hablo italiano y estoy seguro de que hay alguna conexión en mi historia“, reconoce Van Duysen.

Últimamente, el hasta ahora tranquilo ascenso del arquitecto y diseñador, se está convirtiendo en cada vez más acelerado.

En 2016 ganó el premio al Diseñador del Año en la Biennale Interieur de Bélgica, así como el Premio a la Cultura Flamenca 2015 en Diseño.

Su colección de muebles de exterior “Portofino” para Paola Lenti ganó el Good Design Award 2016. También ha completado su primer diseño de yates, el “Husky Explorer RH3“. Su Residencia “TR” (3 “establos” de madera con listones negros) ganó el ARC15 Architecture Award.

Además, tiene una serie de nuevos productos, incluyendo dos colecciones de iluminación para Flos, e incorporaciones a la colección de muebles para Paola Lenti, y una colección de azulejos en 3D para Mutina.

También hay nuevas gamas para Molteni & C a finales de 2017, con motivo de haber sido nombrado Director creativo de la marca en Abril de 2016, convirtiéndose en el primer director creativo de la compañía desde los años noventa.

Después de su nombramiento, Vincent Van Duysen se ha centrado en refrescar la imagen de la marca, así como trabajar en sus stands de exposiciones y en las tiendas minoristas.

La familia Molteni era admiradora de su trabajo desde hacía tiempo, y el nombre de Van Duysen siempre estaba en las conversaciones para incorporarse a la empresa, pero Van Duysen reconoce que entonces “todavía no era el momento“.

Para Giulia Molteni, que forma parte de la tercera generación de la familia Molteni, y que ahora dirige la compañía, la obra de Vincent Van Duysen combina “una fuerte personalidad del norte de Europa, un rigor minimalista con sabor mediterráneo, y una verdadera pasión por Italia“.

Según Paola Lenti (con una actitud personal de rechazo casi total al minimalismo en la década pasada), el trabajo de Vincent Van Duysen “sintetiza la elegancia y la limpieza, por lo que los productos están destinados a ser relevantes y convertirse en nuevos clásicos contemporáneos… Las empresas de diseño están buscando clásicos en lugar de diseño espectáculo“.

Hace un cuarto de siglo Van Duysen comenzó a crear casas en su Bélgica natal bellamente remodeladas -incluida la suya propia- con sencillos y serenos interiores un tanto retro.

Vincent Van Duysen destacó desde el principio, dice Ilse Crawford (que estuvo a la cabeza de la revista de interiores Elle Decoration) por su capacidad para “integrar la arquitectura y el diseño de interiores… muy a menudo separados“.

Conseguía y consigue transiciones sutiles entre la arquitectura y el diseño interior, combinado con una actitud de diseño espacial que siempre busca la esencia.

Es precisamente esta habilidad la que impulsó a la potente empresa italiana de diseño Molteni Group a designar a Van Duysen como director creativo de sus marcas Molteni & C y Dada en abril de 2016.

Cassina y Driade ya habían liderado el cambio, eligiendo a dos pesos pesados : Patricia Urquiola y David Chipperfield, para dirigir sus respectivas marcas y para diferenciarse del resto del mercado italiano (añadiendo un extra de sofisticación global mediante la elección de un arquitecto de renombre internacional).

Antes de ser nombrado director creativo, le pidieron al Estudio de Van Duysen que terminara un proyecto de oficina en Riyadh.

El cliente quería muebles italianos para llenar el espacio, y el Grupo Molteni ganó el contrato. El éxito del proyecto conjunto llevó a nuevas conversaciones. “Y no pude resistirme“, dice el arquitecto.

Son apasionados y están increíblemente comprometidos con la investigación en tecnología, que sólo se percibe cuando se tocan los productos… y también tienen un conocimiento increíble de la artesanía… Compartimos la misma ética de trabajo “.

Su primera colaboración fue una serie de armarios empotrados “Gliss Master“, construidos a partir de una gran variedad de materiales a medida. Luego vino la cocina “VVD” para Dada, la marca de cocina del grupo Molteni; el sofá “Paul“; y un stand de exposición en el IMM en Colonia en 2016.

Vincent Van Duysen dice que Molteni & C siempre ha sido su favorito de los grandes nombres italianos. “Sus diseños siempre eran muy finos, sutiles, no demasiado forzados, un poco subestimados. Además, tenía muchos diseños de arquitectos en lugar de diseñadores“.

Podría parecer que un gesto valiente sería traer a una megaestrella en un momento en que el minimalismo ha dado paso al estilo maximalista más extravagante.

Pero, dice Giulia Molteni, “hay una sofisticación en el trabajo de Van Duysen que la empresa Molteni desea. Es más, hay una falta de detalles extraños a los fundamentos básicos que resuena en muchos compradores de hoy, que están tratando de reducir el exceso de ruido en sus entornos“. Van Duysen entiende “recrear la belleza italiana con un giro innovador“.

Lo sereno es hermoso, razona. “No soy parte del efecto espectáculo que está sucediendo en la arquitectura en estos momentos de ostentación en los edificios. Siento que muchos arquitectos han olvidado los interiores o no se sienten conectados con ellos. Espero que esto cambie“.

De manera similar, en los últimos años ha notado que “en la Feria del Mueble de Milán los muebles chocantes, mediocres, genéricos o incluso feos son visualmente perturbadores“.

Para él la arquitectura “se trata de un contexto más amplio y no sólo de construir y construir. Veo la arquitectura no sólo como la creación de espacios, sino también dar espacio a los productos que pertenecen a ellos. No soy un urbanista. Soy más una persona doméstica, de cara a cara. Yo diseño para la gente“.

Sus diseños son atractivos para una nueva generación que aprecia el minimalismo cálido y táctil que caracteriza su trabajo.

Entre sus piezas para otras marcas destacadas están los sillones “Theo” para B & B Italia; lámparas para Flos hechas de hormigón, bronce oxidado, hierro fundido o aluminio recubierto, y los grifos “Icona” para Fantini, curvos y elegantes en metal mate o cobre cepillado.

El tiempo, con todas las innovaciones y la experimentación, ha cambiado el concepto mismo de minimalismo.

Ilse Crawford dice que “la forma en que el trabajo del arquitecto ha evolucionado desde la década de 1990 está en línea con un nuevo concepto de luxe-retro… Es menos abstracto y más físico“, dice.

El enfoque de Vincent Van Duysen es el factor humano en la arquitectura y el diseño.

El uso de materiales puros y táctiles da como resultado un diseño claro y atemporal. Los materiales con los que trabaja tienen “bastantes variaciones sutiles para hacer cada hogar único“.

Vincent Van Duysen siempre ha tenido una buena comprensión de los materiales y su relación con el cuerpo humano. Pero cuanto más vemos de su obra, más singular es la forma en que integra estos aspectos en sus diseños“.

Funcionalidad, durabilidad y comodidad son los componentes principales de su trabajo. Un lenguaje arquitectónico que resiste las modas y las tendencias.

Los famosos interiores minimalistas del arquitecto transmiten serenidad, y él mismo puede parecer tranquilo y equilibrado, pero hablando le sale toda la pasión verborreica y ningún detalle de su trabajo es demasiado pequeño para que él pueda expandirse en intrincados detalles.

Entre sus aficiones personales están la fotografía y coleccionar arte contemporáneo, incluyendo las primeras obras del escultor Thomas Houseago, las obras del fotógrafo Dirk Braeckman, o de Wolfgang Tillmans.

Me encantan las cosas hermosas… La arquitectura para mí trata sobre la belleza. Mi afición principal es mi profesión“.

Vincent Van Duysen (pág. web).

Fuente : Hause & Garden

Designer Vincent Van Duysen.

Vincent Van Duysen y lámparas de exterior “Casting” de hormigón y de aluminio de fundición para Flos.



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