Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura

Tuesday, 21 November 2017

Sori Yanagi

Sori Yanagi. Diseñador industrial y de productos.

Sori Yanagi (1915 – 2011, Tokio, Japón) fue un diseñador japonés hijo de Muneyoshi Yanagi -filósofo de formación- quien fundó el movimiento Mingei, que celebraba la artesanía popular japonesa y la belleza de los objetos cotidianos.

Además Muneyoshi Yanagi ayudó a fundar el Nihon Mingeikan, el Museo de Artesanías Populares de Japón (Tokio).

Curiosamente, en 1977, Sori Yanagi, que siempre apoyó el arte tradicional japonés a lo largo de toda su vida, se convirtió en director de éste mismo museo.

Sori Yanagi estudió pintura al óleo en la Escuela de Arte de Tokio en 1934, pero influido por el arquitecto francés Le Corbusier dirigió su carrera profesional al diseño de mobiliario y utensilios para el hogar, siempre con la impronta estética de la simplicidad, la sencillez y la sensibilidad japonesa.

Entre 1940 y 1942 trabajó en el Estudio de la diseñadora francesa Charlotte Perriand, cuando ésta estuvo trabajando en Japón.

En 1952 funda el Yanagi Industrial Design Institute, desde donde producirá numerosos y extraordinarios muebles y objetos cotidianos.

Sori Yanagi ha estado durante décadas a la vanguardia del diseño contemporáneo gracias a los utensilios para cocina (teteras, tazas de café…) y el hogar.

Yanagi fue aclamado mundialmente por su “Butterfly” stool, exhibido en 1957 en la XI Trienal de Milán, y cuyas curvas recuerdan a las alas abiertas de una mariposa, la entrada a un santuario sintoísta, o incluso un casco antiguo de samurai.

A partir de ese momento se convirtió en uno de los gigantes del diseño industrial mundial gracias a que sus diseños, de formas orgánicas, aunaban el diseño industrial occidental con la tradición artesanal y ancestral de Japón.

Así, Sori Yanagi se convirtió en uno de los diseñadores japoneses más significativos después de la Segunda Guerra Mundial (un período de alto crecimiento en la economía japonesa) y allanó el camino en la escena internacional a otros jóvenes diseñadores japoneses.

Otro diseño típico de Sori Yanagi fue la banqueta de plástico apilable denominada con humor “excremento de elefante“, debido a su parecido a las patas de ese animal.

Además de muebles, diseñó -siempre fusionando sencillez y sentido práctico con elementos de la artesanía japonesa- lámparas, objetos de vidrio, cuberterías, juguetes para niños, la antorcha olímpica, estaciones de metro, coches, motocicletas y puentes.

Cuando diseñaba un nuevo producto, hacía diferentes propuestas y prototipos hechos a mano, repetidos una y otra vez, buscando nuevas posibilidades que conformaran formas nuevas a partir de ideas “viejas” tradicionales.

Muchos de los trabajos de Sori Yanagi se han incluido en las colecciones permanentes de museos como el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, y el Museo del Louvre de París.

Todos sus productos ilustran su pensamiento : “La verdadera belleza no se hace, sino que nace de forma natural“.

Vitra (pág. web).

Sori Yanagi y “Butterfly” stool (1954) para Vitra, que combina las formas orientales con la técnica del conformado de madera contrachapada.

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Saturday, 18 November 2017

Élisabeth Garouste

Élisabeth Garouste. Diseñadora de interiores, mobiliario y objetos.

Élisabeth Garouste (1946, París, Francia) es diseñadora de interiores y mobiliario, y hermana del artista David Rochline.

Élisabeth Garouste, en realidad Élisabeth Catherine Rochline, es hija de Salomon y Blima Rochline -inmigrantes rusos en Francia- que realizó sus estudios en la Escuela alsaciana Académie Charpentier, y estudió diseño de interiores en la École Camondo de París donde coincidió con Philippe Starck.

En diciembre de 1970, se casó con el pintor Gérard Garouste, trabajando unos años en el sector del comercio y también involucrándose con su marido en la asociación La Source, dirigida a los niños y jóvenes en riesgo de exclusión -en un medio rural desfavorecido- para enfocarlos en las disciplinas artísticas.

Élisabeth Garouste diseñó escenografías para Jean-Michel Ribes en el Théâtre des Champs Elysées en París, entre ellas las del dramaturgo español asentado en París Fernando Arrabal.

A finales de los años setenta (1979) Élisabeth, mientras trabajaba con su marido en el proyecto de interiorismo del famoso restaurante Le Privilège -en el teatro y club nocturno parisino Le Palace– conoció al por entonces fotógrafo de arte Mattia Bonetti, que se unió al proyecto y participó mediante el diseño de máscaras de terracota hechas a mano por el propio Bonetti.

El estilo resultante rompió con las convenciones de la estética predominante en ese momento, combinando las influencias de la Edad Media, la poesía y el Neoclasicismo.

Un mundo teatral y excesivo muy cercano al espíritu del arquitecto, paisajista y decorador Emilio Terry, creador del “estilo Louis XIX” (un estilo imaginario, libremente inspirado en ejemplos históricos).

En 1980, Garouste y Bonetti decidieron colaborar juntos en colecciones de muebles -en lo que sería una larga y fructífera asociación profesional- con una exposición de su primera colección conjunta en la galería Jansen (rue Royale).

Élisabeth Garouste y Mattia Bonetti se encuentran entre los diseñadores icónicos de la década de 1980 -junto con el grupo Memphis y Philippe Starck- desarrollando proyectos de decoración de interiores, además del diseño de muebles y objetos únicos, exclusivos e icónicos.

Poco después se asociaron con la galería Neotu, de Gerard y Pierre Dalmon Staudenmeyer, para la edición de sus muebles.

Entre las creaciones que han marcado esa época conjunta están la silla “Bárbara” (1981), donde su estilo innovador cautivó a los visitantes y medios de comunicación, lo que les valió el epíteto de Nuevos Bárbaros; las creaciones para la fábrica de vidrio Daum de Nancy, o para la fábrica de porcelana de Gien.

De 1982 a 1986 también se suceden las exposiciones en ciudades de todo el mundo como Nueva York, París, Burdeos, Tokio y Düsseldorf.

Otras creaciones destacadas son las boutiques de Christian Lacroix (1987); una línea de cosméticos y los envases de perfume “Deci Dela” y “Les Belles de Ricci” para la casa de moda Nina Ricci (1994); o la decoración de una de las dos líneas de tranvía y el mobiliario urbano en la ciudad francesa de Montpellier (2000 y 2006).

En 1991, Élisabeth Garouste y Mattia Bonetti, inspirándose en el estilo Barroco y el cine expresionista alemán, realizaron el diseño conjunto de la película de Pedro Almodovar “Tacones lejanos“.

En 1991 recibieron el Prix Créateurs en el Salon International du Meuble de París. En ese mismo año la galería Esperando a los bárbaros les dedican una exposición. Y en 1993, Élisabeth Garouste recibió el Trophée des femmes de ese año.

En 1996, Garouste y Bonetti viajan a Estados Unidos para decorar la boutique Aristoff en Beverly Hills, y el gigante de la alimentación Kraft, Jacobs Suchardfait, utilizó sus servicios para el desarrollo de sus envases.

Élisabeth Garouste y Mattia Bonetti son la antítesis del funcionalismo y el minimalismo. Su estilo es innovador y sus diseños son surrealistas, caprichosos, barrocos y teatrales, y utilizan una gran variedad de materiales como madera, piedra, cuero, terracota, hierro forjado y bronce.

Varias exposiciones individuales y colectivas han presentado el trabajo de Élizabeth Garouste en museos tan prestigiosos como el Museo Victoria & Albert de Londres; el Centro Georges Pompidou de París en 1997; el Museo de las Artes Decorativas y del Diseño de Burdeos, y el Museo Guggenheim de Nueva York en 1998.

En 2001, una nueva serie de exposiciones retrospectivas de su trabajo conjunto, como por ejemplo en el Grand-Hornu en Bélgica (un antiguo complejo industrial -y ejemplo único de urbanismo funcional- de minería de carbón, construido entre 1810 y 1830 y que hoy en día alberga exposiciones temporales en sus edificios), establecen el balance y el colofón de veinte años de colaboración.

En 2002, los Bonnie & Clyde del diseño se terminan separando. Élisabeth Garouste y Mattia Bonetti seguirán, a partir de entonces, su camino artístico por separado.

Élisabeth Garouste, crea ya en solitario, objetos, joyas y muebles -en edición única y limitada- en una variedad de materiales como el bronce, hierro, madera, vidrio y arcilla.

En 2007, y luego en 2013, con la exposición “Fragmentions” y “Eclecticismo“, en la galería Esperando a los bárbaros, su obra toma una dirección cada vez más artística.

En 2009, realiza el mobiliario para las tiendas de Christian Louboutin en París (rue Jean-Jacques Rousseau y la rue du Faubourg Saint Honoré) y la tienda de Moscú.

En 2012 Élisabeth Garouste exhibe en la ciudad de Lille sus creaciones más personales, con dibujos ejecutados en tinta o lápiz, cabezas y máscaras, y objetos-esculturas hechas de hierro martilleado y pintado; mostrando su interés por el arte popular, el arte primitivo y el arte marginal.

El 5 de febrero de 2015 Élizabeth Garouste tuvo su primera exposición individual en los Estados Unidos en Ralph Pucci (empresa a la que se había unido en 2014).

En 2016, expuso sus “quimeras” en la galería Polad-Hardouin Paris. “Zoopsie“, son personajes híbridos que evolucionan en un mundo mágico indefinido, y en los límites entre el mundo de las plantas, los animales y los humanos.

Garouste & Bonetti. David Gill Gallery (pág. web).

Élisabeth Garouste y miroir “Petits Carrés”.

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Wednesday, 15 November 2017

Kenya Hara

Kenya Hara. Diseñador gráfico, de productos y curador.

Kenya Hara (1958, Tokio) es sobre todo diseñador gráfico y curador japonés que trata de enfatizar el diseño de objetos y experiencias en estos momentos complejos donde el significado y el papel del diseño experimentan cambios drásticos.

Hara se graduó en la Musashino Art University en 1983 con un master en diseño, y poco después se unió al Nippon Design Center Inc.

En 1991 Kenya Hara fundó su propia empresa, Hara Design Institute, donde realiza propuestas y proyectos de diseño basados en la observación de la sociedad y del mundo actual que les lleva al descubrimiento de nuevos problemas por resolver.

Hara Design Institute tiene un equipo profesional de 20 personas, incluyendo al propio Kenia Hara, y cada proyecto comienza con la visión compartida entre todos los miembros del Estudio.

Hara Design Institute trabaja en todos los medios y campos posibles, aportando talento y tecnologías externas cuando es necesario. Ya sea en diseño gráfico, arquitectura, productos, sitios web, libros, exposiciones, sistemas urbanos o diseño de navegación.

Kenya Hara ha diseñado los programas para las ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de Nagano 1998. Gran parte de su trabajo, como éstas ceremonias o como la Expo 2005, está profundamente arraigado en la cultura japonesa.

Kenya Hara ha comisariado varias exposiciones muy exitosas, y en el año 2000 tuvo su propia exposición “Re-Diseño : Los productos diarios del siglo XXI“.

También es autor de varios libros notables sobre diseño como “Designing Design” (2000), en el que disertó sobre la importancia del “vacío” en las tradiciones visuales y filosóficas de Japón y en su aplicación al diseño, presentando con éxito el hecho de que los recursos de diseño se encuentran en el contexto de lo ordinario y lo casual.

Desde 2002 Kenya Hara se convirtió en miembro del consejo asesor de la compañía japonesa Muji, y comenzó a trabajar como su director de arte, lo que supuso para él un desafío a sus criterios personales.

“Muji no es un proyecto de creación de producto, sino un proyecto de sensibilidad estética y poder de inspiración. Por el descarte de lo inútil o lo extraño hemos creado en Muji algo que supera el concepto de lo hermoso. La cuestión es cómo hacer uso de ésta influencia, cómo hacer uso de ésta idea simple. Siento que a través de este trabajo, he pensado mucho, y he logrado madurar“.

En 2004, planeó y dirigió la exposición “Haptic – Despertar los sentidos“, mostrando al público que hay grandes recursos de diseño que están inactivos en los sentidos humanos.

En 2007 y 2009, produjo dos exposiciones tituladas “Tokio Fiber – Senseware” en París, Milán y Tokio; y de 2008 a 2009, la exposición “Japan Car” en París, y en el Museo de Ciencias de Londres.

El enfoque de Kenya Hara en este tipo de exposiciones es mostrar y difundir toda la potencialidad de la industria del diseño.

En 2008 se asoció con la marca de moda Kenzo para el lanzamiento de su fragancia masculina Kenzo Power.

Kenya Hara es una personalidad líder en el diseño japonés. Es presidente de la Nippon Design Center Inc.; profesor en la Universidad de Arte Musashino; presidente del Comité de Diseño de Japón Co., Ltd.; y es vicepresidente de la Japan Graphic Designers Association Inc.

El radio de actividad e influencia de Kenya Hara se ha ido expandiendo al resto de Asia y así, por ejemplo, varios libros de Hara, como “Designing Design” y “White“, han sido traducidos a numerosos idiomas, incluyendo otros idiomas asiáticos.

En una entrevista en 2014 para la revista Designboom Kenya Hara declaraba los motivos por los que quiso convertirse en diseñador.

“Me gustó el concepto de diseño, y aspiré a convertirme en una persona que vive en términos amistosos con el diseño“. El enfoque que emplea en su práctica empieza visualizando la suposición “podría haber sido“.

Según Hara, en diseño él produce “despertares y realizaciones“, y su habilidad más fuerte es “descubrir y verbalizar las cuestiones de nuestro tiempo“, es decir, el diseño de las circunstancias más que el diseño de los objetos.

“He sido autor de libros y producido un gran número de exposiciones, y por lo tanto he llegado a ser experto en el uso de palabras, como re-diseño, háptico, senseware, ex-formación y arquitectura para …; y también me he familiarizado con la perspectiva del editor“.

Lo que actualmente influye en su trabajo y le tiene fascinado son las matemáticas. “Me enteré de que la raíz de la palabra matemáticas, matemática, significa : revisar o repensar lo que ya sabes, y así que estoy siendo influenciado de nuevo por las matemáticas mismas“.

Y su lema personal : “la mano derecha hace el trabajo de la mano derecha, la mano izquierda hace el trabajo de la mano izquierda“.

Hara Design Institute (pág. web).