Monday, 19 June 2017

India Mahdavi

India Mahdavi. Arquitecta y diseñadora.

India Mahdavi (1962, Teherán, Irán) es arquitecta, diseñadora de mobiliario e interiores. India Mahdavi vive y trabaja en París.

Su padre es persa y su madre egipcia-inglesa, y vivió en Irán durante el primer año y medio de su vida para luego pasar el resto de su infancia viajando con sus padres, viviendo en los Estados Unidos, Alemania y Francia.

En su infancia cambió once veces de colegio y tres de idiomas. “Desarrollé una gran capacidad de adaptación, como un instinto de supervivencia que me permitió coger los códigos de cada país… y hacer de ello mi fuerza y mi forma de vida“, declaró en el número de Abril 2017 de la revista Glamour.

Este estilo de vida culturalmente diverso y nómada se refleja en sus diseños eclécticos y muy coloristas, que van desde casas, hoteles y espacios comerciales hasta interiores y mobiliario de avión.

India Mahdavi estudió arquitectura en la École des Beaux Arts de París entre 1980 y 1986, y obtuvo su diploma de arquitectura DPLG en 1987.

En realidad quería estudiar cine pero en aquella época sólo había una escuela en Francia y lo veía inaccesible. Por eso decidí seguir los pasos de uno de mis directores favoritos, Fritz Lang, quien antes de entrar en la escuela de Artes Gráficas de Viena cursó estudios de arquitectura“.

Hubo un hecho que fue determinante en su carrera y es cuando en 1985 se inauguró el Café Costes de París diseñado por el todavía no icónico Philippe Starck ya que de repente se rompían los códigos clásicos del bistró parisino re-inventándolos de manera radical y “un mundo nuevo se abrió ante toda una generación de arquitectos y diseñadores“.

En 1989 pasó un año en Nueva York, estudiando diseño gráfico en la Escuela de Artes Visuales, diseño de muebles en Parsons, y diseño industrial.

Luego volvió a París y empezó a trabajar como directora de Arte en el estudio de diseño de Christian Liaigre, donde permaneció durante siete años.

En 1999 India Mahdavi crea la empresa Imh interiores, y en 2003 abrió su propio showroom en París.

Al año siguiente fue elegida como Diseñador del Año en el Salón Maison & Objet de París.

El mundo creativo de India Mahdavi -que se caracteriza por una combinación de humor, elegancia y sensualidad- se basa en un estilo muy parisino que combina madera, cerámica, metal y laca, utilizándolos en interiores juguetones y cautivadores.

En la actualidad India Mahdavi está considerada como la “reina” de los diseños bohemios y los juegos cromáticos gracias a la imaginación y las dotes fantásticas que despliega en su proyectos.

El estilo Mahdavi “es ante todo un estado de anímico, una gran alegría de vivir, colorista y lleno de gratas sorpresas. Mis muebles distraen, envuelven y son acogedores. Si tuviéramos que hablar de un estilo, entonces diríamos que es todo cuestión de formas y colores“.

Los recuerdos en tecnicolor y la cultura Pop de su infancia en Estados Unidos se mezclan con el exotismo de sus orígenes dando lugar a un estilo que se podría definir como orientalismo pop.

Los aspectos indisociables de lo femenino (la sensualidad de las formas circulares y redondeadas con colores suaves y claros) y lo masculino (elementos gráficos más duros con colores oscuros y profundos, y materiales como la madera y el mármol) se mezclan en sus trabajos.

Entre los proyectos notables se incluyen el Hotel du Cloitre en Arles; el restaurante The Gallery en Londres; el Café Francais de París; el Rivington Hotel en Manhattan; el Townhouse Hotel en Miami; el Monte Carlo Beach Hotel en Mónaco, o el nuevo salón Ladurée en Ginebra.

Ha colaborado con nombres tan importantes como : Ralph Pucci; Jonathan Morr; Ian Schrager; Givenchy, y Louis Vuitton.

India Mahdavi reconoce que los nombres marcan “Me pusieron India porque mi padre -iraní- y mi madre -egipcia- me concibieron en ese país. Mi nombre refleja precisamente mi exotismo. Soy ante todo nómada, políglota y cosmopolita…. y mi trabajo consiste en intentar activar la vida, la felicidad y la luz“.

India Mahdavi (pág. web).

Diseñadora India Mahdavi.

India Mahdavi y la “Red Valentino” Flagship Store de Londres, con el sillón “Charlotte” y la mesita “Lolita”.



source http://decorador.online/disenadores-destacados/india-mahdavi/

Saturday, 17 June 2017

Karim Rashid

Karim Rashid. Diseñador industrial y de interiores.

Karim Rashid (1960, El Cairo, Egipto) es un diseñador industrial y diseñador de interiores de origen egipcio.

Karim Rashid es uno de los diseñadores más prolíficos de su generación, ha trabajado en más de 40 países, tiene más de 3000 diseños en producción y más de 300 premios.

Sus diseños incluyen artículos de lujo, mobiliario, iluminación, diseño de exteriores, identidad de marca y embalaje.

Sus diseños galardonados incluyen productos de lujo para ChristofleVeuve Clicquot y Alessi; productos democráticos para UmbraBobble y 3M; muebles para Bonaldo y Vondom; iluminación para Artemide y FontanaArte; productos de alta tecnología para Asus y Samsung; diseño de superficies para Marburg y Abet Laminati; identidad de marca para Citibank y Sony Ericsson, y embalajes para MethodParis Baguette, Kenzo, y Hugo Boss.

La revista Time lo ha descrito como el “diseñador industrial más famoso de toda América“.

Karim Rashid nació en la ciudad de El Cairo de un padre egipcio y una madre inglesa. Nació con el cordón umbilical envuelto alrededor de su cuello, y en su infancia tuvo retrasos en el desarrollo y un impedimento en el habla.

La familia emigró a Canadá donde se crió y asistió a la escuela secundaria en Mimico (Toronto). Hoy en día es un ciudadano estadounidense.

Rashid se licenció en Diseño Industrial en 1982 por la Universidad Carleton de Ottawa (Canadá).

Realizó estudios de diseño de posgrado en Nápoles (Italia) con Ettore Sottsass y otros diseñadores, para más tarde trasladarse a Milán durante un año para trabajar en el Estudio de Rodolfo Bonetto.

Después de este año en Italia, Karim Rashid pasó a trabajar con KAN Diseñadores Industriales en Canadá y allí, entre 1985 y 1991, cofundó y diseñó la Babel Fashion Collection y North. En 1992 Rashid abrió su Estudio de diseño en Nueva York.

Los diseños de Karim incluyen el bote de basura Garbo; la silla Oh para la compañía Umbra; una tienda para Giorgio Armani; tapas de registro para las alcantarillas de Nueva York; botellas de perfume para Kenzo; botellas de agua para Bobble; relojes y vajillas para Alessi; iluminación para Artemide y productos para Veuve Clicquot.

Su trabajo, de curvas sensuales y colores brillantes, es fácilmente reconocible y ha sido varias veces descrito (por el propio Rashid) como “minimalismo sensual” y “blobjects“.

Karim Rashid ha sido seleccionado recientemente para diseñar varios desarrollos inmobiliarios para un grupo de inversionistas internacionales HAP Investments en la ciudad de Nueva York.

En 2016, se anunció que Rashid está diseñando la renovación multimillonaria del Temptation Resort and Spa, en Cancún (México).

En su tiempo libre, Karim coquetea con el arte, la moda y la música. Sus obras de arte se exponen en galerías por todo el mundo, y tiene piezas en 20 colecciones permanentes entre las que se encuentra el MoMA de Nueva York; el Centre Pompidou de París, y el SFMOMA de San Francisco.

Posee doctorados con honores del Ontario College of Art & Design (Canadá); el Pratt Institute de Nueva York, y el Corcoran College of Art & Design de Washington (DC).

Karim es invitado frecuentemente para dar conferencias en universidades de todo el mundo para hablar de la importancia del diseño en la vida cotidiana; y ha aparecido en revistas como Time; Vogue; Esquire; GQ, y Wallpaper entre otras muchas.

La última monografía de Karim, XX Design Media Publishing (2015) cuenta con 400 páginas de trabajos seleccionados de los últimos 20 años.

Rashid ha ganado premios como el George Nelson Award en 1999, o el premio al Diseñador Canadiense del Año en el 2001.

En el 2012, el fabricante y diseñador danés BoConcept colaboró con Rashid para crear la colección Ottawa, que ganó el Red Dot Design Award de ese año 2012.

Su personal estilo se extiende más allá del diseño de producto a interiores como el restaurante Morimoto (Filadelfia); el Hotel Semiramis (Atenas); Nhow hotel (Berlín); Universita Metro Station (Nápoles), así como el diseño de exposiciones para Deutsche Bank y Audi.

En cuanto a su vida personal, Karim estuvo casado con la diseñadora digital Megan Lang, pero la pareja se divorció. Posteriormente Rashid se casó con Ivana Rashid en el año 2008, y juntos han tenido una niña llamada Kiva Rashid.

Rashid es hermano del famoso arquitecto Hani Rashid, de Asymptote. Karim es muy conocido por usar ropa completamente blanca o rosada.

Karim Rashid (pág. web).

Diseñador Karim Rashid.

Karim Rashid y su lámpara de mesa “Kinx” (2015) para FontanaArte.



source http://decorador.online/disenadores-destacados/karim-rashid/

Thursday, 15 June 2017

Centro comunitario del Estudio de arquitectura Aires Mateus

Una estructura monolítica blanca de Aires Mateus para el sur de Portugal

Los hermanos y arquitectos Manuel y Francisco Aires Mateus, con oficina en Lisboa, fueron invitados a diseñar un edificio -de 670 metros cuadrados- para ser utilizado como Centro de reuniones para el pueblo portugués de Grândola, en la región de Alentejo, situada a una hora de Lisboa.

El proyecto, un centro comunitario que puede albergar tanto reuniones grandes como grupos más pequeños, impone su presencia en las tranquilas calles del pueblo por su esquema de color monocromático, pero también por las aberturas dramáticas insertadas en sus fachadas.

Arcos triangulares profundos, recortes afilados y planos perforados abiertos en las fachadas blancas sin adorno, proporcionan puntos de entrada o ventanas que enmarcan las vistas exteriores del casco histórico del pueblo del distrito de Setúbal.

Aunque los requisitos programáticos determinan los esquemas de la distribución interior, el interior del edificio contrasta con el exterior. Un techo complejo y lleno de altibajos y matices -que responde a los espacios que contiene- se contrapone con una forma exterior simple y monolítica.

Dentro los pozos de luz angular y los planos que cuelgan de las superficies inclinadas descuartizan el espacio. Las cortinas blancas suspendidas de la parte inferior de algunos de estos planos se pueden utilizar para segmentar el espacio todavía más.

Las aberturas del techo y las aberturas cuidadosamente colocadas de la fachada garantizan que toda la estructura esté brillante y naturalmente iluminada, y en el perímetro de la edificación se situaron habitaciones de tamaño modesto rodeando un volumen más importante en el centro.

Una claridad horizontal completa esboza el espacio como un todo, que como la atmósfera se opone al peso de los vacíos verticales“, analizaron los arquitectos.

Las funciones de soporte profundizan la pared externa y periférica, la imagen final está determinada por la interacción del espacio interno y la fachada ocupada“, añadieron.

El estudio Aires Mateus ya ha diseñado varias casas en el pueblo de Grândola, incluyendo una casa con una planta en forma de cruz y un par de cabañas rústicas empleadas para las vacaciones.

Estudio de arquitectura Aires Mateus.

Dos vistas del Centro de reuniones comunitario en Grândola (Portugal) por Aires Mateus.

Aires Mateus (pág. web)

Fuente (dezeen)

Imágenes : Nelson Garrido



source http://decorador.online/centro-comunitario-estudio-aires-mateus/

Tuesday, 13 June 2017

Richard Hutten

Richard Hutten. Diseñador de productos y mobiliario.

Richard Hutten (1967, Zwollerkerspel, Holanda) se graduó en la prestigiosa Design Academy of Eindhoven en 1991.

Richard Hutten fue parte de la clase distintiva del ’91, donde también estaban diseñadores después tan relevantes como Jurgen Bey; Hella Jongerius, y Piet Hein Eek.

Ese mismo año de 1991 abrió su Estudio de diseño en la ciudad de Rotterdam, trabajando en una variedad de proyectos tales como diseño de muebles y de productos, diseño de interiores y exposiciones.

En la actualidad es uno de los diseñadores holandeses con mayor éxito internacional y desde 1993 colabora con Droog Design, una empresa de diseño conceptual holandesa situada en Amsterdam, que trabaja con diseñadores independientes para diseñar y realizar productos, proyectos, exposiciones y eventos.

Esta empresa ha trabajado, además de con Hutten, con otros diseñadores como Jurgen Bey; Hella JongeriusTejo RemyMarcel WandersEd Annink, y Joris Laarman.

En 1994 se introduce en la escena del diseño internacional con las piezas conceptuales The Cross y S(h)it on it, posicionándose como un diseñador con discurso propio y con conceptos tales como “no sign of design”, de los que surgen piezas conceptuales pero funcionales, extravagantes y lúdicas pero sin estilo reconocible, asépticas y frías.

Así por ejemplo, la mesa The Cross es en realidad una irónica interpretación que pretende denunciar los errores cometidos por la religión católica a lo largo de la Historia. Con el banco S(h)it on iten forma de esvástica, intentaba denunciar el fascismo… pero no fue del todo entendida y levantó mucha polémica.

Hutten es además internacionalmente reconocido por sus piezas de diseño infantil, entre las que destacan Dombo y Elephant hassock.

También el famoso y mundialmente conocido diseñador francés Philippe Starck utilizó algunos de los diseños de Hutten para los interiores del Delano Hotel de Miami y el Mondrian Hotel de Los Angeles.

Sus diseños pueden verse en las colecciones permanentes del Museum of Modern Art de San Francisco; Stedelijk Museum of Modern Art de Amsterdam; Central Museum de Utrecht, o el Vitra Design Museum, entre otros.

Uno de los axiomas de Hutten es : “Uno de los aspectos o características más importantes de un producto es que sea funcional, por eso me convertí en diseñador y no en escultor o artista“.

Entre los últimos trabajos de Richard Hutten en este año 2017 está la colaboración con la marca italiana JCP con una serie de lámparas con formas de robots que parecen haberse fugado de una película de ciencia ficción.

Rono, Betoo y Threeve fueron diseñados bajo el concepto ”Futuro-pasado”. Se exhibieron en el Salón del Mueble de Milán 2017 y son un claro ejemplo del estilo lúdico de la firma de Hutten.

Objetos no sólo para iluminar la habitación sino también para llevar alegría, para hacerte feliz y ayudarte a sonreír… pero al mismo tiempo con una sencillez que los hace duraderos.

Richard Hutten (pág web).

Diseñador Richard Hutten y su Could Chair.

Richard Hutten y su “Could” Chair.



source http://decorador.online/disenadores-destacados/richard-hutten/

Sunday, 11 June 2017

Hella Jongerius

Hella Jongerius. Diseñadora industrial y textil.

Hella Jongerius (1963, De Meern, Utrecht) es una diseñadora industrial holandesa.

Ingresó de la Academia de diseño Eindhoven en 1993. Ese mismo año fundó su propio estudio de diseño llamado Jongeriuslab en Róterdam.

En 2008 trasladó su estudio a la ciudad de Berlín, y desde 2012 trabaja para Vitra (Basilea, Suiza) como directora de arte para colores, textiles y superficies.

Con su estudio Hella Jongerius ha trabajado en diseño textil, cerámica y mobiliario, conciliando en su trabajo los elementos propios del diseño industrial con la tradición cerámica y textil.

La sensibilidad estética de la diseñadora se explica como una relación de opuestos : industria y artesanía, tradición y contemporaneidad, high tech y low tech. La combinación, muchas veces contradictoria, de los materiales da lugar a creaciones donde la textura y la materialidad de los acabados se convierten en protagonistas.

En el estudio de diseño Jongeriuslab han desarrollado proyectos independientes y han creado productos para grandes clientes como : Maharam (Nueva York); KLM y Royal Tichelaar Makkum (Países Bajos); Vitra (Suiza), e IKEA (Suecia).

En 1994, Hella diseñó la serie de jarrones Soft urn and soft vase en poliuretano, para Droog Design.

Más tarde, en 1998, hizo la colección B-set, vajilla intencionalmente imperfecta producida industrialmente para Royal Tichelaar Makkum.

Un año después, Jongerius creó la silla de espuma Kasese y la silla Sheep para Cappellini (Milán).

En el año 2002, diseñó el candelabro Crystal frock para Swarovski (Londres) y la serie de tapicería Repeat para Maharam (Nueva York).

Dos años más tarde, en 2004, creó los platos AnimalBowls para Nymphenburg Porcelain Manufactory (Múnich, Alemania).

En 2005, diseñó el sofá asimétrico Polder, sofá icónico de Vitra, así como los jarrones PS Jonsberg para IKEA (Suecia). En el año 2006 volvió a trabajar para Vitra, con la Worker chair.

Hella Jongerius piensa que crear algo completamente nuevo no es la única forma de diseñar, para ella un cambio de piel pude llevar a que el objeto no sea el mismo.

Es por esto que uno de los campos en los que más destaca es el diseño de textiles, y también es la razón por la que trabajó para el Museo Vitra en el desarrollo de una biblioteca de color, la Vitra Colour & Material Library, un sistema que permite combinar de forma versátil materiales y colores en la extensa colección de productos de la empresa.

Hella Jongerius ha escrito un libro sobre esta compleja labor titulado : “I Don’t Have a Favorite Colour”.

Los cambios de patrón, textura y colores cobran gran importancia en su forma de diseñar, pues dan un nuevo significado al producto.

Esta diseñadora disfruta explorando nuevos materiales, así como dándole un nuevo uso a otros que actualmente se emplean de forma distinta. A diferencia de la mayoría de diseñadores industriales, Jongerius no sigue un método riguroso, pues para ella el diseño se va dando en el proceso.

La diseñadora incorpora conscientemente la artesanía en el diseño industrial porque el trabajo manual otorga imperfección a las piezas, pero también personalidad y veracidad.

La investigación que hace Hella Jongerius sobre los colores, los materiales y las texturas siempre es provisional -con todas las posibilidades abiertas en un proceso que podría ser iterminable- aunque su aspecto es el de un producto terminado y/o semi-acabado.

Esto es aplicable a todos los diseños de Jongeriuslab, ya que todos los productos son el resultado de una etapa final pero al mismo tiempo transmiten que son parte de algo mayor, con un pasado y un futuro incierto.

Lo inacabado y lo provisional “ocultan” las huellas del proceso de creación y el potencial “revelado” de materiales y técnicas. A través de este método de trabajo, Jongerius no sólo celebra el valor del proceso sino que también compromete al usuario en su investigación.

Precisamente como piensa en la experiencia del usuario con el producto, diseñó los interiores de cabina de negocios para el primer Boeing 787 Dreamliners de la aerolínea KLM, pensando en reducir la incomodidad que una persona experimenta al permanecer muchas horas seguidas sentada dentro de un avión.

Los viajeros aéreos a menudo se sienten como engranajes insignificantes en una máquina bien engrasada, donde cada asiento es idéntico, excepto el número“, dijo un comunicado del estudio de la diseñadora para la revista dezeen.

Jongerius se enfocó en mejorar la experiencia del pasajero, creando un ambiente hogareño con colores cálidos y variados y reemplazando el plástico por otros materiales que tienen texturas más atractivas“.

Ella se esforzó por la unidad estética, evitando señales contradictorias y ofreciendo un aspecto fresco y contemporáneo“.

Las obras de Hella Jongerius se han expuesto en museos y galerías de todo el mundo como el Design Museum (Londres); la Galerie kreo (París), y la Moss Gallery (Nueva York).

Hella Jongerius (pág. web).

Diseñadora Hella Jongerius.

Hella Jongerius sentada en una silla “East River” para Vitra, y cuenco con Hipopótamo de la familia “AnimalBowls” para Porzellan Manufaktur Nymphenburg.



source http://decorador.online/disenadores-destacados/hella-jongerius/