Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura

Saturday, 9 December 2017

Philip Michael Wolfson

Philip Michael Wolfson. Arquitecto y diseñador de mobiliario e interiores.

Philip Michael Wolfson (1958, Filadelfia, Pensilvania, EE.UU.) es hijo de un ingeniero de la NASA.

Estudió arquitectura en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York) y en la Architectural Association School of Architecture de Londres, donde fue descubierto por la ya fallecida arquitecta Zaha Hadid, con la que trabajó después como Jefe de diseño durante diez años.

En 1991 fundó su propio estudio Philip Michael Wolfson Architecture + Design, donde desarrolla piezas de edición única y seriadas.

Con una manera de hacer distintiva, cuestionándose las formas y las ideas del Movimiento Moderno de principios del siglo XX, Philip Michael Wolfson plantea un enfoque único influenciado por la dinámica que produce la fractura/ruptura y la fragmentación.

Su concepto deriva de la dinámica de las formaciones naturales y el movimiento geométrico, donde los materiales se manipulan en formas fluidas y superponiendo capas.

La luz y las sombras son parte integral del resultado final de la obra, produciendo unos diseños estilizados y elegantes que se asemejan a formas orgánicas cuyo origen es la naturaleza, como contorsiones geológicas sedimentadas o como los movimientos enérgicos de un director de orquesta apasionado.

El refinado uso de materiales como la madera, el vidrio, los diferentes metales y tipos de piedra, así como nuevos materiales, como la fibra de carbono, aporta una elegancia dinámica y un sentimiento contemporáneo individual único.

Entre sus participaciones en proyectos de interiorismo están el diseño de piezas clave del mobiliario para el restaurante Robert (2010) en la azotea del Museo de las Artes y del Diseño de Nueva York (con vistas hacia Columbus Circle, Central Park y Broadway).

Este proyecto incluía una mesa de acero de más de 4 metros de largo y las mesas más pequeñas de cóctel. La iluminación fue diseñada por la prestigiosa arquitecta de San Francisco Johanna Grawunder y las piezas de tapicería por el maestro, ya un clásico, Vladimir Kagan.

Otra pieza destacada suya es “SoundForm FLUID” (2011), una pieza escultórica -para el lanzamiento de Glenmorangie Scotch Whisky en Taiwán y China- que fue concebida como una visualización concreta de la longitud de onda generada al verter un líquido en un cristal.

“SoundForm FLUID” fue el desarrollo de una poesía visual con la función de una barra de bar, con una forma escultórica tangible, surgida de la investigación de los estudios de Philip Michael Wolfson sobre la manera en la que el sonido se puede transportar y transformar en un objeto físico específico.

Otra pieza de mobiliario destacada es la mesa “Origami FloorDanceO“, una nueva variación de la serie Origami (2011).

La serie de Origami es una abstracción del plegamiento, de la estratificación y de la yuxtaposición de superficies. Fuerzas estáticas contra fuerzas dinámicas, un momento estático de un manual de pliegues y de acción suspendida y congelada.

“Origami FloorDanceO” es una mesa de café escultórica donde combina materiales como el aluminio y el cristal. En esta mesa Wolfson analiza el diálogo entre el ángulo y el círculo, y la sucesión de capas y la yuxtaposición de elementos crea una forma compleja de fuerzas estáticas y dinámicas.

Para Wolfson la arquitectura del siglo XXI aspira a parecerse, a escala monumental, a la escultura.

Philip Michael Wolfson piensa que el diseño experimental de muebles está a la vanguardia al acercarse claramente a la escultura, en un nivel diferente y con sólo la diferencia del elemento relativo a la función.

En este sentido, Philip Michael Wolfson es un radical y un aventurero que se enfoca en ese ámbito ambiguo donde se yuxtaponen conceptos diferentes.

Se puede decir que Wolfson está radicado entre la escultura y las formas que pueden apenas concebirse para ser utilizadas como muebles.

Sus diseños están expuestos en galerías de renombre como Contrasts Gallery en Shanghai y Sebastian & Barquet de Nueva York; en Ferias de Arte y Diseño de alto nivel como Art Basel (Suiza, Florida y Hong Kong); Design Miami (Florida); Salone Internazionale del Mobile de Milán, TEFAF en Maastricht (Holanda), y a través de Casas de subastas como Christie’s y Phillips de Pury & Co. en Londres y Nueva York.

Ha tenido exposiciones individuales en la Galería Franziska Kessler (2009) de Zurich (Suiza); el Festival de Diseño 2009 de Londres; en la Industry Gallery (2012) de Washington, D.C. y la Feria Internacional del Mueble Contemporáneo 2014 (un festival anual de diseño que se celebra en el Centro Javits) de la ciudad de Nueva York, entre otros.

Las obras de Philip Michael Wolfson han sido exhibidas, o incluidas, en numerosas colecciones internacionales como el Victoria & Albert Museum de Londres (Reino Unido); la Fundación Cartier de París (Francia) y el Price Tower Arts Centre de Bartlesville (EE.UU.).

Philip Michael Wolfson (pág. web).

Philip Michael Wolfson y “Longevity” desk (2007). Edición de 5 piezas hechas de aluminio, vidrio y madera.

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Wednesday, 6 December 2017

SANAA

SANAA. Empresa de arquitectura y diseño de mobiliario.

SANAA (Sejima y Nishizawa and Associates) es una empresa de arquitectura ubicada en Tokio (Japón), que se ha establecido con relativa rapidez en la vanguardia de la arquitectura internacional.

SANAA fue fundada en 1995 por los arquitectos Kazuyo Sejima (1956, Ibaraki, Japón) y Ryue Nishizawa (1966, Tokio, Japón).

Antes de fundar SANAA, Kazuyo Sejima se graduó en 1981 con una maestría en arquitectura por la Universidad de Mujeres de Japón.

Era una Universidad progresista, donde trabajaban mucho los proyectos a pequeña escala, mientras en otras escuelas del país abordaban escalas de mayor envergadura. No había demasiadas mujeres arquitectas dedicadas a la gran escala.

Su primera experiencia laboral fue como becaria del arquitecto Toyo Ito, en Toyo Ito and Associates, con quien trabajó hasta 1987, cuando estableció su propio estudio, Kazuyo Sejima & Associates.

Trabajadora incesante, a lo largo del tiempo ha construido una sólida trayectoria profesional en la cual su arquitectura habita entre lo material y lo abstracto.

Ryue Nishizawa, graduado como arquitecto por la Universidad Nacional de Yokohama, y que había sido alumno de Sejima, fue contratado para trabajar en Kazuyo Sejima y Asociados al poco tiempo de licenciarse en 1990.

En 1992 Kazuyo Sejima fue nombrada Joven Arquitecta japonesa del año por el Instituto de Arquitectos de Japón.

En 1995 Sejima fundó, junto a Ryue Nishizawa, la oficina conjunta Sejima and Nishizawa and Associates, SANAA, con base en Tokio.

SANAA fue creada fundamentalmente para encarar y compartir en equipo el trabajo de grandes proyectos y competencias internacionales. Cada socio preserva, asimismo, un espacio para encargos más pequeños que resuelven de manera individual (casas, tiendas, interiores).

Así en 1997, dos años después, Nishizawa fundó Ryue Nishizawa y Asociados, por lo que los arquitectos describen SANAA como una empresa que se compone de tres, y que se reúnen para discutir y criticar las ideas.

SANAA es mundialmente conocida por sus edificios blancos y ligeros muy enraizados en los orígenes culturales y la sensibilidad japonesa.

A pesar de los exteriores blancos, su arquitectura está lejos de seguir los preceptos arquitectónicos del Movimiento Moderno.

SANAA lleva las propiedades reflectantes del vidrio y el brillo del color blanco a un nuevo nivel.

La incorporación de elementos de duda y ambigüedad en los edificios de SANAA, así como la utilización de elementos lúdicos en su arquitectura, añade una nota de humor cuando se visita uno de sus edificios, lo que se revela como una experiencia refrescante y juguetona.

Las obras arquitectónicas más destacadas de SANAA son el Pabellón de Vidrio del Museo de Arte de Toledo (Ohio, EE.UU.); El New Museum de Arte Contemporáneo de Nueva York; El Centro de Aprendizaje Rolex de la EPFL (École Polytechnique Fédérale de Lausanne, Suiza).

The Serpentine Gallery Pavilion 2009 de Londres; El edificio Christian Dior en Omotesandō, Tokio; El Museo del Arte Contemporáneo del siglo XXI en Kanazawa, y el Museo Louvre-Lens en Francia.

El trabajo de SANAA, en este caso de diseño de mobiliario, se incluyó en la exposición “City of Girls” en el Pabellón Japonés de la Bienal de Venecia 2000 y en el “Garden Cafe” en la VII Bienal Internacional de Estambul (Turquía).

Su trabajo también ha sido expuesto en Zumtobel Staff-Lichtforum de Viena (Austria); Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia (España); Zeche Zollverein de Essen (Alemania); Galería MA de Tokio (Japón); N-museum de Wakayama (Japón) y New Museum de Arte Contemporáneo en Nueva York.

SANAA ha sido galardonado con el León de Oro por el trabajo más destacado de la exposición “Metamorph” en la IX Exposición Internacional de Arquitectura, en La Biennale di Venezia en 2004.

En 2005 recibieron el 46º Premio de Artes Mainichi Shinbun, y ese mismo año el Premio Schock en el ámbito de las Artes visuales.

En 2010, fueron galardonados con el Premio Pritzker, el más alto de los honores en arquitectura, que convirtió a Kazuyo Sejima en la segunda mujer en ganar este premio.

El jurado del Pritzker declaró que SANAA “explora como pocos las propiedades del espacio, la ligereza, la transparencia y la materialidad para crear una síntesis sutil“.

Sobre el uso persistente del color blanco, Sejima ha comentado que es un método para evitar una jerarquía en su arquitectura, trayendo la luz a todas partes en lugar de intensificar solo ciertos espacios.

Su difusión democrática y la circulación de la luz también reflejan su objetivo de crear sentimientos sobre la continuidad y la comunidad en espacios públicos.

Esta translucidez y los límites poco claros entre los espacios -buscando establecer la aspiración a la ligereza trascendente- se pueden ver en muchas de sus famosas obras.

Grace Farms es precisamente un buen ejemplo de ésto y ganó el Mies Crown Hall Americas Prize 2014/2015 que reconoce las obras arquitectónicas más destacadas construidas en el continente Americano (norte y sur).

El jurado se sorprendió “por la forma radical en que se borra la línea entre la arquitectura y el paisaje… el proyecto Grace Farms demuestra de manera única la capacidad de la arquitectura para crear un lugar para una nueva institución innovadora“.

En 2017 SANAA estuvo entre los ganadores, también por Grace Farms, del AIA Institute Honor Awards (Instituto Americano de Arquitectos), uno de los más altos reconocimientos de la profesión por la excelencia en el diseño, que nombró 18 proyectos arquitectónicos y de interiores como receptores de los premios.

El dúo de arquitectos SANAA ofrece en su trabajo de mobiliario la síntesis de modernidad occidental y estética japonesa tradicional que aplica en sus obras arquitectónicas.

Sus piezas de mobiliario, siempre relacionadas con un proyecto arquitectónico concreto, también expresan un lenguaje formal frío y minimalista, pero con un carácter simbólico ligeramente poético.

La empresa alemana Vitra lleva varios años colaborando con SANAA, por ejemplo en la construcción de uno de los Pabellones de producción del Vitra Campus, que se finalizó en el verano de 2010.

Así por ejemplo Vitra, ha incorporado a su catálogo de 2010 los bancos orgánicos llamados “Flower” (2001) que fueron utilizados por primera vez en un café-jardín durante la VII Bienal de Estambul, así como en la Biblioteca infantil diseñada por SANAA en la Mediateca de Toyo Ito en Sendai.

Más tarde, este mueble ha sido utilizado en otros proyectos de importancia de SANAA, como el Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa (2004) y en el Pabellón temporal Serpentine de Londres (2009), en el que la arquitectura y los asientos entablaban un intenso diálogo.

La idea de usar el banco en el Learning Center del EPFL hizo que SANAA y Vitra se decantaran por la fabricación en serie, ya que hasta el momento sólo se habían fabricado en pequeñas cantidades y siempre en relación con un determinado proyecto.

Este asiento triple y con forma de flor recuerda a un trébol o a una flor de tres pétalos. Por un lado resulta una perfecta plataforma en espacios públicos para la comunicación informal, y también puede utilizarse para el asiento y el descanso independiente.

SANAA (pág. web).

SANAA, formada por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, y la “Drop” chair (2005) para el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI en Kanazawa.

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Sunday, 3 December 2017

Poul Kjaerholm

Poul Kjaerholm. Ebanista y diseñador de mobiliario.

Poul Kjaerholm (1929, Øster Vrå – 1980, Copenhague, Dinamarca) comenzó como aprendiz de ebanista con Gronbech en 1948, pasando en 1952 a la Escuela Danesa de Artes y Oficios en Copenhague.

Ese mismo año de 1952 hasta 1956 comenzó una carrera como educador en esa misma escuela mientras seguía estudiando con los profesores Erik Herløw y Palle Suenson.

Su estilo personalísimo se manifestaba ya en 1952 en su serie minimalista “PKO” de madera contrachapada, siempre atento al detalle lógico y minucioso con un aura de exclusividad.

En 1953, se casó con Hanne Kjaerholm, que se convirtió en una exitosa arquitecta.

Desde mediados de la década de los 50 (1955) trabajó para su amigo Ejvind Kold Christiansen en Hellerup, un distrito de la municipalidad de Gentofte en los suburbios de Copenhague.

Ejvind Kold Christiansen fue un empresario que le dio una gran libertad artística y que produjo una amplia gama de sus muebles.

De 1957 a 1976 pasó a ser profesor en el Departamento de muebles e interiorismo en la Real Academia Danesa de Bellas Artes en Copenhague.

Poul Kjaerholm, a pesar de sus inicios como artesano, fue un fuerte defensor de la producción industrial y su trabajo se destaca entre los de sus contemporáneos daneses debido a su uso de marcos de acero en lugar de la madera tradicional.

En la moda típicamente escandinava, la mayoría de los contemporáneos de Poul Kjaerholm optaron por la madera como su principal material de construcción de muebles.

Sin embargo, a pesar de ese protagonismo del acero, Kjaerholm siempre lo combinó con otros materiales y diseñó muchos de los asientos para sus muebles en materiales naturales como caña, lona, cuero, marmol y cuerda.

Kjaerholm eligió el acero como su material destacado por considerarlo un material natural con la misma nobleza artística que otros materiales naturales.

“El potencial constructivo del acero no es lo único que me interesa, la refracción de la luz en su superficie es una parte importante de mi trabajo artístico, considero el acero un material con el mismo mérito artístico que la madera y el cuero“, comentó en su día Poul Kjaerholm.

En 1957 fue galardonada con el Gran Premio en la Triennale de Milán por su silla “PK22“, y un año después recibió numerosos elogios internacionales por su aportación a la exposición “Formes Scandinaves” de París.

En 1965, su PK24 Chaise Longue, de líneas fluidas simples combinadas con acero y caña tejida, tipificó su estilo maduro, y en 1967 fue galardonado con el premio danés ID por su diseño de productos.

En 1973 se convirtió en jefe del Instituto de Diseño y finalmente en profesor en 1976 hasta su muerte 4 años más tarde.

Desde 1982, la Republic of Fritz Hansen -una empresa líder en fabricación de muebles daneses- se hizo cargo de la producción y venta de una amplia selección de sus diseños “The Kjærholm Collection“, desarrollada entre 1951 y 1967.

En 2004, el hijo de Poul Kjaerholm estableció Kjaerholm Productions para producir los muebles de su padre que Fritz Hansen había parado de fabricar en el año 2003.

Fritz Hansen en 2007 añadió dos nuevas piezas a la Colección Kjaerholm, piezas que nunca antes se habían producido, como la silla “PK8” y la mesa de comedor “PK58“.

En 2008, la editorial Gregory R. Miller & Co. publicó la obra de referencia, completa y definitiva del diseñador, “The Furniture de Poul Kjærholm : Catálogo Raisonné” de Michael Sheridan.

Sus diseños están en la colección permanente del Museo del Arte Moderno de Nueva York (MoMA); del Museo Victoria & Albert de Londres y de otras colecciones en museos de Dinamarca, Noruega, Suecia y Alemania.

Republic of Fritz Hansen (pág. web).

Poul Kjaerholm, y “PK22” lounge chair (1956). En 1957 fue galardonada con el Gran Premio en la Triennale de Milán.