Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura: August 2018

Saturday, 18 August 2018

Mario Ruíz

Mario Ruíz. Diseñador industrial y de producto.

Mario Ruíz (1965, Alicante, España) se graduó en Diseño Industrial en la prestigiosa Escuela Universitaria Elisava de Barcelona, una de las canteras más prolíficas en diseño de nuestro país.

Estudió bachillerato en Alicante y sin saber nada de diseño, en plena etapa de búsqueda de vocación, se apuntó en un ciclo de conferencias en las que participaban Philippe Starck; Dieter Rams; André Ricard… “Aquello me cambió la vida“, reconoce.

“Antes de trabajar por mi cuenta trabajé como diseñador en otros estudios y dando clase de proyectos en la escuela Elisava. Ya entonces, tenía claro que quería trabajar por mi cuenta y, en cuanto pudo ser, puse en marcha mi estudio“.

“Hay dos formas de ser diseñador: trabajar para otros apoyando una determinada filosofía, o aventurarte a crear el camino a solas. Yo opté por la segunda“.

En 1995 comenzó su carrera profesional independiente abriendo su propio estudio en Barcelona: el estudio Costa Design, dedicado al diseño y desarrollo de producto industrial y tecnología.

En 2004, pone en marcha Mario Ruiz Design para el desarrollo de proyectos de mobiliario, iluminación, oficina y gráfica aplicada. Ambos estudios se fusionaron en 2008.

Para Mario Ruiz “…un buen diseñador debe ser paciente, saber escuchar y ser muy observador”.

Su trabajo multidisciplinar abarca numerosos ámbitos del diseño de producto y campos tan diversos como el mobiliario, la tecnología, la iluminación, el mobiliario de oficina y la gráfica aplicada.

Es un entusiasta del trabajo bien hecho, mimando al detalle el producto y su desarrollo. “Siempre trabajo a partir de un encargo y una conversación con el cliente. La investigación de materiales y formas la llevo a cabo siempre sobre cada proyecto, dependiendo del tipo de trabajo y de las posibilidades del fabricante“.

Mario Ruíz no piensa solo en la forma, sino también en el modo correcto de utilizar los materiales para conseguir los objetivos propuestos entre cliente y diseñador.

“Para mí es indispensable trabajar junto al cliente, acompañarle a encontrar lo que necesita. Ese es el sentido de lo que hago. La libertad en el trabajo para mí es el respeto, si me siento respaldado y muy bien comunicado con mi cliente, seguro que entre los dos logramos un proyecto interesante“.

Ruíz busca la solución adecuada desde la funcionalidad. Para él la estética del producto viene después. “En mi forma de entenderlo, la función es indispensable, por eso, cuando el objeto traspasa la frontera hacia el mundo del arte, deja de ser diseño; aunque me parezca interesantísimo, pero es otra cosa“.

“Cualquier objeto en el que trabajo nace de la misión de ser útil. Siempre parto de ahí, de que funcione. Para eso me contratan. Como no hay una única solución para que funcione, normalmente resolver los detalles es lo que te lleva a que surja un lenguaje, una estética que envuelve con coherencia los detalles funcionales. Para mí, el diseño lo que hace es acompañar al objeto para que haga bien su trabajo: ser útil“.

Su paleta de colores es sobria, donde predominan los grises, negros y los tonos tierras, sin dejar de lado en ocasiones la utilización de un color fuera de su gama cromática habitual para que haya un alto contraste.

En todo lo que hace su “sello” característico es la elegancia, con líneas limpias, claras y con un extremado cuidado en los detalles. “Hay una manera de hacer las cosas que es inequívoca y eso le da una personalidad a tu trabajo. Eso es lo que va tejiendo un guión invisible en todos tus trabajos a lo largo del tiempo“.

Mario Ruíz consigue transmitir la idea de confort y un estilo atemporal y perdurable. “Creo que los objetos que se vuelven imprescindibles sin hacer demasiado ruido, los diseños honestos, tranquilos, tienen muchas posibilidades de convertirse en perdurables“.

“La inspiración está en lo que está al alcance de los ojos, en la calle, en los viajes, en los objetos que nos rodean. Creo que ser diseñador se trata de vivir con los sentidos bien alerta a todo. Soy disléxico. Los disléxicos necesitamos ver muchas veces una palabra para aprender a escribirla, un no disléxico muchas menos. Sin embargo, nosotros las leemos mal pero somos capaces de darle un significado diferente cada vez sin saber que lo estamos leyendo incorrectamente. Creo que eso me hace ver a veces las cosas distorsionadas, y esa forma de ver la realidad alimenta mi trabajo“.

Mario Ruíz ha conseguido con todo ello una proyección internacional y una gran capacidad para crear una marca consolidada fuera de España con la que se ha ganado la confianza de más de 120 empresas líderes en el mundo.

Siemens; Steelcase; Teknion Studio; Offecct; Lapalma; Thomson; Arflex; Haworth; Grundig; Palau; Gandia Blasco; Expormim; HBF; Metalarte; Joquer; B.lux … están entre los muchos clientes con los que Mario Ruiz ha trabajado ampliamente .

Su premisa fundamental en diseño es “Ser honesto. Serlo con el proyecto, con el cliente y conmigo mismo“.

Para algunas de las empresas para las que ha trabajado y trabaja, no solo emprende proyectos directamente relacionados con sus productos en diferentes campos (muebles domésticos y de oficina, iluminación, diseño textil, diseño de productos) sino que también actúa como director creativo definiendo su producto.

Desde 1992 hasta 2002, Mario Ruiz fue Profesor de Proyectos Industriales en las Escuelas de Diseño Eina y Elisava en Barcelona, y ha dado numerosas conferencias en diferentes partes del mundo como Tokio, Singapur, Nueva York, Dubai, Londres y Chicago.

Sirvió, desde 1999 hasta 2001, en la junta de ADI-FAD (Asociación para el Diseño Industrial) de Barcelona.

En 2004, Actar publicó una monografía sobre su trabajo: “Mario Ruiz / Costa Design“.

Desde que empezó su práctica, la necesidad de ser internacional es probablemente uno de los aspectos más importantes que ha cambiado en el mundo del diseño.

“El desarrollar tu trabajo con la mirada abierta al mundo es uno de los grandes cambios. Cuando empecé, todo era mucho más local. También mi evolución ha ido en ese sentido. He pasado de trabajar 100% solo con empresas españolas a hacerlo en todo el mundo“.

El trabajo de Mario Ruiz se ha exhibido en exposiciones por toda Europa y Japón y su labor ha sido reconocida con más de 40 galardones internacionales, entre ellos, varios premios IF, Red Dot, Design Plus, Wallpaper Awards 08 y Neocon Awards 2008.

En 2015, se le concedió el Premio Red Dot Design Award (Essen) por el programa “Stockhom” para Punt Mobles.

En 2016 recibió el prestigioso Premio Nacional de Diseño en la categoría de “Profesionales“, otorgado por el Rey de España, Felipe VI y el Ministerio de Economía.

En una entrevista en octubre de 2016 a Pablo Delgado, Mario Ruiz declaró que:

“Los premios nunca son un objetivo pero cuando llegan son una muy buena noticia, reconocen el esfuerzo; es un mensaje que te dice que no está mal lo que estás haciendo. El Premio Nacional de Diseño me parece muy importante porque valora el trabajo hecho en el tiempo y desconozco la repercusión que tendrá sobre mi carrera, pero anímicamente es un gran estímulo para seguir trabajando“.

En 2017, recibió el Premio “MetropolisLikes NeoCon” de la revista Metropolis (Chicago) por la serie “Bevy” para StudioTK.

Mario Ruíz (pág. web).

Fuente: (Blogs ABC).

Mario Ruíz y lámparas “Tiga” (2011) para Noon.

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source https://decorador.online/disenadores-destacados/mario-ruiz/

Saturday, 11 August 2018

Kaj Franck

Kaj Franck. Diseñador, director artístico y docente.

Kaj Franck, Kaj Gabriel Franck (1911, Vyborg, Gran Ducado de Finlandia – 1989, Santorini, Grecia) fue una de las principales figuras del diseño finlandés y una personalidad influyente en el diseño y las artes aplicadas entre 1940-1980.

Su inspiración y principios comenzaron una tradición en el diseño finlandés todavía hoy en día fuerte y vigente.

Kaj Franck hizo una carrera de arte y diseño que se manifestó en todas las mesas de Finlandia, además de llegar a todo el mundo e influir en las generaciones futuras.

Su búsqueda de crear vajillas combinables, funcionales y universales despojadas de ilustraciones innecesarias ha sido una inspiración durante décadas, aunque la atracción que sentimos por sus diseños va más allá de la mera estética.

Kaj Franck nació en Vyborg, Finlandia, en una familia de clase media alemana, finlandesa y sueca.

En 1932, se graduó en el Departamento de Diseño de Muebles de la Escuela Central de Artes Industriales.

Kaj Franck, conocido a menudo como la “conciencia del diseño finlandés“, buscó crear lo que llamó “el objeto óptimo“, uno que reflejaba la relación ideal entre el hombre y el producto fabricado en serie.

Franck demostró su interés por la producción en masa: “quiero hacer uso de objetos que sean tan obvios que no se noten“.

Kaj Franck desarrolló, junto con hábiles artesanos, una extensa variedad de técnicas de cerámica y moldeo de vidrio que aplicó tanto para sus piezas de vidrio y cerámica funcionales, como para las piezas de arte de edición única.

Así desarrolló varias técnicas de vidrio burbuja, trabajó con vidrio de filigrana -desarrollando su propia versión- y diseñó copas muy coloridas.

Los diseños de posguerra de Franck para compañías como Arabia, Iittala y Nuutajärvi iban desde lo altamente funcional a lo puramente decorativo.

Los principios básicos en los que se apoyaba Kaj Franck fueron la moderación, la ecología y la igualdad

Se esforzó por minimizar el número de objetos cotidianos que necesitamos en nuestras vidas, llamando la atención sobre la sostenibilidad y el ciclo de vida de los productos.

El trabajo de Franck atendía y satisfacía las necesidades básicas humanas, pero con las propiedades de objetos cotidianos.

Formas simples y colores fuertes marcaron los diseños de Kaj Franck. Como otros muchos diseñadores, Kaj Franck utilizó formas geométricas elementales para lograr una universalidad y pureza de formas.

Su mundo consistía en las formas matemáticas básicas tales como esferas, cilindros, cubos y pirámides, y combinaciones de los mismos.

Algunos de los principios centrales de Franck vinieron de las realizaciones hechas como se las plantearía un niño, como con los cuencos de piedra:

“…. sentí que había un encanto especial en lo básico, pero no fue hasta 30 años después -cuando trabajé con artículos para el hogar- que me di cuenta de su importancia“.

“…. No necesitaba un cuenco de piedra para formar el punto de partida de mi trabajo, pero a partir de esa base rústica, adecuada para todas las necesidades de platos básicos, se convirtió en una especie de modelo funcional para mis diseños “.

Franck separó los estilos y las tendencias de la tradición y le dio un nuevo significado, aunque el punto de partida de su obra fue la practicidad combinada con la belleza.

Hoy su legado vive no solo en sus diseños, sino también en los diseños de los diseñadores más jóvenes en los que influyó.

Sus piezas fueron algunas de las más populares e influyentes de la época: versátiles y duraderos, estos diseños económicos se centraron en las necesidades del consumidor.

Sus productos se mantienen entre los más exitosos en la historia del diseño moderno -ya que sintetizan la utilidad y la estética con el máximo refinamiento- y continúan pareciendo tan contemporáneos hoy como lo fueron cuando se presentaron por primera vez.

Desde 1945 -y aunque creó diseños para otras compañías- Kaj Franck fue director artístico de la empresa de cerámica Arabia (ahora parte del Grupo Iittala) y director artístico y docente de la Facultad de Artes Aplicadas, predecesora de la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki.

Franck comenzaba cada diseño no centrándose en la forma sino en la idea, o el concepto subyacente, pero la mano que usaba el material también fue siempre una consideración clave en las formas simples diseñadas por Kaj Franck.

Este énfasis en la idea del diseño también lo llevó a su trabajo como profesor y más tarde al de director artístico en la Universidad de Arte y Diseño en Helsinki.

En 1946 declaró que: “la autenticidad y el material apropiado son conceptos inviolables que no se pueden cuestionar“.

Ese mismo año (1946), una competición -que iba a tener un gran impacto en el vidrio moderno en Finlandia- para la fábrica de vidrio Iittala (con el fin de producir nuevos diseños de vidrio decorativo) fue ganado por los diseñadores Tapio Wirkkala y Kaj Franck.

A partir de aquí se hicieron muy conocidos y después de la competencia ambos fueron contratados como diseñadores.

Entre 1951 y 1976, Franck fue director artístico en la fábrica de vidrio Nuutajärvi, tiempo durante el cual el diseño se convirtió en una importante industria de exportación en Finlandia.

Antes de unirse a Nuutajärvi, Franck había sido maestro de Oiva Toikka en el Instituto de Arte Industrial, en el que Franck trabajó como profesor titular y director artístico.

Mientras estaba en Nuutajärvi, Franck diseñó tanto vajillas de producción masiva, que se vieron influenciadas por el estilo del material, como piezas de vidrio artísticas y únicas.

Las piezas únicas y experimentales de Kaj Franck muestran un lado artístico de su personalidad creativa que probablemente sea en gran parte desconocida para el público en general.

Las piezas de arte iban desde creaciones de formas libres hasta jarrones de vidrio tallado más tradicionales, desde artículos de tiradas cortas hasta obras de arte únicas.

Para Franck, las piezas de arte ofrecían la oportunidad de descubrir nuevos métodos que después podía aplicar en la producción en masa.

En Nuutajärvi había un fuerte sentido de trabajar juntos por lo que se consideraba el bien común. Desarrollar el sentido de comunidad como un todo fue una actitud compartida tanto por la gerencia y directiva de Nuutajärvi como por los trabajadores.

Franck se adaptó bien a este espíritu comunitario socialmente progresivo y se sintió parte integrante del proceso, a pesar de que nunca vivió allí permanentemente.

Durante su tiempo en Nuutajärvi, Franck se unió a otros diseñadores, entre los que estaba Oiva Toikka. “Franck trajo un soplo de aire fresco del mundo a Nuutajärvi e hizo que Nuutajärvi fuera conocido en todo el mundo“.

Pero entre Kaj y Oiva se desarrolló un fuerte vínculo de amistad a pesar de sus diferentes personalidades y una considerable diferencia de edad.

“Éramos grandes amigos y, a veces, nos entusiasmaban las cosas más locas, como si fuéramos un par de niños“, ha reconocido Oiva Toikka sobre Kaj Franck.

En el período de 1952-53, Franck demostró, como declaración contundente, que el servicio de mesa no tenía porqué ser excesivamente complejo con el lanzamiento de la serie “Kilta“.

La gama de vajilla “Kilta” (1952-74) se ha convertido en un símbolo de la filosofía de diseño de Kaj Franck, y su lema: “El color es la única decoración necesaria” encontró su expresión en ésta vajilla.

En clara contradicción con la tendencia decorativa de la época, la gama “Kilta“, aunque minimalista en términos de forma y con una gama escasa en número de piezas, era muy versátil y podía usarse para cocinar, en la mesa y para almacenar alimentos.

La serie “Kilta” se podía usar en una multitud de combinaciones y era el primer conjunto completo -para fabricar- de artículos intercambiables de horno a mesa.

La adaptabilidad es integral. La base para la taza es la misma para el recipiente y la jarra pequeña. La misma tapa podría usarse para los tres platos.

También fue el primer servicio de mesa vendido por piezas individuales, lo que permitió que los consumidores de la posguerra lo compraran según sus posibilidades económicas.

Franck quitó el juego de la cena para que solo contuviera las piezas esenciales, y al hacerlo, revolucionó la vajilla para ajustarse mejor a los requisitos de las unidades de la casa de la posguerra con espacios habitacionales más pequeños.

Las ideas puras y las formas geométricas de líneas limpias hacen sus formas universales y han permitido que la gama adopte fácilmente los hábitos alimentarios cambiantes, las necesidades de diferentes culturas y la prueba del tiempo durante décadas.

Originalmente se fabricó en blanco, negro, amarillo, verde y marrón, aunque este último pronto fue reemplazado por azul cobalto.

El vaso también se convirtió en uno de los temas centrales de Kaj Franck desde el comienzo de la década de 1950 en adelante. El diseñador se dio cuenta de una verdad poderosa: “lo simple es hermoso“.

A pesar de que el mundo se mueve a un ritmo vertiginoso, lo cierto es que ésta simple verdad permanece vigente hoy en día y sus diseños demuestran ser obras maestras atemporales.

Como señala Christopher Mount en su ensayo para el folleto que acompañaba la retrospectiva que se le dedicó en EE.UU., “la definición de belleza de Franck, necesaria, funcional, justificada y correcta corresponde a su creencia de que una cierta verdad está incorporada en un objeto que simple y elegantemente cumple su función, su propósito“.

En 1960 comenzó a enseñar en el Instituto de Artes Industriales en Helsinki, donde permaneció durante las tres décadas siguientes.

Kaj Franck ha sido galardonado con una gran cantidad de premios finlandeses e internacionales, y su trabajo se ha exhibido en una amplia gama de museos de diseño de todo el mundo haciéndose famoso internacionalmente.

Entre sus muchos honores, Franck fue galardonado con la Medalla de Oro (1951); el Diplome d’Honneur (1954) y el Gran Premio (1957) en la Trienal de Milán, así como el Premio de Llanto (1955) y el Compasso d ‘Oro (1957). En 1964, Kaj Franck fue galardonado con la Medalla Prince Eugen.

Además, su obra apareció en las exposiciones Good Design en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York durante la década de 1950.

La herencia de Franck forma parte de cada hogar finlandés, y entre sus obras más conocidas están las series “Iittala Teema” y “Kartio“, que siguen siendo productos muy exitosos en la actualidad.

El Design Forum Finland otorga el Premio anual de Diseño Kaj Franck -el reconocimiento de diseño más prestigioso de Finlandia- a un diseñador o equipo de diseñadores que trabaja “siguiendo el espíritu” de Kaj Franck.

Entre los destinatarios del premio están: Oiva Toikka (1992); Yrjö Kukkapuro (1995); Heikki Orvola (1998); Eero Aarnio (2008); Simo Heikkilä (2011), y Harri Koskinen (2014).

En enero de 2011, la Casa de la Moneda de Finlandia lanzó una moneda para coleccionistas, que conmemora el centésimo aniversario de su nacimiento, con el tema “Kaj Franck y Arte Industrial“.

Para celebrar el 100 aniversario del nacimiento de Franck, Iittala emitió en 2011 re-ediciones de las copas “Kartio“; la vajilla “Teema“; los frascos “Purnukka “y “Atenas“, y de las esculturas de vidrio “Morning“.

Iittala (pág. web).