Estudio de Decoracion, Diseno y Arquitectura: November 2017

Thursday, 30 November 2017

Satyendra Pakhalé

Satyendra Pakhalé. Arquitecto, diseñador industrial y de mobiliario.

Satyendra Pakhalé (1967, India) estableció su Estudio, Satyendra Pakhalé Associatesen, en 1998 en la ciudad de Amsterdam (Países Bajos), donde vive y trabaja.

Satyendra Pakhalé Asociados es un Estudio de diseño multidisciplinar cuya producción abarca desde el diseño industrial (electrodomésticos…) y de objetos, hasta productos tecnológicos (ordenadores, productos digitales…), de transporte, y diseño de muebles y arquitectónico.

El galardonado arquitecto y diseñador Satyendra Pakhalé obtuvo su licenciatura en Ingeniería mecánica en el Instituto Nacional de Tecnología de Visvesvaraya en Nagpur en 1989 y después realizó un Máster en el reconocido Instituto Indio de Tecnología (IIT) de Bombay, finalizándolo en 1991.

Después, Satyendra Pakhalé estudió Diseño Avanzado de Producto en el Art Centre College of Design Europe en La Tour-de-Peilz (Suiza), graduándose en 1994.

Pakhalé colaboró como diseñador senior en proyectos como los productos de comunicación para Lucent Technologies y el concept car “Pangéa” para Renault, como parte del nuevo equipo pionero de “creación de nuevas empresas“.

También diseñó algunas de las primeras ideas de producto para las nuevas tecnologías en el Área de comunicación digital y diseño de transporte de la empresa Philips (Philips Design) en Eindhoven entre 1995 y 1998.

Sus diseños emanan del diálogo cultural oriente/occidente, sintetizando nuevas aplicaciones de materiales y tecnologías.

“La complejidad se resuelve a través de la experimentación y se lleva a la elegancia, proporcionando la mejor solución para cada empresa“.

Satyendra Pakhalé considera la profesión de diseñador como “una expresión de verdadero optimismo humano” y está motivado por parámetros sociales, tecnológicos, ecológicos, industriales y sobre todo culturales, así como por una visión plenamente creativa.

Sus principales intereses son el diseño de productos desafiantes de producción masiva y arquitectura pública.

Empresas de renombre como Alcantara; Cappellini; Alessi; Moroso; Material ConneXion, Franke; Hästens; Magis; Novartis y TOD están entre sus clientes.

Satyendra Pakhalé Asociados, a través de una serie de proyectos de diseño que han sido galardonados, ha conquistado una reputación mundial para diseñar diversas tipologías innovadoras, llevando al límite las posibilidades de la tecnología y los materiales.

Así por ejemplo, la contínua curiosidad de Pakhalé por los materiales, la tecnología y su expresión cultural plural ha dado lugar a piezas de edición limitada representadas por Gabrielle Ammann Gallery de Colonia (Alemania).

Los “Objetos B.M.” le dieron a Satyendra Pakhalé la idea de diseñar una silla escultórica con forma primitiva e icónica de caballo, y la silla “B. M. Horse” es el resultado de siete años y medio de una persistente investigación y desarrollo de posibilidades.

El tamaño de la pieza hizo que fuera imposible realizarla en una sola pieza en zonas rurales de India, por lo que se creó un estudio de escultores que se reunieron para su realización en la ciudad de Nagpur.

El proceso para su fabricación, único e innovador, combinó tecnologías diversas con viejos y nuevos materiales, lo que hace que el producto sea inequívocamente de edición limitada.

Se hicieron cuatro intentos auto-financiados para lanzar la silla, pero todo falló y la fabricación se trasladó a Europa.

Pakhalé ha ganado numerosos premios, como el Premio Editor’s Choice 2003 por “Akasma” centrepiece en ICFF (High End Furniture Fair de Nueva York); el premio Red Dot 2008 por “Add-On Radiator” Radiador modular, y el Distinguished Alumnus Award de IIT de Bombay en 2013.

Satyendra Pakhalé ha dado conferencias en todo el mundo en plataformas como CeBIT (Alemania) y Future Design Days (Suecia).

La Academia de Diseño de Eindhoven (Países Bajos) le invitó a diseñar y dirigir el Master en Diseño para la Humanidad y Vida sostenible de 2006 a 2010.

Se han celebrado varias exposiciones individuales de sus obras como “OriginS” (2008) en la Galería Gabrielle Ammann; “Design by Heart” en la Galería Otto Bologna (2003) de Paola Antonelli (curadora del Museo de Arte Moderno Nueva York), y “Del Proyecto a los Productos” en el Museo Stedelijk en Amsterdam (2002) de Ingeborg de Roode (conservadora de éste museo).

Sus piezas están en colecciones permanentes y en prestigiosos museos de todo el mundo, entre ellos el Victoria & Albert Museum de Londres; el Museo Stedelijk de Amsterdam; el Museo de Bellas Artes de Montreal; el Centro Pompidou de París y el Museo de Artes Aplicadas de Colonia, entre otros.

Satyendra Pakhalé (pág. web).

Satyendra Pakhalé, y “B.M. Horse” chair (2000) expuesta en la galería Gabrielle Ammann de Colonia (Alemania).

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Monday, 27 November 2017

Ricardo Fasanello

Ricardo Fasanello. Diseñador de mobiliario autodidacta.

Ricardo Fasanello (1930, São Paulo – 1993, Río de Janeiro, Brasil) es un diseñador brasileño autodidacta que se mudó con menos de 15 años a Río de Janeiro y comenzó a demostrar su valía desde muy temprano, proyectando y construyendo un velero a los 14 años y, con 18 años de edad, construyendo pequeños apartamentos (lofts) proyectados por él mismo.

Inició su carrera como diseñador a finales de la década de 1950, liderando a un grupo de artesanos y artistas, cuando abrió su propio Estudio, Atelier Ricardo Fasanello ,en el barrio bohemio de Santa Teresa de Río de Janeiro, donde vivían artistas e intelectuales.

En el taller de Santa Teresa, Ricardo Fasanello trazó las primeras líneas y comenzó a hacer las primeras experimentaciones para la producción y creación de muebles que se convirtieron en clásicos del diseño brasileño, como el sofá “Fardos” (1968); la silla “Esfera” (1968); la silla “Gaivota” (1971) y la silla / sillón “Anel” (1970).

Para la realización de estos muebles desarrolló habilidades y soluciones técnicas pioneras para su época, haciendo de su tienda de muebles un verdadero laboratorio de diseño.

Su carrera fértil como diseñador estuvo marcada por una producción ininterrumpida y frenética, buscando la perfección de las formas, armonizando contrastes, y combinando el potencial de una gama de materiales tradicionales -acero, hierro, madera, cuero- con la exploración pionera de materias primas sintéticas, especialmente, la resina de poliéster y la fibra de vidrio (poco usuales en la época).

La silla “Fardos” fue su primer éxito internacional, compuesto por tres enormes rollos cubiertos de ante y atados por tiras de lona. Esta pieza fue presentada en Equipment Exposition, primero en París y más tarde en Berlín, en 1971.

La recompensa por su trabajo valiente y de vanguardia vino en 1975, cuando fue invitado a ejecutar el proyecto de interiorismo y mobiliario para la nueva sede del diario El Estado de São Paulo (Estadão), uno de los mayores periódicos de Brasil, y escogió el sofá “Fardos“, de cuatro plazas, para el hall del edificio.

La atemporalidad de sus piezas y la exploración de formas geométricas, como círculos, curvas y esferas, fueron la marca inequívoca de su trabajo.

Incluso después de su muerte, en 1993, sus proyectos continuaron siendo fabricados por su taller en santa Teresa, hoy administrado por sus hijos.

En su Atelier, encontramos una división del espacio en un showroom, donde se exponen todos sus trabajos, y el taller propiamente dicho para la producción artesanal de sus muebles.

Las creaciones contemporáneas son ejecutadas por los artesanos de ETEL Interiores por medio de las técnicas milenarias de carpintería.

La funcionalidad y el uso de herramientas artesanales en la ejecución de sus diseños son marcas registradas del mobiliario de Fasanello. Su trabajo combina la inconfundible estética brasileña y una sofisticación atemporal que resiste muy bien el paso del tiempo.

En 2008, el sillón “Esfera” (1968) fue incluido en la colección de diseño permanente del San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), en los Estados Unidos.

Ricardo Fasanello (pág. web).

Ricardo Fasanello, y su silla “Esfera” (1968).

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Friday, 24 November 2017

Pierre Charpin

Pierre Charpin. Diseñador, artista y escenógrafo.

Pierre Charpin (1962, Saint-Mandé, Île-de-France, suburbios del este de París, Francia) se graduó en Bellas Artes en la Ecole Nationale Supérieure d’Art de Bourges en 1984. En la actualidad vive y trabaja en Ivry-sur-Seine, cerca de París.

Es hijo del escultor Marc Charpin, del que seguramente aprendió pacientemente a ver la pieza en proceso de fabricación antes de que se revelase finalmente. Desde principios de los años 90 se dedica a diseñar objetos y muebles.

La investigación formal de Pierre Charpin materializa ideas con formas únicas y arquetípicas de una forma poética y minimalista. “Para mí no hay diferencia entre trabajar para la industria o para una galería“.

El enfoque discreto y suave de Pierre Charpin se caracteriza por la armonía y la simplicidad que desprenden todas sus creaciones.

Su lenguaje formal es simple y colorido pero deja espacio para el humor y para el juego. “Trato de transmitir mensajes delicados y sensibles que no siempre encajan con la gran difusión“.

Así por ejemplo, en 1990 realizó su primera exposición individual en la Galerie Perkal (París) donde presentó su investigación sobre la posibilidad de muebles “antropomórficos” y una serie de objetos de vajilla de plata fabricados en 1988.

Después de trabajar en 1993 y 1994 en Milán, en el Estudio del diseñador británico George Sowden (uno de los fundadores del grupo Memphis), regresó a París.

En 1995 recibió la beca de investigación “Carte Blanche” de la VIA (Valorisation Innovation dans l’Ameublement), que concede cada año a los diseñadores cuya originalidad y madurez del enfoque creativo sea excepcional, como parte de la misión de promoción y desarrollo de la creación francesa a través de uno o más premios “Carta Blanca“.

Estas becas ofrecen a los fabricantes, editores y distribuidores la oportunidad de descubrir y conocer a la gente con talento, y que además van a ser los creadores del mañana.

En 1996, diseñó varios proyectos de asientos para “La Colección Tropical” (La Maison du Meuble Créole, Isla de La Reunión).

Ese mismo año (1996) participó y fue el curador responsable de la exposición “Montado en Ivry” en el Crédac (Centre d’Art Contemporain d’Ivry-Sur-Seine).

En 1997 participó en la 1ª Bienal de Diseño en Saint-Étienne, en la que atrajo la atención de la empresa minorista Vroom por su investigación sobre el coche como objeto, resultado de un taller con estudiantes de las Beaux-Arts de Saint-Étienne.

En 1998, Brunati empezó a distribuir su sillón “Slice“, que sería reeditado en 2014 por Cinna – Ligne Roset.

Ha participado en proyectos de investigación con asociaciones, como los realizados de 1998 a 2001 en el C.I.R.V.A. (Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts Plastiques en Marsella, Francia), diseñando objetos de vidrio.

Y de 2003 a 2005 en el CRAFT (Centre de Recherche sur les Arts du Feu et de la Terre en Limoges, Francia) diseñando objetos de porcelana.

También ha hecho colaboraciones de diseño de productos con empresas internacionalmente conocidas como: Alessi; Cristalleries de Saint-Louis; Hermès; Japón Creative; Ligne Roset; Magis; Manufacture Nationale de Sèvres; Montina; Pamar; Tectona; Venini; The Wrong Shop, y Zanotta.

En 2004 Pierre Charpin fue el ganador del concurso internacional para el diseño de La Carafe “Eau de París“.

Desde enero de 2010 el Ayuntamiento de París se encarga de gestionar el agua de la ciudad a través del organismo municipal “Eau de Paris“, tras 25 años de gestión privada.

Para celebrar este momento se reeditó la garrafa de agua de París, una botella de cristal, de cuello ancho y sin tapón, creada por el diseñador Pierre Charpin. Las garrafas costaban unos 12 euros y se podían comprar en las tiendas de menaje de la ciudad y en el Pavillon de l’eau.

En el 2005 su florero “Triplo” para Venini, figuraba en la lista de selección para el Compasso d’Oro. El mismo año (2005) en el que fue nombrado “Créador del año” en el Salon du Meuble de París.

El más reciente galardón ha sido en 2017, elegido Diseñador del año en el salón Maison & Object de París.

Después de montar una primera exposición individual de su obra en 1999, la Galerie kreo (París) tiene el derecho exclusivo de producir ediciones limitadas de sus piezas presentadas en exposiciones individuales desde 2005 : “Plataforma” en 2006; “All’Aperto” en 2008; “81 / 2” en 2009; “Ignotus Nomen” en 2011, y “Marbles & Clowns” en 2015.

Algunas de sus exposiciones individuales son : “Una muestra di mobile” (1998) Galería Post Design (Milán); “Torno subito” (2001) Galería de los Curiosités, Museo de las Artes Decorativas (París); “Oggetti Lenti” (2005) Galería de Diseño Milano; “Entre los jarrones” (2009) en el MUDAC (Museum of Contemporary Design and Applied Arts) de Lausanne; “Pierre Charpin en el apartamento 50” (2014) Cité Radieuse (Marsella); “Villégiatures, Design Parade 10” (2015) villa Noailles (Hyères), y “Atmosphera” (2015) SpheraExposición (Kyoto).

Pierre Charpin ha sido además el escenógrafo de sus propias exposiciones en el MUDAC (Museum of Contemporary Design and Applied Arts) de Lausanne, y en 2011 “Pierre Charpin au Grand-Hornu, veinte años de trabajo” en el Centre d’Innovation et de Design au Grand-Hornu (Bélgica).

Así como también ha sido el escenógrafo para exposiciones temáticas como “Quali cose siamo“, en la 3ª Trienal del Museo del Diseño (Milán), organizada por Alessandro Mendini en 2010.

En paralelo con su trabajo como diseñador, de 1998 a 2008 dio clases de diseño en la École supérieure d’Art et de Design de Reims, y desde 2006 ha sido profesor en el Departamento de diseño industrial de la ECAL-Universidad de Arte y Diseño en Lausana.

Las piezas de Pierre Charpin han sido incluidas en muchos libros de diseño junto con otros creadores.

Su trabajo también ha sido objeto de varias publicaciones monográficas como “Pierre Charpin à Vallauris” y “Pierre Charpin au CIRVA” (2000); “Nouvelles formes pour Sèvres” (Bernard Chauveau Éditeur, 2008) y “Entre les Vases” (Birkhaüser, 2009) coincidiendo con su exposición en el MUDAC (Museum of Contemporary Design and Applied Arts) de Lausanne (Suiza).

En 2014, JRP Ringier publica su primera monografía “Pierre Charpin“.

Sus diseños están incluidos en muchas colecciones privadas y numerosas colecciones públicas como Fonds National d’Art contemporain (París / La Défense); Musée National d’Art moderne / Centre de Création Industrielle (París); Musée des Arts Décoratifs (París), y Museo de Arte de Indianápolis (Estados Unidos).

Pierre Charpin (pág. web).

Pierre Charpin con dibujos sobre papel “Termitière” (2015), y re-edición del sofá “Slice” (2016) para Cinna – Ligne Roset.