Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura

Saturday, 7 April 2018

Marie Christophe

Marie Christophe. Artista y diseñadora contemporánea.

Marie Christophe es una artista y diseñadora contemporánea francesa conocida en todo el mundo por desdibujar los límites entre la escultura (arte) y las artes decorativas, entre arte y utilidad.

La labor creativa de Marie Christophe está marcada desde el principio por las colaboraciones con marcas de lujo como Dior, Cartier, Hermès, Roger Vivier y/o el diseñador de interiores Jean-Louis Deniot.

“Su trabajo es ligero, aireado y extremadamente poético“, dice Bruno Frisoni, director creativo de Roger Vivier, quien encargó numerosas decoraciones a Marie Christophe; desde un par de piernas de mujer a unos pies dibujados con letras cursivas que forman el nombre de “Roger Vivier“.

Marie Christophe estudió en la Escuela ESAG Penninghen (l’école de direction artistique et d’architecture intérieure) de París, y su padre, un arquitecto de interiores, le trasmitió el gusto por el espacio, la decoración y los objetos.

Después de terminar sus estudios en la escuela se instaló inmediatamente por su cuenta, pero al principio, al no tener taller, tenía que encontrar un material ligero y compacto, fácil de manejar.

Así fue como descubrió la idea del alambre de hierro o latón (del diámetro de una percha de ropa) que de inmediato la inspiró.

Le encantó su transparencia y el poco peso que le permitía hacer grandes volúmenes, como candelabros XXL que pueden alcanzar incluso más de los tres metros de altura.

En 2007, Marie Christophe, una entusiasta del color, empezó a añadir aplicaciones y elementos lujosos de cristal y cerámica de Vallauris que nunca ocupan todo el espacio (Christophe siente una gran pasión por los ceramistas de los años 60).

Con este material, Marie Christophe da forma a piezas únicas de animales, personajes, objetos, escenografías de escaparates, etc.

Christophe tiene el don de convertir un simple alambre en un objeto no sólo decorativo sino también funcional, como pueden ser sus luminarias que se inspiran en sus muchos viajes y encuentros.

Como diseñadora es excepcionalmente creativa y sus líneas simples, limpias y elegantes se transforman en marcos delicados y transparentes. Una telaraña de alambre de estaño flotando en el espacio.

La magia comienza con una sola bola de alambre enrollada y retorcida, moldeándose a través de cristales brillantes y cuentas de colores, transformándose en una lámpara de araña elaborada o una escultura caprichosa.

“El momento crucial es cuando una escultura finalmente se convierte en un animal o un objeto con una identidad definitiva“, dice Marie Christophe.

Trabajar con alambre fue un paso natural de Marie a través de su progresión desde la escuela de arte, donde primero estudió dibujo y luego escultura, antes de mezclar las dos disciplinas en objetos de alambre garabateados que se volvieron más complejos con el tiempo.

Descubierta por Jean-Louis Robert Frédéric Dumas (1938 – 2010), un empresario francés que fue presidente del grupo Hermès (se le atribuye convertir a Hermès en una marca global de lujo) y director artístico de la compañía desde 1978 hasta 2006.

Jean-Louis Dumas conoció a Marie Christophe en 1996 en una exposición colectiva de arte en París, y en 1997 fue contratada para construir caballos esculturas de tamaño natural para los escaparates de la compañía en Beverly Hills.

La sofisticación juguetona del trabajo de Marie Christophe, definida a veces como “bobo” -un término irónico francés para denominar al estilo hipster bohemio– también se refleja en su residencia ecléctica de dos pisos del siglo XVIII, y sus casi 30 acres de pastizales que la rodean.

Christophe comparte esta villa con su marido, el diseñador de interiores Emmanuel Fenasse, y sus hijos Joseph y Raoul en Gers, una región agrícola al oeste de Toulouse (en el suroeste de Francia) y a la que se trasladaron desde París.

En el interior de la habitación que Christophe ha elegido como su taller, hay una mesa estrecha y alargada que rememora la sala de billar que alguna vez fue.

Las exquisitas esculturas de Christophe, tan delicadas que incluso las piezas más grandes no dominan una habitación completamente amueblada, aparecen como estructuras decorativas estilizadas que no distraen, pues apenas parecen estar ahí.

Marie Christophe exhibe sus piezas en ciudades de todo el mundo como Nueva York, Tokio o París.

Marie Christophe (pág. web).

Fuente: (The New York Times Style Magazine).

Marie Christophe y lámpara “Hibou” de la colección Sixties.

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Saturday, 31 March 2018

Geoffrey Harcourt

Geoffrey Harcourt. Pintor y diseñador industrial.

Geoffrey Harcourt, Geoffrey D. Harcourt (1935, Londres, Gran Bretaña), es un pintor y diseñador industrial británico.

De niño, Geoffrey Harcourt asistió a la High Wycombe Technical School, y posteriormente a la High Wycombe School of Art, donde obtuvo un Diploma nacional en Diseño (NDD).

Después del servicio militar en la Royal Artillery en 1955, terminó su formación en el Royal College of Art de Londres.

Después de su graduación en 1960, Geoffrey Harcourt viajó a Chicago (Estados Unidos), donde trabajó en diseño industrial desde 1960 hasta 1961, antes de regresar a Europa y trabajar con el diseñador Jacob Jensen en Copenhague.

En 1962 regresó a Inglaterra y estableció su propia práctica en Oxfordshire, donde comenzó a diseñar varios programas de asientos para la empresa holandesa Artifort. En 1962, diseñó su primera serie de sillones -para pequeñas oficinas- para Artifort.

Geoffrey Harcourt jugó un papel importante en la exitosa transición de Artifort al mercado de muebles por contrato. Sus diseños introdujeron a Artifort en el mercado internacional diseñando al principio, sobre todo, asientos para áreas de recepción.

Así, la “serie 042” de 1963 para Artifort, fue el primer gran éxito internacional e inmediato de Harcourt, sentando un precedente para las alianzas entre diseñadores británicos y compañías extranjeras.

Los asientos futuristas asociados a la era espacial de los años 60 y 70, creados a partir de ésta fructífera asociación, se convirtieron en los trabajos más conocidos de Harcourt y con muchos modelos en producción todavía hoy en día.

Los más destacados diseños para Artifort incluyen: la “Serie 042” (1963); la “Serie 500” (1967), incluidas las sillas “F 510“; “F 511“; “F 584“; “F 585” y “F 587“; “F 141 Chair” (1967); “F 978 Chair” (1968); “975 Intermediate Chair” (1968); “Cleopatra Chaise Lounge” (1970); “Chicago Chair” y la “Michigan Chair” (ambas de 1971), entre muchas otras.

Así por ejemplo, el Sillón “F585” (1967), entre el diseño nostálgico y moderno, pronto se convirtió en un icono de modernidad y buen gusto.

Su diseño se caracterizaba por las líneas suaves y bien marcadas con una forma de concha que proporcionaba un diseño ergonómico muy cómodo.

Entre sus materiales encontramos el acero en la base, el plástico inyectado para la estructura exterior y la espuma de poliuretano cubierta de algodón o cuero para el asiento.

Su filosofía es que la silla debe enfocarse en la persona y no al revés. La máxima de Harcourt: “Primero la persona, luego la silla“, se refleja claramente en sus diseños.

Geoffrey Harcourt tiene la capacidad extraordinaria de equilibrar una estética limpia con la tecnología ergonómica y la comodidad.

Otro diseño clásico de Harcourt, la “C248 chaise longue” o “Cleopatra chaise longue” surgió como interpretación y homenaje a la decadencia de estilo retro.

La estructura horizontal de la tumbona Cleopatra y su forma revolucionaria, así como la cubierta en tela lavable, hicieron de ésta una pieza de culto en el mundo del diseño de interiores.

En el transcurso de su carrera, Harcourt diseñó para otras compañías importantes a parte de para Artifort, como Dynamit Nobel; Trau (Turín); Steelcase Strafor; Gordon Russell; Hands of Wycombe; Ben Dawson Design, y otras muchas.

Otros diseños notables son: “Strathclyde University Assembly” Chair (1980) para Ben Dawson Ltd.; “Rapport Series” (1998) para Hands of Wycombe, y “Tandro” Chair (originalmente diseñada en 1961 y producida en la década de 2000) para Emmemobili (Italia).

En 1978 fue galardonado con el prestigioso título de Diseñador Real de la Industria (RDI) por la Real Sociedad para el Fomento de las Artes, Manufacturas y Comercio (RSA), y ha ocupado varias cátedras en diversas instituciones académicas, incluida su Alma Mater, el Royal College of Arts en Londres.

El trabajo de Geoffrey Harcourt ha sido exhibido en instituciones icónicas de todo el mundo, como el Stedelijk Museum de Amsterdam; el Centro Pompidou de París; el Museo de Artes Decorativas de Praga; el Design Council en Londres y Glasgow, y el Victoria & Albert Museum de Londres.

A partir de cumplir los 70 años, Geoffrey Harcourt se retiró del diseño de muebles para perseguir una pasión: la pintura. Hoy vive en Oxfordshire y continúa pintando.

Artifort (pág. web).

Geoffrey Harcourt y sofá “C248 chaise longue” o “Cleopatra chaise longue” (1970) para Artifort.

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source https://decorador.online/disenadores-destacados/geoffrey-harcourt/

Saturday, 24 March 2018

Kaare Klint

Kaare Klint. Arquitecto, diseñador y docente.

Kaare Klint (1888 – 1954, Frederiksberg, Copenhagen, Dinamarca) está considerado el padre del diseño moderno de muebles daneses.

Kaare Klint, era hijo del igualmente influyente Peder Vilhelm Jensen-Klint (1853 – 1930), un arquitecto, diseñador, pintor y teórico conocido sobre todo por diseñar la Iglesia de Grundtvig, en Copenhague, cuyo estilo expresionista se vincula en gran medida con las tradiciones góticas de ladrillo escandinavo.

Kaare Klint se formó en un principio como pintor antes de estudiar arquitectura bajo la tutela de su padre, el arquitecto Peder Vilhelm Jensen-Klint, y de Carl Petersen (1874-1923).

Desde 1893, Klint aprendió a fabricar muebles en Kalundborg y Copenhague, y recibió clases en la KEA – Copenhagen School of Design and Technology (la Escuela técnica de Copenhagen).

También estudió en la Escuela de muebles Jens Møller-Jensens (1869 – 1948), y las escuelas de Johan Gudmann Rohde (1856 – 1935) un pintor, litógrafo y diseñador danés, principal fundador de Den Frie Udstilling, que desde 1891 permitía a los artistas exhibir obras que no estaban dentro de los criterios de selección de la Academia.

En 1914, Carl Petersen invitó al joven Kaare Klint a colaborar en el diseño de muebles y accesorios para el Museo Faaborg, y de ahí salió su primer diseño de mueble, la silla “Faaborg“.

Klint abrió su propia oficina en 1920 y continuó trabajando para los museos durante las siguientes dos décadas, diseñando muebles tanto para el Museo Danés de Arte Decorativo como para el Museo Thorvaldsens de Copenhague.

Desde el principio, los muebles de Klint se caracterizaron por la armonía entre la elección de la forma y los materiales, a menudo inspirada en la Edad de Oro de estilos pasados y de otras culturas.

De 1921 a 1926 fue el responsable de la conversión del Hospital Frederiks en el Museo de Arte y Diseño de Dinamarca junto con Thorkild Henningsen e Ivar Bentsen.

En 1923, Kaare Klint ayudó a fundar el Departamento de Muebles y Diseño espacial en la Real Academia danesa de Bellas Artes.

Al año siguiente fue nombrado como el primer profesor asociado en este departamento, donde empleó un método de enseñanza considerado radical en su día, muy centrado en el análisis funcional, la elección de los mejores materiales y la mano de obra.

A través de este puesto como profesor -desempeñado desde 1924 a 1954- enseñó e inspiró a una serie de futuros diseñadores de muebles daneses, destacados y prominentes.

Entre éstos están Poul Kjærholm y Børge Mogensen, que facilitaron desde 1945 a 1975 el camino para la consecución de una renovación integral y una progresión internacional del estilo moderno danés de mediados del siglo XX.

El trabajo de Klint se caracterizó por unos diseños cuidadosamente investigados que se basaban en la funcionalidad, las proporciones adaptadas al cuerpo humano, la alta artesanía, el amor por la madera y el uso de materiales de calidad.

Su trabajo estaba impulsado por la investigación poniendo énfasis en una comprensión completa del mobiliario clásico, así como en la evolución de las formas de los muebles como base para los nuevos diseños, y se esforzó por transmitir este enfoque a sus alumnos.

Kaare Klint pedía a los estudiantes que construyeran los muebles de adentro hacia afuera, en base a un pre-análisis completo.

El foco estaba puesto en el análisis de las funciones, la elección y el procesamiento de los materiales. El estilo exterior en este sistema era menos significativo.

Exigió estructuras claras y lógicas, sin nada superficial, solo líneas limpias y puras, honestas y orgánicas, los mejores materiales y mano de obra genuina.

Entre los proyectos más notables de Kaare Klint están la silla “Faaburg” de 1914; el taburete “de la Hélice” de 1927; la silla “Roja” también de 1927, hecha en caoba para el museo e inspirada en las sillas inglesas del siglo XVIII; la silla “Safari” y la silla “de Cubierta“, ambas de 1933; y la silla “de la Iglesia” de 1936. También diseñó textiles, lámparas y órganos.

En arquitectura, la monumental y famosa Iglesia de Grundtvig (Copenhague) fue originalmente una comisión de su padre, cuya construcción había comenzado en 1921. Después de su muerte en 1930, Kaare Klint asumió la responsabilidad de completar el proyecto que duró hasta 1940.

Kaare Klint fue galardonado en 1949 con el título de Royal Honorary Designer for Industry en Londres y el Christian Frederik Hansen de la Real Academia Danesa de Bellas Artes en 1954.

Su trabajo está incluido en las colecciones del Museo Victoria & Albert de Londres; Designmuseum Danmark y el Museo Faaborg en Copenhague; el Israel Museum en Jerusalén; y el Museo Nacional de Diseño Cooper-Hewitt en Nueva York, entre otros.

Carl Hansen & Son (pág. web).